Tudo É Dança

Revista de Dança

2011-05-02T19:17:00.000-07:00

Queridos amigos e seguidores do Tudo É Dança,

Escrevo hoje para dividir com vocês todos, que dançam comigo aqui durante todos esses anos, uma grande novidade.

Ao lado da Flávia Fontes Oliveira criei um novo espaço para as reflexões em dança. É a REVISTA DE DANÇA que entrou no ar na semana do Dia Internacional da Dança e só nos tem trazido alegrias. Um sonho que tem se tornado contrato.

Já publicamos matérias interessantes. Eu, por exemplo, fiz uma entrevista com o o Li Cunxin (O Último Bailarino de Mao) e com a Mayara Magri, o mais novo fenômeno da dança brasileira. A Flávia estreou essa semana uma série de entrevistas com formadores da nossa dança e o primeiro a dividir conosco o seu olhar foi Ricardo Scheir. Ela também fez matérias com fotógrafos de dança e um texto delicioso sobre dança e moda.

Enfim, todo dia (é sério TODO DIA) teremos novidades para vocês. Dancem com a gente!

Dancem no www.revistadedanca.blogspot.com

beijos

Marcela

Joinville: contagem regressiva

2011-02-25T16:50:00.000-08:00

Marcela Benvegnu

Tenho que admitir. Morri por dentro em não ir ao Festival de Dança de Joinville no ano passado. Sinto falta de ouvir e cantar: "Dança Joinville, dança o meu coração, a vida é um palco, movimento emoção/ As flores da cidade, vão dançar com você/ Vem para Joinville, nós queremos te ver/ Para dançar, dançar, dançar e ser feliz/ Festival de emoções, do meu país. / Para dançar, dançar, dançar e ser feliz/ Festival de emoções, do meu país". Garanto que quem está lendo esse post está cantando essa música agora lembrando do Centreventos lotado e todos com os celulares na mão fazendo uma coreografia de luzes e vozes. Um só corpo de 5 mil pessoas.

Minha história com o Festival é muito particular. Fiz aula, dancei, fui como crítica por alguns anos e depois como professora. É como se no mês de julho eu me sentisse totalmente preenchida pela dança. Enfim, esse ano, em julho estarei lá. Fato.

Mas o objetivo deste post não é contar a minha história, e sim anunciar que as inscrições para os cursos e oficinas já estão abertas. Quando eu tinha meus 18 anos eu fazia contagem regressiva para poder me inscrever. Era como ganhar um presente conseguir uma vaga nos cursos de jazz. Esgotavam-se em horas.

Esse ano os números são expressivos: 26 cursos, 1700 vagas (sendo 720 para o balé clássico), 48 turmas, 32 professores. Foram liberadas 70% das vagas, o restante é liberado em junho, quando saem os resultados da mostra competitiva, meia ponta e palcos abertos. Assim todos podem ter a chance de fazer aulas.

Entre os professores da 29 edição, destacam-se: Paulo Vinícios, Ilara Lopres, Neyde Rossi, Carla Bublitz, S´rgio Marshal, Cristina Helena, Jair Moraes, Toshie Kobayashi, Andrea Bérgallo, Priscila Teixeira, Pedro Kraczuk e Bóris Storojokov (balé clássico); Marly Tavares, Erika Novachi e Edy Wilson (jazz dance); Flávio Salles e Christiane Matallo (sapateado), e outros.

Confira tudo em www.festivaldedanca.com.br e faça a sua inscrição e para quem ainda não sabe, o Festival acontece de 20 a 30 de julho.

O que se vive em Joinville, só se vive lá. Aproveitem.

Divinadança no TD

2011-02-25T14:01:00.000-08:00

Marcela Benvegnu

Quem não assistiu ao Divinadança em sua última temporada no Centro Cultural São Paulo, ou porque não teve tempo, ou porque ficou sem ingresso (todos os dias esgotaram) ainda dá tempo de apreciar um programa inteligente, formado por Tempo Escasso e Dans Le Noir, hoje, amanhã e domingo, no Teatro da Dança. O grupo foi contemplado no projeto Pares, Olhares sobre Um, pelo PROAC 2010 – Programa de Ação Cultural da Secretaria de Estado da Cultura.

Tempo Escasso, de Gleidson Vigne, é um espetáculo multimídia e abrange um conceito atual, a desumanização das relações. Baseado na obra Nada é Impossível de Mudar, de Bertold Brecht, o espetáculo trata do cotidiano das pessoas, da rotina diária que faz com que entremos em um ritmo frenético e individual, que nos distancia do outro e de nós mesmos cada vez mais rápido. Já escrevi uma crítica sobre eles aqui.

Já Dans Le Noir, de James Nunes, que eu quero muito assistir, tem como ponto de partida um assassinato e inspira-se na estética cinematográfica noir, em que a dicotomia entre luz e sombra está impregnada no seu desenvolvimento. Ambientado numa cidade imaginária, uma trama policialesca conduz o desenvolvimento da obra. Uma narrativa em “língua ininteligível” permeia as cenas, fazendo com que o espectador suponha situações e aluda a um contexto específico. Por meio de nuances coreográficas, Dans Le Noir mescla sutileza e virtuosismo, além de potencializar nos intérpretes a relação singular entre personagem e movimento.

PARA VER - Divinadança em Tempo Escasso e Dans Le Noir. Hoje e amanhã, 21h. Domingo, 18h. 70 minutos. Ingressos custam R$ 4 e R$ 2.

Núcleo de Pesquisa em Dança

2011-02-19T18:24:00.000-08:00

Marcela Benvegnu

Para quem está em Curitiba a fim de investigar o corpo e pesquisar, parece uma boa.

O IMP - Investigação do Movimento Particular existe desde 2007 no Vila Arte Espaço de Dança e tem como objetivo proporcionar um ambiente de pesquisa em dança estimulante e provocativo, pautado essencialmente na experiência. Trata-se de adquirir saberes a partir de uma construção coletiva de interesses, em tempo real, porém compreendendo e acolhendo as particularidades de mover e criar de cada integrante. Nossa pesquisa tem o corpo como território de passagem das experiências investigativas, mas os desdobramentos desses corpos dançantes são infinitos

A atividade, com orientação de Juliana Adur, começa no dia 4 de março.

Visite: www.movimentoparticular.blogspot.com

Interessa(nte), sim. | Crítica

2011-02-14T16:16:00.000-08:00

A Quem Possa Interessar, de Henrique Rodovalho | Foto: Divulgação

Marcela Benvegnu

Foi com a casa lotada, que o Balé do Teatro Castro Alves de Salvador (BA) subiu ao palco do Sesc Vila Mariana ontem, para apresentar A Quem Possa Interessar, de Henrique Rodovalho, e encerrar sua temporada em São Paulo. Com direção de Jorge Vermelho, o grupo baiano composto por 23 bailarinos ainda apresentou entre quinta-feira e sábado: À Flor da Pele, de Ismael Ivo e 1POR1PRAUM, de Vermelho.

A Quem Possa Interessar tem a linguagem leve e fluída de Rodovalho, diretor e coreógrafo residente da Quasar Cia. de Dança, de Goiânia, mas com um sotaque baiano interessante: a preservação da identidade de cada bailarino. A montagem, que tem como mote a memória do corpo e surgiu a partir do questionamento da identidade dentro de um coletivo, deixa cada um dos intérpretes à vontade. Em cena, Ângela Bandeira é Ângela Bandeira, assim como José Antonio Sampaio, Lila Martins, Luis Molina e todos os outros bailarinos.

Os conjuntos, sempre iniciados com duos, ou trios e vagarosamente preenchidos pelo resto do elenco, tem suas marcações coreográficas, mas também cedem espaço para a gramática corporal de cada intérprete, seja pela capoeira, pela dança afro, pelos acentos do jazz. A movimentação proposta pelo coreógrafo, baseada em um pensamento norteador voltado para o bem estar, o prazer e alegria, é consonante com o repertório de possibilidades de cada corpo presente com seus 35 ou 60 anos.

Fios que se assemelham à cordas de um instrumento musical dividem o espaço do palco sem coxias, com um quadrado de linóleo branco. Atrás das demarcações, um espaço de transição para que eles se assistam dançando, uma sala de visitas à meia luz, com direito a cadeiras e bancos. Entre as trocas do figurino branco e preto, assinado por Márcia Ganem, a iluminação de Irma Vidal e Rodovalho chama a atenção e desenha algumas cenas. A luz dos espetáculos do coreógrafo tem sempre essa função: dançar com o todo.

Entre músicas brasileiras e internacionais, que vão de Seu Delegado, de Luiz Gonzaga a Valse D`Amelie, de Yann Tierse, A Quem Possa Interessar, apesar de um pouco longo, cumpre a função de mostrar o envolvimento pessoal de um grupo com a dança, e revela “a quem possa interessar” quem é quem, e que é possível continuar sendo único mesmo quando é preciso ser igual.

TCA - O BTCA é um dos corpos artísticos do Teatro Castro Alves - juntamente com a Orquestra Sinfônica da Bahia (OSBA) - e é mantido pela Secretaria de Cultura do Estado da Bahia. O Balé foi fundado há 30 anos - uma das figuras que ajudou nesta criação foi Antônio Carlos Cardoso, - como a primeira companhia profissional de dança contemporânea do Norte e Nordeste do Brasil. No seu repertório estão mais de 50 montagens assinadas por coreógrafos como Victor Navarro, Luis Arrieta, Carlos Moraes e Tíndaro Silvano.

OLHARES | Leia um outro olhar sobre este mesmo espetáculo em www.odileodete.blogspot.com, por Flávia Fontes Oliveira.

Congresso de Jazz Dance | Terceira edição

2011-02-12T12:08:00.000-08:00

Marcela Benvegnu

Se você ainda não foi, tem que ir. Se foi com certeza vai querer ir novamente. A terceira edição do Congresso Internacional de Jazz Dance no Brasil acontecerá em Indaiatuba, de 21 a 24 de abril. Neste ano um trio de professores internacionais e mais quatro professores brasileiros prometem quatro dias total de imersão a este gênero de dança. Eles são: Rose Calheiros, da Alemanha, que programou aulas de Latin Jazz ao som de música brasileira; Josh Bergasse, que vem pela segunda vez, direto da Broadway Dance Center, de NY, com o melhor do Musical Theatre, e Derek Mitchell, que acabou de coreografar Se Ela Dança, Eu Danço 3 e é coreógrafo do So You Think You Can Dance. Dereck vem ao Brasil com exclusividade para o Congresso!

O quarteto de professores brasileiros é formado pela talentosa Marly Tavares, ícone de jazz dance no Rio de Janeiro, por Erika Novachi, que ministrará aulas de lyrical jazz, Luis Coelho que traz ao evento uma aula teórica sobre iluminação cênica e Ronnie Kneblewsi, com técnica vocal com ênfase em Teatro Musical.

Para completar a programação ainda teremos o Por Falar em Jazz, em que será possível conhecer mais sobre a carreira de Marly Tavares e Rose Calheiros; a Mostra Avaliada de Jazz Dance, na qual os professores internacionais tecem comentários sobre os trabalhos apresentados e também a mostra de trabalhos científicos, em que pesquisas que tem como foco principal o jazz dance são apresentadas.

Metade das vagas já foram preenchidas.... Corre para pegar a sua e entrar no mundo do Jazz Dance no seu feriado de Páscoa!

Acesse www.congressodejazzdance.blogspot.com

Espero vocês lá!

Pausa continuada

2011-02-11T15:02:00.000-08:00

Confesso que não sei quantas vezes prometi aqui que iria escrever com mais frequência, ainda mais trabalhando em uma Companhia de Dança, no caso a São Paulo Companhia de Dança, porém a correria deste lugar de movimento me colocou em pausa aqui por alguns meses.

Mas... minha amiga Flávia Fontes, dona do OdileOdete www.odileodete.blogspot.com que vale a visita, porque ela atualiza os posts praticamente todo dia, me vez voltar! Obrigada Flavis! Ah! Ela também me contou que as estatísticas agora são públicas aqui e eu vi que tinha um monte de gente entrando pra ler coisas novas... e só lia velhas, porque eu não postava.

Prometo tentar postar algo toda semana!

Como esse é o meu primeiro post de 2011. Feliz Ano Novo! Que a gente dance a vida... e as palavras que saem agora da pausa.

Vem vindo...

2010-10-31T17:49:00.000-07:00

Marcela Benvegnu

Quem ainda não tem programação cultural para essa semana. Agende-se.

LUIS ARRIETA | Estará em cartaz no Teatro da Dança, em São Paulo, com Carnaval dos Animais. Composto sobre músicas do compositor francês Camille Saint-Saëns (1835-1921) a montagem é pontuada de humor com referências a questões como memória e herança genética. Segundo o coreógrafo a peça pode ser descrita como um trabalho expressionista em que os movimentos, às vezes abruptos e inesperados, investigam as possibilidades do corpo desde a gestação. De 5 a 7 de novembro | Sexta às 21h, sábado às 20h, domingo às 18h | Ingressos R$ 4 e R$ 2 | Teatro de Dança.

Quasar Companhia de Dança | Divulgação

QUASAR CIA. DE DANÇA | A Companhia estreia no Teatro Alfa a coreografia "Tão Próximo" no final de semana. O talento e a fertilidade criativa do coreógrafo Henrique Rodovalho, associados a um singular elenco de bailarinos vem seduzindo platéias. Ao longo dos anos, a linha de pesquisa que vem sendo desenvolvida pela Companhia, com uma arrojada e característica exploração do movimento, resultou na criação de inconfundíveis signos rítmicos, que deram identidade própria à Quasar. Dias 6 e 7 de novembro | Sábado, 21h, domingo, 18h | Setor 1 e 2 = R$ 60 Setor 3 e 4 = R$ 40 | Teatro Alfa.

AINDA ROLA...

ECA | ARTES CÊNICAS | Na quinta-feira, dia 4, às 8h30, vou ministrar uma aula de história da dança na Universidade de São Paulo (USP) para o pessoal do primeiro ano de artes cênicas. Um passeio do renascimento ao final do século 19, ilustrado com vídeos e histórias. A atividade é fechada.

SPCD | Na sexta-feira, dia 5, começa a segunda fase da audição 2010 da São Paulo Companhia de Dança. Dedos cruzados porque a fase já é eliminatória. A atividade é fechada.

MÚLTIPLA DANÇA | No sábado, dia 6, acontece a última fase do projeto Múltipla Dança, em Jacareí. Os grupos irão apresentar seus trabalhos para seleção final. Serão escolhidas as cinco melhores propostas, que receberão uma verba e apresentarão posteriormente o resultado coreógrafico. Antes da apresentação explicarei aos grupos um pouco sobre o que é e os rumos da crítica de dança no Brasil. A atividade é fechada.

Inteligentes relações

2010-10-30T18:32:00.000-07:00

Marcela Benvegnu

Em cartaz até amanhã no Teatro da Dança, em São Paulo, Relações Humanas, de Ricardo Scheir e Eduardo Menezes mostra como uma escola de dança pode e é capaz de homogeneizar corpos. RH é técnico, belo, sutil e inteligente. A começar pela escolha do fio narrativo. A montagem é inspirada nos pensamentos do filósofo, historiador e ensaísta americano Will Duran (1885-1981) que afirma que “a realidade básica da vida está nas relações humanas”. E é no contato dos corpos que essas relações sustentam a obra.

Eduardo Menezes abre as cortinas como um espectador. É o olhar de fora para dentro, do mundo das máquinas para dentro de cada relação, indivíduo, corpo, que demonstra suas particularidades, limites, facilidades, e ao mesmo tempo, em pouco mais de 30 minutos, revela uma gramática corporal reconhecível. É interessante quando se pode reconhecer um coreógrafo por ela: o modo Scheir e Menezes de coreografar e o modo Pavilhão D dos corpos responderem.

Nos solos, duos, trios, sextetos e no conjunto, a dança contemporânea se mistura com a clássica para revelar um trabalho consistente. O grupo fala o mesmo idioma de forma harmônica no espetáculo todo. O figurino de Alice Hayasaka se modifica com o passar do tempo, ou melhor, com a transformação das relações estabelecidas. As cores vão ficando mais fortes, a saia vira calça, vestido. Tudo é muito sutil e faz com que o olhar do espectador procure a diferença, o diferente, o pensamento, a fragilidade e o encontro. E a luz, às vezes mais clara ou mais escura, dança com eles.

As projeções, que figuram na cena desde o início do espetáculo, são bem colocadas. Em nenhum momento são maiores do que a coreografia, a não ser quando Menezes, ao final de seu solo, abraça um mundo de imagens imaginadas de cabeça para baixo. Um mundo em preto e branco, que as relações da vida nos fazem enxergar colorido.

O palco é preenchido durante todo o espetáculo e as transições coreográficas são bem amarradas. Bem ensaiado e dirigido (por Scheir e Claudia Riego), RH traz à cena um espetáculo de escola com cara de algo mais. O grupo reflete sua própria imagem, talvez outra realidade básica da vida. Espelho invertido? Na dança não é diferente, às vezes também é preciso olhar o outro para se (re)conhecer.

PARA VER - Relações Humanas, de Ricardo Scheir e Eduardo Menezes, no Teatro de Dança (avenida Ipiranga, 344, subsolo, Edifício Itália | Centro) em São Paulo. Amanhã, às 18h. Ingressos custam R$ 4 | R$ 2. Livre.

Baryshnikov e Ana Laguna: falta ar

2010-10-20T18:42:00.000-07:00

Ana Laguna e Baryshnikov em Place, de Mats Ek | Foto: Divulgação

Marcela Benvegnu

Uma noite memorável em que o corpo do espectador é suspenso pela arte da dança. Uma noite em que a dança encontra a maturidade e ela se revela no palco. Uma noite para ficar guardada na memória do corpo.

Ontem quando Baryshnikov e Ana Laguna subiram ao palco do Teatro Alfa, em São Paulo, as mais de 900 pessoas que lotaram o local pareceram desaparecer. O espaço foi tomado por aqueles corpos que sabem o sentido do movimento. Não foi simplesmente técnica, muito menos execução. Foi dança.

O programa Três Solos e um Dueto, muito bem escolhido para a turnê brasileira, começa com Valse Fantasie, solo de Baryshnikov, coreografado por Alexei Ratmansky (2009). A coreografia é pontuada pela música de Mikhail Glinka e marcada pela definição de movimentos do intérprete. Inteiro de branco, com um casaco de forro azul, Baryshnikov não precisa mais dançar para dizer. Sua imagem fala sozinha.

Na sequência, o público pode apreciar um extrato da divina Solo For Two (1996), de Mats Ek, em que o astro divide o palco com Ana Laguna (que foi casada com Ek). Todos já sabem a força de Baryshnikov, mas ver Ana dançar é um presente aos olhos. Ela parece ser maior do que o palco. A dramaturgia, o modo como se move, a potencialidade do gesto, a força. Vale ser clichê: linda demais. Durante a coreografia quem estava na plateia precisou lembrar de respirar.

A noite ainda contou com Years Later (2006 e 2009) de Benjamin Millepied e Place (2007), de Ek. Years Later, solo de Baryshnikov, já tinha sido apresentado no Brasil na noite de abertura da 25a edição do Festival de Dança de Joinville, em 2007. Agora, a versão revisitada ganhou uma pitada de humor, como por exemplo, uma cena em que o astro gira piruetas e elas são aceleradas a ponto de ser impossível uma real execução. Na coreografia Baryshnikov se olha no espelho e seu reflexo para plateia não poderia ser outro. Mito. O espetáculo termina com Place, coreografia que traz Ana novamente para o palco e que coloca em cena o diálogo da luz, dos objetos cênicos e dos corpos em movimento.

Mais do que coreografia, Três Solos e um Dueto propõe história da dança viva por unir dois grandes intérpretes no mesmo palco. Que fique a lembrança, a falta de ar.

Andanças....

2010-09-28T20:39:00.000-07:00

Nem vou mais me desculpar... e nem vou dar mais explicações sobre o tempo sem tempo para poder passar aqui. Esse blog que nunca teve textos em primeira pessoa, só críticas, artigos, ensaios, só tem essas mensagens agora. Um novo tempo mesmo. Hoje faz exatamente um ano que eu estou trabalhando em São Paulo. Gente, loucura. Passou tão rápido. Enfim, passei aqui hoje para indicar eventos bacanas que estão acontecendo por agora e que eu vou estar com o maior prazer do mundo!

Começa amanhã em Paulínia, a décima primeira edição do Brasil Internacional Tap Festival, que reúne os melhores sapateadores do mundo, entre eles a grande estrela do Emmy Awards, Jason Samuels Smith. Tem também aulas com Aaron Tolson, Maud Arnold, Steven Harper, Caio Nunes, Fernanda Bevilaqua, e claro, Christiane Matallo, organizadora do evento (espero profundamente não ter esquecido de ninguém). A programação inclui apresentações dos internacionais (amanhã, ás 20h30), dos amadores, na quinta, Jam session na sexta. Tudo é gratuito e rola no Theatro Municipal de Paulínia. Ah! Tem também o Clic do Tap, que é assinado por mim e está na oitava edição! Imperdível gente.

Ainda no interior, no dia 6 de outubro, começa o 1 Festival de Dança de Piracicicaba. Um festival muito aguardado e esperado. Uma vontade política da gestão atual que acabou dando certo. (morro de medo de falar de política nesse período de eleição em que tudo pode ser configurado como campanha... pelo amor de Deus) e que confesso particularmente que ralei muito para que isso desse certo enquanto morei na cidade. O evento tem TUDO para ser muito bacana, jurados de peso, pessoas que pensam a dança e lutam por ela, além de grupos convidados que tem uma força muito representativa no cenáraio da dança brasileira. Não posso deixar de falar, sem e com modéstia, da São Paulo Companhia de Dança, que apresenta Tchaikovsky Pas de Deux, no dia 7, às 20h, no Municipal, com entrada gratuita. Os bailarinos da Companhia - Paula Penachio e Norton Fantinel - dão um show de precisão e técnica em cena. É imperdível gente. Um convite aos olhos. Tem muita coisa interessante para ver: Frank Ejara, com a Discípulos do Ritmo, Steven Harper com "Combo", Galpão 1 Erika Novachi com "Momentos a Flor da Pele", a linda da Daniela Severian com a apresentação de dois trabalhos e muito, muito mais. Vou estar lá para aplaudir e para dividir o meu olhar com todo mundo nas mesas de avaliação que são seguidas de conversas com os grupos. A realização é da Semac, com direção geral de Camilla Pupa. | A foto dessa parte do post é do Reginaldo Azevedo e é uma interpretação de Tchaikovsky Pas de Deux, um balé Balanchine, que na ocasião estava sendo executado pela Aline Campos e pelo Ed Louzardo, também bailarinos da SPCD.

E para aqueles que estão mais longe, lá no Sul, a boa da vez é ir para o Bento em Dança (em Bento Gonçalves que fica a 1h30 de Porto Alegre), que tem coordenação artística da Bia Mattar e rola em duas fases. Muita gente bacana vai passar por lá, tem competição, cursos... Entre os nomes Caio Nunes, Amarildo Cassiano, Ricardo Scheir e outros. Vou ministrar uma palestra (dia 12) e claro, espero vocês para discutirmos o que olhar num trabalho coreográfico de festival e entender como a crítica que se dá ali tem que ser separada do gosto pessoal. Tarefa difícil, não é? Se vocês quiserem saber mais sobre esse evento, deêm uma passadinha no site que é www.bento-em-dança-com.br

Dia da Bailarina

2010-09-01T19:54:00.000-07:00

Marcela Benvegnu

Hoje é dia 1 de setembro.... trabalho numa Companhia de Dança e nem me lembrei que era Dia da Bailarina. Ando não me lembrando de muitas coisas, de muitas pessoas. Mas isso vai mudar. Mudou já. Preciso antesme lembrar de mim...

Enfim... escrevi um texto sobre a "bailarina" para a Erika Novachi, primeiro minha amiga, minha irmã gêmea, depois minha sócia no Congresso Internacional de Jazz Dance por diversos motivos... Como nós (eu e ela) gostamos resolvi dividir com vocês.

O texto também é um pouco para mim....

Para Erika Novachi

Ser bailarina é se encontrar todo dia, se reencontrar a cada passo.

Ser bailarina é se olhar no espelho e se reconhecer.

Ser bailarina é ter uma referência e ver que com o tempo você não precisa mais dela para sonhar.

Ser bailarina é acordar a todo tempo para uma nova realidade.

Ser bailarina é se reinventar a cada coreografia, gesto ou palavra.

Ser bailarina é encontrar a própria linguagem e ver que o seu corpo é capaz de dançar várias delas.

Ser bailarina é poder se reconhecer no corpo do aluno que tem você como referência.

Ser bailarina é se permitir sonhar por meio dos movimentos.

Ser bailarina é poder saber que nao é feio chorar porque cresceu.

Ser bailarina é sentir algo diferente a cada dia.

Ser bailarina é se permitir sentir o que quiser, sempre, sem se preocupar com o dia de amanhã.

Ser bailarina é viver o todo e não a metade inteira.

Ser bailarina é transformar o tempo em momento.

Emoções Baratas

2010-08-29T10:30:00.000-07:00

Marcela Benvegnu

Emoções Baratas: novo elenco, mesmo sabor | Foto de Luis Tripolli | Divulgação

...Há uma semana fui a convite do meu amigo Leandro dos Anjos assistir Emoções Baratas, de José Possi Netto, com direção musical de Guga Stroeter, no Estúdio Emme, em Pinheiros aqui em São Paulo. Ouvia até então burburinhos da montagem que explodiu na cidade nos anos 80 e pensava como poderia ser essa peça-musical-dança-teatro que tanto falavam e unia o jazz dance com o jazz music.

Fui. E adorei. A big band que revisita o jazz de Duke Ellington é excelente, assim como as cantoras Bibba Chuqui e Karin Hils,que trazem à cena 29 canções. O elenco de bailarinos faz com que você também queria se movimentar na cadeira. Isso quando um deles não aparece e te toca, quase te convida para algo que não se pode desvendar na cena. A movimentação jazzística aparece forte no corpo dos intérpretes e e até causa um certo estranhamento, tamanha confusão que o estilo nos provoca (e nos coloca) hoje.

Vale lembrar que no elenco de bailarinos original estavam Rui Moreira, Suzana Yamauchi, Ana Mondini e outros e a peça é dedicada a todos os profissionais envolvidos na montagem de 1988.

Recomendado.

PARA VER - Emoções Baratas, no Estúdio Emme (avenida Pedroso de Morais, 1.036, Pinheiros). Tel: 2626-5835. 5,ª, 21h; 6.ª, 21h30; sáb. 21h; dom. 19h. | Ingressos cusam entre R$ 50 e R$ 80. A montagem pode ser vista até dia 31 de outubro.

Gypsy: pode ver duas vezes

2010-08-04T17:12:00.000-07:00

Marcela Benvegnu

Esse post é na verdade um recado:

Vale a pena ver Gypsy, de Charles Moeller e Claudio Botelho, em cartaz no Teatro Alfa, em São Paulo. Como protagonistas deste clássico da Broadway, que tem texto original de Arthur Laurents, música de Jule Styne e letras de Stephen Sondheim estão a estoneante Totia Meireles (Rose), Adriana Garambone (Louise – Gypsy Rose Lee) e Eduardo Galvão (Herbie).

Recheado de 18 números musicais, as coreografias originais de Jerome Robbins (1918-1998) foram remontadas por Janice Botelho e Flávio Salles (sapateado), no Rio de Janeiro, e em São Paulo, o elenco infantil foi ensaiado por Kika Sampaio (sapateado). A montagem tem supervisão coreógrafica de Dalal Achcar.

A grande sensação do espetáculo (além do trio de protagonistas) é mesmo o elenco infantil. Fazem papel de gente grande, sapateiam de verdade. As coreografias tem a tônica do musical e apresentam força, ritmo e entrosamento. Muito bem trabalhados. Muito bom.

Vontade de ir de novo.

PARA VER: www.teatroalfa.com.br

Dzi Croquettes!

2010-07-22T20:50:00.000-07:00

Marcela Benvegnu

Contei os dias para poder assistir "Dzi Croquettes", um filme de Raphael Alvarez e Tatiana Issa. Fiz contagem regressiva. Estava louca para ver e rever as coregrafias de Lennie Dale (1934-1994) e constatar mais uma vez como esse grupo foi importante para a emancipação da liberdade dos indivíduos de uma época, e como eles foram capazes de projetar um estilo de dança por vezes e sempre marginalizado: o jazz dance.

Quando comecei a pesquisar a história do jazz no Brasil e "me encontrei" com Lennie (foto ao lado) foi amor a primeira vista. Eu queria ver e ouvir tudo o que existia sobre o grupo e sobre ele. Nunca soube se Lennie era um corpo que dançava, ou a dança em forma de corpo.

Talvez eu nunca saiba.

O filme começa com a sua voz ("And one, and two, and three, and four. That´s right children!") e ela já toma conta do corpo inteiro do expectador. As imagens, fotos e depoimentos que sucedem a obra, são um convite à história do jazz dance no Brasil.

Permeado por depoimentos de ex-Dzi (dos 13 só restaram 5) e de figuras como Luis Fernando, Liza Minelli, Claudia Raia, Marília Pera, Ney Matogrosso, Nelson Motta, Gilberto Gil, Miguel Falabella, e outros, o filme narra de forma clara a importância do grupo no movimento da contracultura brasileira da década de 70, época em que o trabalho do Dzi não ganha somente as páginas dos jornais brasileiros, mas do mundo.

O Dzi Croquettes formado por Wagner Ribeiro, Lennie Dale, Cláudio Tovar, Cláudio Gaya, Ciro Barcellos, Bayard Tonneli, Rogério de Poli, Carlinhos Machado, Paollete, Roberto Rodrigues, Eloy, Bene, Reginaldo, foi um grupo que transformou medo em liberdade e estranhamento em alegria. Rever esse movimento hoje na tela do cinema, é um privilégio. É ter aula de história em cores. Apesar de um pouco longo e repetitivo, o documentário (cartaz ao lado) é imperdível.

Vejam o trailler em

http://il.youtube.com/watch?v=Otch5bIi8L8&feature=related

e corram para o cinema.

SPCD no Cinema

2010-07-18T17:12:00.000-07:00

Com direção de Evaldo Mocarzel (foto|crédito: divulgação Paulínia Cultura) "São Paulo Companhia de Dança", exibido ontem, às 18h30, no Paulínia Festival de Cinema é um convite aos olhos. Não posso escrever muito porque é diferente quando você conhece intimamente sobre o tema principal que o outro se debruça, conhece um pedaço da sequência, sabe como aquele ou este passo é complicado, sabe como as pessoas se doaram e se doam para que o todo seja realizado. Fato é que no filme, nos reencontramos. Assim, ele é todo verdade.

Reproduzo aqui trechos do texto de Celso Sabadim, para o Cineclick (UOL):

A boa notícia é que São Paulo Companhia de Dança, apresentado no sábado (17/7) no Festival de Paulínia, é encantador. Durante 30 dias, Evaldo e sua equipe acompanharam de perto todo o processo de criação do espetáculo Polígono, de Alessio Silvestrin, montado pela Companhia de Dança que dá nome ao documentário. Entrevistas como o coreógrafo? Depoimentos sobre como a vida de bailarino é difícil? Pais e mães contando sobre o cotidiano de seus filhos/artistas? Nem pensar! O filme é totalmente visual e sensorial. "A palavra aqui não é nem coadjuvante; eu diria que é acidental", diz o cineasta.

São pouco mais de 70 minutos de um belíssimo desfile de imagens e sensações onde o corpo humano é ao mesmo tempo objeto e ação. Com luz primorosa e montagem nunca menos que brilhante. Na apresentação de seu filme aqui em Paulínia Evaldo disse que brigou várias vezes com seu montador, que chegou a abandonar o projeto três vezes. Valeu a pena: está na edição/montagem do filme um de seus maiores trunfos.

São Paulo Companhia de Dança segue a linha contemplativa, intimista e reflexiva do também belíssimo Quebradeiras, do mesmo diretor. Tanto neste como naquele, Evaldo abandona a fala, o verbal, para apostar suas fichas e apontar suas lentes para o vislumbre visual que - de fato - enche os olhos. Mesmo porque "o cinema e a dança são duas artes que podem prescindir da palavra", diz o cineasta.

São Paulo Companhia de Dança

2010-07-09T19:32:00.000-07:00

Tchaikovsky Pas de Deux, de George Balanchine | The George Balanchine Trust 2010 | Crédito: Reginaldo Azevedo

É o "fim do planeta" eu trabalhar na São Paulo Companhia de Dança e nunca postar nada por aqui.

Então se ligue na agenda da SPCD nas próximas semanas. Vale a pena estar com a gente! Dúvidas: comunicacao@spdc.com.br

De 12 a 15 de julho tem Oficina Intensiva de Dança Clássica com Bóris Storokjov, na sede da SPCD. As vagas estão esgotadas. Se ligue no site da Companhia www.saopaulocompanhiadedanca.art.br que em breve tem novidades por aí.

Dia 13 tem Espetáculo Aberto para Estudantes no Auditório Claudio Santoro, em Campos do Jordão, às 16h. O espetáculo no Festival de Inverno está marcado para, às 21h. No repertório: Serenade, de George Balanchine e Gnawa, de Nacho Duato.

Dia 17 aqueles que estiverem no Paulínia Festival de Cinema devem conferir às 17h30 o lançamento do filme São Paulo Companhia de Dança, de Evaldo Mocarzel. Imperdível.

Dia 18, em Indaiatuba, no encerramento do Passo de Arte 2010, Paula Penachio e Norton Fantinel interpretam Tchaikovsky Pas de Deux, de George Balanchine.

Dia 27 vale a pena conferir o último depoimento público da série Figuras da Dança 2010, com Sônia Mota. A atividade acontece às 20h, no Teatro Franco Zampari. A entrada é gratuita.

Prestigie!

Tempo

2010-06-24T17:28:00.000-07:00

Sabe quando o tempo aperta e você é sufocada por ele?
Quando o tempo provoca uma aceleração cardíaca... ou um aperto no peito?
Ou mesmo quando você, por mais que tente, corre contra ele sem sucesso?
É o tempo sem tempo.
Só me resta sair dele.
Só me resta dançar.
Seja com palavras. Gestos. Olhares.
Aí o tempo corre de mim. Aí eu respiro de novo.
E depois começa tudo outra vez.

Sobre o Festidança

2010-06-18T19:54:00.001-07:00

A 21a edição do Festidança aconteceu entre os dias 3 e 13 de junho, em São José dos Campos.
Confira abaixo as críticas da mostra competitiva do evento.

Festidança | Crítica 7 | Pelos Palcos da Vida

2010-06-18T19:40:00.000-07:00

Foram oito dias de competição. Dez de apresentações. Muitas coreografias, muitos coreógrafos, muita gente pensando e fazendo dança. De fato a cidade do “avião” tem asas nos pés.

Foi ontem que o palco pegou fogo. A noite começou com o gênero estilo livre conjunto avançado e as meninas do Studio de Dança Gláucia Lacerda, de Santos, mostraram um forró “bomd+”. Além de expressivas o conjunto estava muito bem ensaiado.

O grupo Releve de Caieras, de Caieras, São Paulo fez do palco uma extensão do Pelourinho, quando apresentou “Batuque”, de Gaby Marques. Além de bem estruturada musicalmente, (a coreografia levou instrumentos percussivos para a cena com tambores e latas) o elenco era afinado.

Na dança contemporânea conjunto avançado o Grupo Viva Arte, de Valinhos, São Paulo, mostrou um trabalho totalmente baseado e estruturado em cima dos focos de luz assinado por Ruben Terranova. O primeiro Movimento Lina Penteado, com “Pequenas Percepções”, de Karina Almeida trouxe um pouco de poesia e qualidade de movimento. Os seis intérpretes eram fortes e a simbologia da flor (objeto cênico) trouxe a dramaturgia necessária para a obra.

Quem arrebatou toda a platéia foi novamente Arilton Assunção, com o seu Faces Ocultas Cia de Dança, de Salto, São Paulo. “Proparoxítona” é de uma beleza tão grande, de uma sincronia tão vivaz que fica difícil traduzir. Primeiro lugar em 2009, impossível não reconhecer que o grupo está cada vez melhor. Os 18 intérpretes em cena mostravam a combinação da força com a delicadeza do gesto. É para guardar na retina dos olhos e lembrar quando quisermos ter um bom trabalho em mente.

No jazz conjunto avançado a bateria abriu com “Alma Brasileira”, de Brisa Diamante e Monique Paes, pelo Monique Paes Studio de Dança, de Jacareí. Mostraram que o tempo pára sim. Pára para ver dança de qualidade. O Centro de Arte Lílian Gumiero, de Suzano, São Paulo, apresentou “Hairspray”: trabalho fiel ao original e bem colocado.

O Ballet Ana Araújo, de São José dos Campos, São Paulo, apresentou “Cinética”, de Ana Araújo. Um bom trabalho de conjunto, com uma projeção muito bem feita. E a Companhia Independente de Dança de São Paulo, de São Paulo, apresentou “The New Bossa Nova”, de Edson Santos, com casais bem preparados tecnicamente. Um trabalho limpo e bem pesquisado.

Vale rememorar. Foram-se os dias. A dança aconteceu e reinou na cidade. Ficam na memória trabalhos como o pas de deux de “Paquita”, de Marius Petipa interpretado por Paula Alves e Welber Pacheco (Especial Academia de Ballet | São Paulo), “Auroras”, sapateado de Bruna Miragaia pelo Monique Paes Studio de Dança (Jacareí), a variação de La Fille Mal Gardée, com Fernanda Soares, do Ballet Elisa (São Bernardo do Campo), “Anton”, de Ricardo Scheir, pelo Pavilhão D; “Hip Hop Our Root”, de Henry Camargo, para a Cia de Dança Kahal, de Jundiaí.

Poderíamos listar aqui tantos outros que passaram pelo palco do 21º Festidança... Que fique a lembrança e a memória de que vale a pena fazer dança independente de colocação, independente da forma como o outro acha que a sua dança poderia ser feita. Que a próxima edição seja tão boa quanto esta. Que quando as cortinas se abrirem hoje, os aplausos sejam para ela: Roseli Rodrigues, que agora faz dança em outro lugar. “Tango Sob Dois Olhares”, merece ser visto e aplaudido de pé. Por ela, para ela.

Festidança | Crítica 6 | Doce Sabor para os Olhos

2010-06-18T19:38:00.001-07:00

Marcela Benvegnnu

Finalmente talvez não seja a melhor palavra para começarmos este texto, mas já era hora voltarmos a sentir no Festidança aquela sensação em que o corpo se eleva da cadeira em alguns momentos, tamanha a beleza do conjunto das obras apresentadas. Sim, obras, porque dança é arte.

Quase na reta final do evento, ontem subiram ao palco do Teatro Municipal 25 trabalhos, divididos nas baterias de dança contemporânea (solo masculino e feminino avançado, duo e trio avançado) e jazz conjunto sênior.

No contemporâneo solo masculino avançado foram apresentados bons trabalhos. Intérpretes com qualidade de movimento e, sobretudo, consciência corporal. A dança contemporânea exige treino, técnica, não basta ser um bom bailarino de outro gênero, desconstruir algumas formas e entrar em cena. Pesquisa de corpo, não só de processos e mais processos.

No solo feminino avançado Eugênia Granha Vasconcelos, com a coreografia “Água e Sal”, de Eduardo Menezes, pelo Pavilhão D, de São Paulo, fez a plateia silenciar. A intérprete – que veio do Uai Q Dança, de Uberlândia e no ano passado levou o prêmio de melhor coreografia do Festival de Dança do Triângulo com “O Sabor de Uma Laranja”, de Armando Duarte - mostrou que continua “mais” linda. A coreografia é extremamente bem construída, o foco central é bem colocado e tem um porque de estar ali. Não é água sal, nem café com leite. É mesmo arte para os olhos.

Na bateria de dança contemporânea duo avançado o Grupo Corpo Livre, de Valinhos (foto) - crédito Adilson Machado) transformou o tempo em outra coisa, um instante de felicidade. Em cena os intérpretes são um único corpo, a horizontalidade do trabalho chama atenção pela construção inteligente (assinada por Ricardo Scheir), que não precisa ocupar o palco todo para dizer alguma coisa. A coreografia tem um contexto muito bem articulado com a movimentação. Doce sabor para os olhos.

A Companhia Independente de Dança de São Paulo, que interpretou “Deixa-me Cair”, do talentoso Edson Santos, é tão poética quanto à música interpretada: “Valsa de Eurídice”, de Vinícius de Moraes. E por falar nas trilhas sonoras, ótimas escolhas. Quem nunca ouviu e não se emocionou ao som de “The Sound of Silence”, de Paul Simon?

Para encerrar a noite quatro trabalhos de jazz dance conjunto sênior. A Escola de Dança Alice Arja, do Rio de Janeiro, com seu Forró Jazz, de Carlos Fontinelli levou ao palco uma típica festa junina do interior. No lugar da quadrilha, o forró. Na seqüência, o Grupo Juvenil Studio A, de Vinhedo, de Zeca Rodrigues, apresentou Barbie´s World (por que dar o nome da música?). O trabalho é visual, colorido. Depois foi a vez da Cia de Dança Kahal, de Jundiaí. “Pulsante”, de Camila Campos é forte. Às vezes até mais forte do que o necessário.

Fechando a bateria o Ballet Ana Araújo, de São José dos Campos, apresentou “Gente Jovem”, de Ana Araújo. Talvez alguns não tenham entendido a proposta da coreógrafa: o “retrô”. Desde a música, ao figurino, aos pés descalços (com proteção), a dança virou protesto. Aquelas perguntas que fizemos aqui ao longo da semana podem ser respondidas. O nome da música não é o nome da obra. A movimentação é pertinente ao contexto apresentado. E o espaço é usado de forma brilhante: é possível ver as mesmas seqüências feitas para diversos pontos. Em nenhum momento o trabalho cria uma massa que se movimenta junta sem ter o porquê de estar ali. De fato “o novo sempre vem”, mas nem sempre é percebido pelo todo.

MAIS:

- RAÇA CIA DE DANÇA - Quem ainda não garantiu seu ingresso para assistir “Tango Sob Dois Olhares”, de Roseli Rodrigues, amanhã, no encerramento do 21º Festidança, com o Raça Cia. de Dança, o faça. A penúltima montagem de uma das mais importantes figuras do cenário do jazz dance brasileiro, que morreu em março desde ano, deve ser vista e não só gravada na memória. Deve ser gravada na carne de todos aqueles se transformam seus movimentos em dança.

Festidança | Crítica 5 | Dez pequenas reflexões sobre uma noite de dança

2010-06-18T19:16:00.001-07:00

Marcela Benvegnu

1 | A quinta noite competitiva do 21º Festidança reuniu somente onze trabalhos. As categorias foram estilo livre conjunto, danças folclóricas e étnicas conjunto avançado e jazz conjunto júnior. Noite pequena. Letra pequena. Texto grande.

2 | No estilo livre quem levantou a platéia (que estava novamente motivada e o artista depende da platéia) foi o Studio D, de Avaré, São Paulo, com a coreografia “Alegria Nordestina”, de Mariana Camargo. O trabalho condiz com a proposta do estilo livre e apresenta uma concepção adequada à idade das intérpretes. O cuidado com o figurino e com as cores das sapatilhas foram evidentes. A narrativa proposta (que dialoga com o release) cumpre seu papel fundamental: ser dança. Ótimo trabalho.

3 | Em danças folclóricas e étnicas a Escola Livre de Dança, - Secult, de Santos, apresentou “Carteado”, de Melissa Ricci. Um bom trabalho de Irish (sapateado irlandês). Sejam nos digs ou nos clics todas as intérpretes formaram um único corpo em cena. A coreógrafa pensou desde a concepção no uso do espaço e do figurino, pois as cores se misturavam de forma homogênea.

4 | Nas danças folclóricas o trabalho do Grupo de Dança Terracota, de Uberlândia, “De Angola ao Gueto”, assinado por Dickson Du-Arte, mostrou toda a força da ancestralidade africana. Cinco intérpretes usaram o palco de forma inteligente e abordaram os elementos das danças africanas e brasileiras com um toque de contemporaneidade. Um merecido e bom trabalho para trazer à tona a força da cultura negra.

5 | A bateria de jazz conjunto júnior requer aqui uma pausa maior. Antes de qualquer reflexão. O que é jazz dance? Tanto a música quando a dança conhecida com o nome de jazz é resultado de uma fusão de influências e relações que prosperaram nos territórios americanos a partir do século 18. Suas raízes estão diretamente ligadas ao coração da África onde a manifestação não era apenas um espetáculo, mas sim uma forma de diversão.

6 | Considerada uma manifestação unicamente própria de escravos negros das grandes plantações de algodão e tabaco, a cultura do jazz reflete influências de diversas índoles. Por uma parte se apreciam ritmos e bailes africanos que duraram muito na consciência coletiva dos negros, por outro lado estavam às manifestações de origem religiosa onde ritmos e etnias diferentes tinham em comum o mesmo ritual: dançar para a chuva, para pedir fecundidade, para celebrar nascimentos. Suas influências estão obviamente na cultura negra e suas características mais marcantes e visíveis inspiradas nas danças africanas.

7 | Uma outra grande influência nas manifestações de origem negra veio direto da música e da dança branca, mais propriamente da música popular de raiz européia. Assim, pelo que parece claro a influência se deu por via de imitação, as polcas, quadrilhas, marchas, danças irlandesas, bailes ingleses como o clog, começaram a se misturar com danças autônomas para dar lugar ao que conhecemos como jazz. Se bem que foram os negros que entretiam seus amos que elevaram as mudanças da dança africana transformando-a em jazz, mas foram os brancos que começaram a dançá-la primeiro em lugares abertos.

8 | Desde o começo do século 19, quando alguns grupos de bailarinos irlandeses começaram a atuar no país, as danças dos negros eram interpretadas por brancos, que por muitas vezes pintavam suas faces de negro para parodiar, cantar e dançar como tais. Este cenário mudou completamente com a emancipação dos escravos, acordo firmado por Abraham Lincoln no dia primeiro de janeiro de 1863: a dança e o canto dos bailes dos escravos negros agora poderiam sair de lugares restritos e irem para os públicos. Logo, essa dança que começou a tomar conta dos palcos era de negros e brancos e esse momento teve uma influência decisiva na Comédia Musical, que nada mais era do que os primeiros passos do que hoje conhecemos como jazz.

9 | O jazz dance é híbrido, nascido de uma multiplicidade de formas de espetáculos anteriores, é caracterizado pelo swing, por movimentos sincopados e pela polirritmia, que é a combinação dos movimentos do corpo em vários ritmos ao mesmo tempo. Existem algumas variações de gênero, como tradicional, lyrical, modern e musical.

10 | Agora sim talvez possamos olhar para a noite de ontem. Eram mesmo trabalhos de jazzdance? Outro detalhe importante: se pegamos a música de um balé de repertório como “Giselle”, colocarmos o nome da coreografia de “Giselle”, o que temos que fazer em cena? “Giselle”! Com o musical é a mesma coisa. Musical também é repertório. Tem que ser fiel. Caso contrário, numa releitura, que pode sim ser feita, não podemos chamar de “Giselle”, porque em cena o repertório se transforma em outra coisa. Dica dada.

MAIS

Sem mais...

Festidança | Crítica 4 | Esquentou, mas pode pegar fogo

2010-06-18T19:11:00.001-07:00

Marcela Benvegnu

Vamos refrescar a memória. A noite de domingo, dia 6 de junho, trouxe ao palco do Teatro Municipal de São José dos Campos três diferentes estilos de dança: balé clássico de repertório (variação masculina avançado), dança de salão (duo e conjunto avançado) e dança de rua (conjunto sênior). Hoje, alguns dias depois, quando o 21º Festidança retoma a segunda parte da competição é que temos a chance de parar o corpo e refletir.

A bateria de balé clássico de repertório variação masculina era composta por sete trabalhos. Welton Lucena, que garantiu o primeiro lugar no ano passado, apresentou uma precisa variação de Acteon (do balé Diana e Acteon*), remontada por Adriana Assaf pelo Ballet Adriana Assaf, de São Paulo. Já Edson Artur Machado Júnior, pelo Ballet Elisa, de São Bernardo do Campo, São Paulo, com sua Esmeralda*, mostrou um bom trabalho de pés e baterias.

O nervosismo tomou conta do palco em alguns trabalhos. Uma pena. Todos sabem como é difícil ensaiar horas a fio dentro de uma sala de aula e ter muitas vezes menos de dois minutos para mostrar meses de trabalho. Às vezes vale à pena respirar, pensar que não é uma competição, que os jurados nem estão aí, e dançar. A dança flui melhor, sai do corpo e é absorvido por ele. É preciso entrar em cena acreditando em si. Dançar para si, para preencher os vazios existentes na alma e claro, ter confiança. Talvez seja essa “pitada” que falte em alguns solistas ou mesmo grupos. É preciso acreditar mais. Sempre mais.

Na dança de salão o destaque ficou para o Grupo Viva e Dança, de São José dos Campos, São Paulo, que apresentou “Amor Intenso”, de Marcelo Ribeiro da Silva. As formações são inteligentes e a coreografia é bem articulada. É preciso dar mais valor a dança de salão e essa valorização tem que começar pelos próprios coreógrafos, que tem que tratar a dança, como arte. E trazer ao palco mais do que uma junção dos passos.

É preciso começar a responder questões que são apresentadas na cena faz tempo: Por que o nome da coreografia tem que ser o nome da música? Por que colocar em cena um banco e usá-lo como enfeite no começo e no final da coreografia? Objeto cênico tem que se tornar dança em cena. Qual é a narrativa que eu me proponho a fazer? E os releases? Por que escrever poemas se a coreografia não me fala nada sobre aquilo? Por que escrever “difícil” fazendo com que o assunto mais importante da obra se perca na palavra? Qual é a minha dramaturgia? Como o figurino se relaciona com a coreografia? Que luz eu desenho no espaço? Que formações são mais interessantes para essa dinâmica de movimento que é proposta? São muitas perguntas. Respostas difíceis.

Para encerrar a noite, a dança de rua conjunto sênior mostrou a força e a sincronia do gesto. A Yo! Hip Hop Dance Company, de Sumaré, com o seu “Hip Scratch Box”, de Clécio de Souza, respondeu algumas das perguntas acima. A narrativa era evidente. O nome da coreografia mantinha um diálogo direto com a proposta e o trabalho era muito forte. O Xtyle Project, do Rio de Janeiro, apresentou dinâmicas de movimento muito inteligentes no seu “Desconceito”, de Rodrigo Pires de Souza e Filipi Escudini de Moraes.

A CBS Street Factory apresentou “Elétrons”, de coreografia de Nicolas Karps – primeiro lugar em 2009. O trabalho cuja dramaturgia foca a atração e repulsão dos movimentos também cumpre a proposta que se propõe. Tudo no lugar. Mas indiscutivelmente a noite foi da Cia de Dança Kahal, de Jundiaí. “Êxodo”, de Henry Camargo tem boa música, apresenta uma movimentação que se apropria de elementos da dança contemporânea sem deixar de fazer dança de rua. O figurino é bem pensado e a mudança de música é sutil. Sem contar que quando a música muda, a intenção do corpo dos bailarinos também muda. Esse é um importante olhar para a coreografia.

De fato as noites vieram num crescente, esquentaram. Mas ainda podem pegar fogo... tomara que pegue.

MAIS:

Diana e Acteon – Alguns dizem que este balé, uma lenda grega, foi coreografado por Marius Petipa em 1902, outros que em 1931 Agrippina Vaganova teria recoreografado o pas-de-deux como conhecemos hoje. Fato é que a coreografia se tornou popular e é vista e dançada por diversas companhias no mundo. A versão mais usada é de Petipa, anteriormente coreografado para o balé “Esmeralda”.

Esmeralda – É um balé de três atos e cinco cenas coreografado por Jules Perrot. Estreou em 1844, em Londres e tem música de Cesare Pugni. A variação mais conhecida é a que a personagem, uma cigana, dança com um pandeiro.

Festidança | Crítica 3 | Variações Sobre Um Mesmo Tema

2010-06-18T19:04:00.000-07:00

Marcela Benvegnu

Ontem na terceira noite da mostra competitiva do 21º Festidança foi a vez dos trabalhos de balé clássico de criação conjunto (júnior, sênior e avançado) e de dança de rua conjunto sênior subirem ao palco. A noite começa bem com o júnior da Escola de Dança Alice Arja | Rio de Janeiro. “Dreams”, de Daniela Silva é simples e revela meninas bem trabalhadas tecnicamente para a execução dos passos. O que é preciso rever diz respeito ao corte brusco da música (tema recorrente em todas as noites do evento).

Ainda no júnior, o Studio D | Avaré mostrou uma proposta adequada para a idade dos pequenos bailarinos em “Valsa”, de Luciana Grisolia. É interessante notar como ela harmoniza as potencialidades de cada um na cena. Um trabalho que pode crescer ainda mais.

No conjunto sênior “Biocenose I”, de Ricardo Scheir, para o Pavilhão D | São Paulo é instigante. Faz com que o espectador sentado na cadeira sinta a música e seja absorvido por ela. O conjunto é muito bem ensaiado e traz a marca Scheir. É interessante quando um coreógrafo assume seu estilo e deixa isso impresso no corpo dos bailarinos. Uma gramática corporal visível também em “Anton” (foto), do coreógrafo, que competiu na categoria avançada. Sobre a música “Flown”, de Rudy Nundes, o elenco afinado mostrou um trabalho inteligente. A concepção coreográfica articula muito bem os solos, duos e trios, que não deixam em nenhum momento de estar dentro do contexto proposto por Scheir. Um detalhe: o figurino - os rapazes inteiros de preto e as moças com saias de duas cores – exibia uma bela plasticidade.

DANÇA DE RUA – É na dança de rua que parecemos dar voltas, voltas e voltas e cair no mesmo lugar. Primeiro é preciso pensar no nome das coreografias que não dialogam com o que é visto em cena. O nome é a primeira referência que se tem de um trabalho. Depois é preciso pensar na escolha da trilha sonora e se preciso até traduzir algumas músicas. Em muitas coreografias a trilha contradiz a própria concepção apresentada. Também nos com idéias boas que não são desenvolvidas. A história é a mesma dos dias anteriores, porque colocar em cena um objeto cênico se ele não vai ser usado, ou seja, se ele não vai ser transformado em dança?

Também é preciso atentar as formações dos desenhos coreográficos (concepção coreográfica). A obviedade e simetria parecem indicar um padrão de comportamento, mas não é preciso ser óbvio e nem simétrico para fazer dança. Fato é que quando a coreografia começa o olhar treinado já sabe o que vai ver até o final (as poses finais são um capítulo a parte). As coreografias deixam de surpreender.

Ontem quem ousou foi Henry Camargo, com a Cia de Dança Kahal | Jundiaí com “Hip Hop Our Root”. A coreografia tem formações diferentes das convencionais e a movimentação é rica nas construções e desconstruções. O coreógrafo trouxe ao Municipal um trabalho bem ensaiado, que se relaciona com música e título. Também pensou nas cores dos figurinos casuais do conjunto, que quando dividido em duos, trios ou quartetos ficavam interessantes.

Alguns temas: Por que trocar de figurino em um trabalho de cinco minutos e ele não dizer nada? Por que dançar de cabelos soltos sendo que eles atrapalham o desempenho técnico (e plástico) do intérprete? Por que não prender os adereços para que eles não caiam no chão? São tantos por quês.... que ficamos variando mesmo sobre o tema que fazemos e vivemos diariamente: a dança.

Será mesmo preciso?

MAIS:

Início e fim – A coreografia começa na coxia e só termina quando o intérprete sai da cena.. Em alguns trabalhos quando a música termina e os bailarinos agradecem, eles saem do palco como se ali não fosse um lugar de exposição. Por favor, vamos sair do palco de forma organizada. O público agradece, o trabalho fica bem acabado e a dança aplaude.

Festidança | Crítica 2 | Provocações Inteligentes

2010-06-18T18:45:00.000-07:00

Marcela Benvegnu

Sem dúvida foi o sapateado que aqueceu a segunda noite competitiva do 21º Festidança ontem, que contou com trabalhos do gênero em conjunto avançado. A bateria reuniu seis coreografias. Cada uma com suas particularidades, pontos fortes e fracos. Na primeira parte da noite o público, que lotou o Teatro Municipal, também assistiu aos trabalhos de balé clássico de repertório (variação feminina junior, avançado, conjunto sênior e avançado).

Em cena, os grupos da cidade mostraram sua força e comprovaram a tese de que aqui, na terra da tecnologia, o sapateado é soberano. O Grupo Corpus (São José dos Campos), de Patrícia Stellet trouxe a cena um “Magnetismo” musical inteligente. Já “Ocre”, da Cia Feeling de Dança (também de SJC), de Charles Renato, mostrou o bom uso do elemento cênico (blocos de madeira), de como ele pode virar dança e ser uma extensão do corpo. E o Ballet Ana Araújo (SJC), com Ritmia, de Ana Paula Veneziani trouxe aos “ouvidos” a sonoridade de pés soltos e de um som limpo.

Para não ser repetitiva (já sendo), o Monique Paes Studio de Dança (Jacareí) inovou novamente com Bruna Miragaia a frente de “Auroras” (foto). O trabalho provoca e é aí e por isso que se torna tão bom. A música é uma espécie de oração, o figurino mistura o brilho escondido (e revelado) da vida (detalhe para o capuz que não cai da cabeça dos intérpretes) e a coreografia emudece. Emudece no sentido de que é inteligentemente planejada, desde a configuração dos passos para não brigar com a música, mas ser um complemento dela, à disposição dos intérpretes, a simbologia do texto, a plasticidade. A música construída com os pés suspende o corpo do espectador, o espírito. Detalhe importante: Onde estava a coreógrafa durante a apresentação? Em cena. Ela estava no mesmo patamar dos alunos. O grupo era um só. Um único e importante corpo de “anjos de luz”.

BALÉ CLÁSSICO – Clássico de repertório é mesmo um desafio. Um desafio para o intérprete, um desafio para quem está à frente da adaptação. Na noite de ontem tivemos bons trabalhos, como a variação de La Fille Mal Gardée, com Fernanda Soares, do Ballet Elisa (São Bernardo do Campo); O Quebra-Nozes, de Marius Petipa (1818-1910), com Stefanina Petry, para o Ballet Adriana Assaf (São Paulo) e também o conjunto da Escola de Dança Alice Arja, do Rio de Janeiro, com séquito das Fadas da Bela Adormecida, também de Petipa. Trabalhos bem colocados, intérpretes seguras, bem ensaiadas e, sobretudo, com a carga emocional certa para o personagem.

Mas além da preocupação com a veracidade do balé original, com as cores dos figurinos, com o tamanho das coroas (podemos economizar porque a cada espetáculo temos coroas maiores), e claro, com o uso da técnica, um “incomodo” se instaura: (novamente) a qualidade da trilha sonora. Os diretores devem se preocupar com essa limpeza técnica urgentemente. Isso afeta a qualidade da obra, inclusive o modo de se olhar para ela.

Enfim, uma boa noite de sexta-feira. Que venham melhores.

MAIS:

Dia 25 de maio – Dia Internacional do Sapateado. É comemorado por conta do nascimento de Bill “Bojangles” Robinson (1878-1949).

Bojangles - Foi ele o responsável por trazer o sapateado para a meia-ponta. Conquistou Hollywood (em 1932), quando entra para história do cinema americano contracenando com Shirley Temple. Uma de suas mais famosas coreografias é “Backbird”, que dançava em cima de uma escada.

Datas (!!!!-!!!!) – As datas de nascimento e morte são importantes nos textos porque contextualizam um período na história da dança mundial já que não temos nenhum dicionário de dança no país. As publicações internacionais são valiosas, porém, não contemplam personalidades da dança brasileira.

Festidança | Crítica 1 | Nem cá(lá), nem (cá)lá

2010-06-18T18:38:00.000-07:00

Marcela Benvegnu

A primeira noite competitiva do 21º Festidança, que reuniu trabalhos de balé clássico de repertório (variação feminina sênior, pas de deux júnior, sênior e avançado) e sapateado conjunto (sênior e junior) trouxe à cena importantes questionamentos, como por exemplo: como andar nas pontas dos pés?

A pergunta é das mais simples e óbvias, porém, a resposta, não é. Andar nas pontas é um grande desafio para a bailarina. Não é simplesmente caminhar, vai (muito) além disso. E se andar nas pontas requer atenção, escolher a sapatilha certa (para o pé certo) talvez tenha sido o grande desafio desta noite. Duelo difícil entre pés e coreografias.

Histórias de pontas e pés à parte, a bateria de balé de repertório apresentou um tema recorrente quando se trata de remontagens: o quanto de fidelidade com a montagem original tem cada obra apresentada? Existem muitas versões, mas no mínimo elas têm certa conexão e dialogam entre si. Complicado é ver montagens “novas” naquilo que repercute ao longo dos séculos (caso contrário, não se chamaria repertório). Adaptar não é modificar o trabalho, e sim colocá-lo de forma correta e adequada no corpo dos intérpretes.

Primeiro lugar no ano passado, Fernanda Lopes, do Ballet Jovem de São Vicente | São Vicente, que concorria na categoria sênior com a variação de “Dom Quixote”*, de Marius Petipa* (1818-1910) mostrou evolução técnica e expressão para segurar uma interpretação deste nível. Não basta executar, é preciso dançar. E quando Paula Alves e Welber Pacheco (Especial Academia de Ballet | São Paulo- foto) entraram em cena para apresentar o pas de deux de “Paquita”*, de Petipa, que a noite fria começou a esquentar. Ele dança para ela. Ela para ele. Um confia no outro. A execução de cada passo tem um porque revelado no corpo, na expressão, no modo de dançar. A qualidade aparece. Os olhos agradecem. O corpo do espectador sente algo diferente. É dança.

Ainda no clássico é preciso cuidar das gravações das músicas. Algumas coreografias foram comprometidas por chiados e cortes mal feitos. É preciso lembrar que a obra é o todo e não somente uma parte dela.

PLACAS NO PÉ – Sempre esperado no Festidança, o sapateado não empolgou tanto quanto nos outros anos. Tudo esteve mais “morno”, inclusive os desenhos coreográficos. As coreografias apresentavam uma frontalidade excessiva e o “centro”, usado antigamente como o espaço mais importante do palco, volta à contemporaneidade com o mesmo sentido. Por que ter como referência o centro do palco? Sem medo de ousar já é hora de explorar laterais, fundo, frente. É preciso surpreender, fazer com que o corpo da plateia fique suspenso. Claro, isso tudo sem sair da música. Porque sapateado é música.

Apesar de o linóleo abafar a sonoridade das placas de metal, a noite foi de Bruna Miragaia, com seu “Baianá”, pelo Monique Paes Studio de Dança | Jacareí. A música que dá nome à obra (por que a coreografia tem que ter o nome da música?) sai da percussão habitual do grupo e encontra a brasilidade. A luz dialoga com a cena, cria um ambiente para que a dança se revele. A coreografia sai do convencional e usa todo o espaço do palco fazendo com que os interpretes cresçam. A concepção dos movimentos é rica e a sonoridade inteligente. Um excelente trabalho de pesquisa revelado em forma de coreografia.

Que venham os trabalhos avançados e com eles a força de um sapateado que é referência no Brasil. É preciso aquecer o corpo (ainda) frio, bem frio.

MAIS:

Dom Quixote – É um dos mais famosos balés de Marius Petipa, com música de Leon Minkus, que estreou em Moscou em 1869. Conta a história de amor entre Kitri e Basílio. É dividido em três atos e baseado na obra homônima de Miguel de Cervantes. A estreia do trabalho marca a ascensão da Rússia como o centro da dança na Europa.

Paquita – Com música de Edouard Delvedez e coreografia de Mazilier e Petipa, Paquita estreou em Paris em abril de 1846. A montagem dividida em dois atos e três cenas tem como protagonista Paquita, uma cigana que luta para ficar ao lado de seu grande amor, Lucien.

Marius Petipa (1818-1910) – Nome conhecido no cenário da dança Petipa foi um dos mais influentes coreógrafos de todos os tempos. Entre os seus trabalhos virtuosos ainda destacam-se “A Bela Adormecida”, “Raymonda”, “La Bayadére” e “O Lago dos Cisnes”.

Crítica? – Crítica vem do grego “krinen”, que significa quebrar, partir. Criticar é colocar uma obra em crise, evidenciar e potencializar suas partes. Colocar em crise a ideia que se tem do objeto. Nada tem a ver com gosto.

De cara nova

2010-06-18T18:31:00.000-07:00

Precisava mudar a cara desse blog.
Acho que porque estou mudando de cara internamente.
São tantos desafios que é preciso respirar fundo e encarar de frente.
Se estou feliz?
Estou.
Mas que todo mundo tem um dia que se sente pano de chão.
Ah tem!

Tá rolando essa semana...

2010-05-24T18:05:00.000-07:00

... Amanhã, dia 25 de maio (Dia Internacional do Sapateado) tem Sonia Mota, no Teatro Mars, em São Paulo. A bailarina estreia Divagar, ao lado de outras intérpretes. A montagem questiona a maturidade do corpo refletivo no tempo atual e destaca a atuação de quatro bailarinas, a maioria na casa dos 60 anos, que continuam dançando. Às 21h. O ingresso custa R$ 20 e R$ 10 e teatro fica na rua João Passalaqua, 80.

Na quarta-feira, dia 26, é a vez de Jorge Garcia e Jean Abreu, se encontrarem no palco pela primeira vez. A parceria do brasileiro e do londrinho está marcada para às 21h, na sala Crisantempo (rua Fidalga, 521), na Vila Madalena, em São Paulo. Após a apresentação tem bate-papo com os coreógrafos.

Ainda na quarta, o Divinadança estreia seu "Dans Le Noir", de James Nunes, no Centro Cultural São Paulo (rua Vergueiro, 100o), em São Paulo. A trupe fica em cartaz até dia 30, domingo e a entrada é gratuita. A direção geral é de Andrea Pivatto.

No dia 27, quinta-feira, às 21h, Luciana Bortoletto se despede do Sesc Pinheiros com seu "Entre Duas Linhas Vive o Branco". O trabalho integra o projeto Solos Urbanos - Fora do Palco. O Sesc Pinheiros fica na rua Paes Leme, 195, em São Paulo. Ingressos: R$ 10 e R$ 5.

Também no dia 27, o Núcleo de Improvisação, dirigido por Zélia Monteiro, encerra a temporada de seus Espetáculos Imprevisíveis, que foram realizados a partir do desenvolvimento do projeto “Sobre o Imprevisível ou De um Estudo para Outro há Sempre uma diferença de Tom. No Teatro de Dança (avenida Ipiranga, 344 | São Paulo), às 21h. Ingressos custam R$ 4 e R$ 2.

Na sexta-feira, dia 28, Zélia Monteiro leva outro espetáculo ao TD. Desta vez, às 21h, "Seis estudos para Flutuar" dá continuidade a mais de vinte anos de pesquisa e atuação artística de Zélia com a improvisação. No sábado, às 20h e domingo, às 18h, o espetáculo será reapresentado.

No sábado, dia 29, corra para Sorocaba. Às 19h, Teatro Municipal Teotônio Vilela (avenida Engenheiro Carlos Reinaldo Mendes s/n Paço Municipal) será realizada a terceira edição do Sorocaba Tap. Organizado e dirigido por Iara Ramos, da Athenas Academia, o festival promete surpresas no sapateado americano e irlandês.

E para fechar a semana (ou começar outra), domingo dia 30, no Sesc Interlagos (aveninda Manuel Alves Soares, 1100), às 16h, a Nau de Ícaros apresenta seu novo processo criativo. Por meio do contato com a obra inacabada, os participantes interferem e auxiliam na criação de novas cenas, que devem constituir o espetáculo completo posteriormente. A obra é inspirada em “Myrna – Não se Pode Amar e Ser Feliz ao Mesmo Tempo”, de Nelson Rodrigues.

Por esta semana, chega. Se procurar, ainda tem mais.

Tanta coisa... | O Rei e Eu

2010-05-24T17:05:00.000-07:00

Cena de "O Rei e Eu" | Foto: Jairo Goldflus

Tanta coisa tem acontecido que eu confesso às vezes me assusto. Estou assustada. Tenho trabalhado muito. Mais do que imaginava, mas muito mais mesmo. E tipo tenho pensado muito no meu trabalho. Às vezes quando vejo, estou pensando nele. Doido.

E saudade do meu trabalho antigo? Eu tenho. Mas tenho saudade das pessoas, do poder fazer sem perguntar, do ter a certeza de que ficava bom e de no dia seguinte começar um novo desafio. Tenho saudade das risadas, da rotina sem rotina, dos textos múltiplos. Tenho saudade da zona de conforto. Da segurança que conquistei. É exatamente isso. Mas se me perguntarem se eu voltaria. Acho que não. Já vivi o que tinha que viver lá e foi lindo.

Estou feliz. O hoje me supre por dentro. Toma conta do meu corpo. Sempre tem algo para aprender. Dá vontade de fazer mais, criar mais, ter mais tempo. O tempo sem tempo. E por falar nele, como passa rápido. Minha nossa.

Esse blog nunca foi em primeira pessoa e agora ganhou novos contornos. Talvez porque eu também esteja diferente. Estranho, mas confortável.

Na semana passada fui assistir "O Rei e Eu", de Rodgers e Hammerstein (os mesmos que assinaram South Pacific, A Noviça Rebelde, Carousel e Oklahoma!), com direção geral de Jorge Takla, que está em cartaz no Teatro Alfa, em São Paulo. A peça foi inspirada no original Anna e o Rei do Sião, de Margareth Landon e ganhou versão brasileira pelas mãos do experiente Claudio Botelho.

O musical teve sua estreia na Broadway em 1951, com Yul Brynner e Gertrude Lawrence, nos papéis principais, que na versão brasileira são vividos por Tuca Andrada (Rei do Sião) e Claudia Netto (Anna Leonowens).

O Rei e Eu conta a história do poderoso e carismático Rei do Sião, atual Tailândia, que tinha dezenas de esposas e mais de setenta filhos, e de Anna, professora inglesa contratada para ensinar inglês e um pouco da cultura ocidental aos príncipes e princesas. Charmosa e voluntariosa, Anna passa por sérias dificuldades com as diferenças entre a cultura inglesa e a oriental, mas mesmo assim impõe suas idéias e suas posições, e aprende a compreender e aceitar as cultura e as tradições siamesas, tornando-se parte desta imensa família real.

O espetáculo é um convite aos olhos. A riqueza dos cenários assinados por Duda Arruk nos faz até parar de prestar atenção na narrativa para descobrir os detalhes. São muitos. Fábio Namatame, como sempre, um espetáculo parte. Seus figurinos impecáveis tornam qualquer espetáculo mais bonito. coreografia original de Jerome Robbins ganhou remontagem de Tania Nardini e a direção musical é do piracicabano Jamil Maluf.

Enfim... o tempo me aperta aqui. Sem mais detalhes, porém, uma dica: vale a pena ver.

NOVO sentimento de NOVO

2010-05-07T07:31:00.001-07:00

Marcela Benvegnu

Me perguntei muito se ia dar certo de novo. Se a emoção seria a mesma. Se os olhares se encontrariam novamente. Se a gente teria força para fazer. Se seria "perfeito" como o da primeira edição. Se as pessoas iam gostar. Se os professores seriam bons. Se teríamos alunos suficientes para pagar as contas. Se aconteceria de novo. Eram muitos "ses"....

Até que em um momento, quando o medo bateu e a Erika me perguntou: "Amiga, você ainda acredita e dança a nossa ideia, não é?", os "ses" se derreteram. A resposta saiu do coração e não poderia ser outra a não ser que eu acreditava e que a gente dançaria essa ideia juntas ainda por muitos e muitos anos, mesmo "se" a gente tivesse que vender o carro. No ano passado Erika me disse: "Se a grana não der eu vendo o carro". Eu acredito no projeto, mas antes acredito na nossa paixão, na nossa seriedade, na nossa forma de acreditar na dança e, sobretudo, no jazz. É por isso que dá certo. Já disse ano passado e digo novamente: O sim de uma é o sim da outra. A gente ja se entende por olhares. Não somos somente sócias. Não somos colegas. Somos amigas. Amigas de verdade. Respiramos o mesmo sonho.

Não foi fácil não. Depois que chegamos de NYC muito aconteceu. É a Suzi Taylor que estava contratada e engravida... a Rose Calheiros que não consegue embarcar. As inscrições que demoraram a decolar.

Mas num outro "e", as coisas foram dando certo, as inscrições se esgotaram e tivemos a lista de espera, a Sheila se revelou uma pessoa adorável e uma grande professora, o Josh mostrou que vai além da beleza física e é um professor que nos faz ter vontade de só olhar a sua dança, respirar o seu movimento, e Sue querida, que aceitou o convite no quinto tempo e embarcou de um dia para o outro com um programa completamente diferente do ano passado. Os brasileiros também mostraram o que fazemos por aqui. E com o tempo, com a respiração de 130 pessoas juntas, fomos sentindo outro tipo de emoção. Dançamos juntos. De novo. Criamos um novo círculo de amor. Que não tem começo, meio ou fim. Uma aliança. Nova, de novo.

Nos questionaram que a emoção era diferente do primeiro ano. Me questionei. Questionei a Erika. E descobri que não deveria e nem seria mesmo igual ao da nossa primeira edição. Isso porque cada vez que nos juntarmos para dançarmos a ideia do Congresso de Jazz Dance outra vibração estará no ar. Não tem como sentir a mesma coisa de novo.

O amor estava lá. O frio na barriga de dar certo. A vontade louca da Erika em ler os relatório de avaliação antes da entrega do certificado (de novo, mas eu já me acostumei). Os olhos brilhando dos alunos ao fim de cada aula. A alegria de acertar um passo difícil. O prazer em superar os seus próprios limites. As lágrimas em ouvir as lindas palavras da Sheila no último dia. O orgulho em dançar para si. O amor em se descobrir como um ser único.

Assim também é o Congresso. Único com suas particularidades, limitações. Único em sua essência de pensar. Não é unipotente. Só é único como todos que viveram aqueles intensos quatro dias com a gente.

Como precisamos das pessoas. Como precisamos de vocês. Como precisamos dos professores. Como preciso da Erika. A gente não dança essa ideia sozinhas. Precisamos sim, sim e sim de todos de novo. De todos que acreditam no nosso sonho, que vem de longe, de perto. Que dormem no alojamento, no hotel, na casa do amigo. Que trazem o dinheiro contado, que compram tudo na lojinha. Que tem experiência, que ainda estão aprendendo. Novos. Novo. Os de novo. Sempre.

O Congresso do Jazz e do amor aconteceu sim, novamente. Aconteceu dentro da gente. E agora, quando olharmos as fotos, quando vestirmos a camiseta vermelha que está guardada dentro do armário, quando começarmos a planejar a terceira edição (já começamos na verdade)... quando olharmos para trás e virmos que a lembrança, virou memória... estaremos contruindo história. História da dança, do jazz, da vida. E você é tão responsável por ela quanto a gente.

Obrigada mais uma "única" vez.

Até 2011, quando vamos dançar essa idéia, com um sentimento NOVO de novo!

Roseli Rodrigues (1955-2010)

2010-03-19T19:30:00.000-07:00

Eu não penso em uma foto para este post. Não é a imagem aqui a protagonista. Mais importante é a história, o sentimento, a memória.

O telefone tocou muito cedo e eu sabia qual era a notícia. Mesmo assim, ainda não acredito. Mesmo depois de ver, ainda não acredito. Tudo ainda está confuso dentro de mim.

Todos já sabem que Roseli Rodrigues agora dança em outro lugar. Todos os sites de dança já deram, os jornais, revistas, boletins...

Muita gente me escreveu, me ligou e me perguntou: Você não vai escrever nada? Fato é que eu não queria dar essa notícia. Não precisava ser a primeira. Longe disso. Eu não pensava em simplesmente nada. As horas demoraram dias para passar.

Fato é que eu escrevi, mas eu não precisava colocar aqui naquele momento. O pequeno texto, mensagem, desabafo, ou qualquer outro nome que dêem a um grito de silêncio em forma de palavras estava público no site do Raça Centro de Artes. (o texto está abaixo).

Confesso que escrevi a pedidos da Kika Sampaio. E eu não teria outra resposta para dar para ela a não ser um "sim, escrevo". Um sim, engasgado, porque confesso que foi muito difícil. Como foi complicado sentir. Como foi complicado lembrar...

Roseli Rodrigues foi o meu ídolo. O ideal de jazz. Quando ela falava o nome da gente nas aulas era um prêmio. Dava vontade de fazer tudo errado, para ela dizer "Marcela" toda hora. Confesso que eu fiz isso algumas vezes.

As horas ao lado dela passavam rápido. Eram risadas, olhares, aprendizado. As aulas eram simplesmente lindas do começo ao fim. A admiração era uma espécie de transe coletivo.

Ela foi um dos diversos motivos pelos quais eu fui estudar história do jazz . Depois de uma palestra em Joinville, eu não me lembro o ano, que falava sobre os caminhos do jazz que eu resolvi ir atrás dessa história que era tão minha, mas eu não sabia de onde vinha.

Era por causa dela que eu ia todos os anos para Joinville fazer aula.... Janeiro era o mês da dança em São Paulo porque a Roseli ia dar cursos de férias. Quem não queria vestir a camiseta do Raça, ou ter um CD da aula? Quem não voltava do curso e colocava o CD para tocar... e fazia o plié? TODO MUNDO! Quem não se orgulhava das fotos? Das lembranças?

Ainda sinto ela pegando no meu rosto em outubro de 2009 e me dizendo que eu estava trabalhando no lugar certo e que ela estava feliz por mim. Que eu merecia. Parece que ainda posso sentir os dedos... ouvir o tom da voz... a respiração. Ainda consigo sentir o cheiro.

É essa imagem que fica e todas as outras vividas... São história de um corpo em movimento que agora entra em pausa, para que "Novos Ventos" dancem por ai. Tudo foi lindo e maravilhoso de viver.

É só isso que eu consigo dizer:

... As palavras parecem não sair pelos dedos. De verdade, parece um sonho. Talvez seja.

A dona dos olhos azuis mais transparentes da dança, agora faz arte em outro lugar.

O sentimento que ela foi capaz de provocar em cada um dos indivíduos que passaram pelas salas de aula do Raça, pelos cursos Brasil a fora: só quem viveu....

A sua voz. O seu olhar. A forma de dançar. O pequeno gesto. A barra coreografada. A bronca. O sorriso. Os cabelos vermelhos.

Tudo agora está marcado. Grudado na carne, na memória, na lembrança, na história da dança brasileira que perde uma de suas referências.

Seja na “Noite Adentro” ou nos “Caminhos da Seda” que cada um escolheu trilhar.

Parte do jazz se vai. O swing diminuiu, porém, por ela, para ela: a força, a garra, a raça terão que continuar.

Roseli será sempre lembrada. Sempre amada e, sobretudo, aplaudida.

5,6,7,8. A dança agradece o seu amor, o seu trabalho, o seu olhar transparente de alma para a arte.

Obrigada!

CRITICA | Meu Amigo Charlie Brown!: para todos!

2010-03-14T18:29:00.001-07:00

Marcela Benvegnu

Quem com os seus quase 30 anos ou mais, não se lembra dos Peanuts? Do Snoopy que dormia na casinha vermelha, de Charlie Brown com seu sanduíche de pasta de amendoim? Ou do Schroeder tocando piano e Lucy cantando para ele? Sim, a memória voltou. E com ela todos os sabores da infância. Estreou ontem, no Teatro Frei Caneca, em São Paulo, o musical "Meu Amigo Charlie Brown", uma produção de Ricco Antony, que vale o ingresso.

A cenografia de Chris e Nilton Aizner é um convite aos olhos. As tiras cômicas de Charles Schulz são trazidas a cena mesmo antes da cortina se abrir. Desenhos vazados dos personagens ativam a memória sensorial de quem já conhece a turma, e aquece o olhar dos pequenos que ainda tem o mundo a desvedar.

Quando o musical começa, uma agradável surpresa: Mariana Elisabetsky. A jovem que tem um currículo de vários espetáculos e a apresentação de um programa infantil na TV, segura a cena como ninguém. No timbre de voz e na interpretação. Em alguns momentos o corpo fala mais que o texto, que incluvise é versado por ela. A versão original é de Clark Gesner.

Só que o sucesso do musical vem do time. Leandro Luna faz um excelente Charlie Brown, sua voz e o posicionamento do seu corpo (ele passa a maior parte do tempo cordunda) foram muito bem trabalhados; Fred Silveira faz um Snoopy seguro. A interpretação de Paula Capovilla para Lucy é ótima. É ela quem arranca mais gargalhadas do público com a sua voz desafinada. O Schoeder de Felipe Caczan é idêntico ao desenho e quando ele está ao piano nota-se que sabe ouvir o que a orquestra dirigida pelo maestro Marconi Araújo toca. E Thiago Machado como Lino, nos faz entrar pela televisão e lembrar do personagem que tinha como melhor amigo o seu paninho.

O texto é bem articulado e montado. A iluminação de Paulo Cesar Medeiros é um show a parte. Só assistindo para se ter noção da passagem do tempo e do que ele faz somente com um ciclorama.

Os figurinos são bem executados e coloridos, só a calça jeans do Snoopy que poderia ser revista. Valia uma pitada a mais de dança, um "q" de sapateado, entretanto, o trabalho de corpo de Alonso Barros é muito bem feito na interpretação dos atores. O corpo se expressa, fala.

Na balança, "Meu Amigo Charlie Brown" é uma excelente montagem que faz com que os pequenos se acostumem a frequentar o teatro, e faz com que os grandes pequenos amantes da arte, revivam excelentes lembranças. Para ser muito clichê: Vale a pena ver (e ouvir) de novo.

SAIBA MAIS - "You’re a Good Man, Charlie Brown" estreou Off-Broadway em 1967, com cerca de 1600 apresentações. Uma segunda versão seria montada em 1971. A versão definitiva é a de 1999, da qual "Meu Amigo Charlie Brown" foi adaptada, e recebeu dois prêmios Tony (melhor ator e melhor atriz em musical) e três prêmios Drama Desk (melhor remontagem de musical, melhor ator e melhor atriz). Essa montagem teve duas adaptações para a TV americana: um especial com atores na rede NBC e um especial de animação na CBS.

PARA VER: "Meu Amigo Charlie Brown", com direção geral de Ricco Antony. No Teatro Frei Caneca (rua Frei Caneca, 569 - Shopping Frei Caneca, sexto andar). Sábados e domingos, às 16h. O ingresso custa R$ 50 (inteira) e R$ 25 (meia-entrada) e apresentando na bilheteria uma lata de leite em pó paga-se meia entrada. A temporada do espetáculo vai até o dia 27 de junho.

Congresso de Jazz Dance - Dance essa idéia!

2010-03-06T07:42:00.000-08:00

CONGRESSO DE JAZZ DANCE:

DANCE ESSA IDÉIA!

www.congressodejazzdance.blogspot.com

Se no ano passado as inscrições do Congresso Internacional de Jazz Dance no Brasil se esgotaram, em 2010 não será diferente. Porém, ainda dá tempo de dançar essa idéia.

Organizado por Erika Novachi e Marcela Benvegnu, que em agosto de 2009 ministraram aula de lyrical jazz e história do jazz, respectivamente, na Broadway Dance Center, em Nova York, a segunda edição do evento acontecerá em Indaiatuba, interior de São Paulo, entre os dias 21 e 24 de abril.

Para o evento a dupla contratou dez professores de peso, com destaque para três estrelas do estilo: os americanos Sheila Baker e Josh Bergasse, e a brasileira radicada na Alemanha, Rose Calheiros. "A Rose é a madrinha do Congresso, ela não pode estar de fora em nenhuma edição. A aula dela vai além do gesto, mostra um dançar da alma que é muito particular", fala Erika. "A aula da Sheila vai agradar muito aos brasileiros pela tendência, pela forma que ela usa o corpo na movimentação, e a aula do Josh é a técnica aliada ao musical de uma forma muito didática", completa Marcela.

No Congresso os alunos ainda terão aulas com Cinthia Vilas Boas, Alexandre Ribeiro, Jhean Allex, Cristina Cará, Ana Araújo, Christiane Matallo e Gilberto de Syllos. Pela primeira vez será realizada uma apresentação de trabalhos científicos. "Serão apresentados quatro trabalhos acadêmicos que tem como foco o jazz dance e seus desdobramentos", fala Erika. "Desde o início do nosso projeto optamos por unir teoria e prática. No ano passado foi a palestra de história do jazz, e esse ano é a vez dos congressistas falarem um pouco sobre as suas pesquisas com a apresentação das monografias e dissertações. É a troca, o diálogo com a dança", diz Marcela.

Além das aulas práticas e apresentação dos trabalhos acadêmicos, o evento prevê uma mostra de coreografias comentada e uma mesa-redonda. As atividades extras tem entrada gratuita. Ainda restam vagas para os cursos. Os interessados podem acessar o blog do evento em www.congressodejazzdance.blogspot.com

A Arte de Sapatear

2010-03-06T07:36:00.000-08:00

De acordo com a crítica Jennifer Dunning do jornal The New York Times (julho de 2006), Christiane Matallo é a Carmen Miranda do sapateado. Depois de lançar seu DVD em 27 países, a bailarina, sapateadora e coreógrafa CHRISTIANE MATALLO lança no Brasil, HOJE na Livraria da Vila, às 19h30, o DVD “A ARTE DE SAPATEAR”, primeiro DVD do gênero no mercado brasileiro.

O evento de lançamento contará com a apresentação do espetáculo “da Corda pro Pé”, um duo entre Christiane Matallo e o contrabaixista Gilberto de Syllos. A dupla criou uma dinâmica perfeita entre o sapateado e o contrabaixo, ou, entre a dança e a música, elementos que, segundo Matallo, são partes integrantes e naturais da dança.

“da Corda pro Pé”, que já realizou temporada em Nova York, é uma extensão do trabalho desenvolvido por Matallo, em que ela toca saxofone e sapateia ao mesmo tempo. A bailarina realizará um bate papo com o público após o espetáculo para falar sobre processos e relações do sapateado no Brasil e sua popularização no país.

Dividido em dois discos, “Iniciantes” e “Intermediário e Avançado”, o DVD contém exercícios de aquecimento, aulas didáticas com rotinas e coreografia, videoclipes, jogos interativos e um pouco da história do sapateado. A direção musical em ambos DVD´s foi assinada por Gilberto de Syllos.

Sobre Christiane Matallo

A bailarina, coreógrafa, musicista e cantora Christiane Matallo iniciou seus estudos em dança com apenas dois anos e meio de idade. A única artista que sapateia e toca sax tenor simultaneamente. É a diretora artística e organizadora do Brasil International Tap Festival, que em 2010 chega a sua décima primeira edição. Com o objetivo de popularizar a arte do sapateado já passaram pelo evento os melhores profissionais do mundo como: Robert Reed, Van “The Man” Porter, Dormeshia Sumbry Edwards, Corrine Karon, Jason Smith, entre outros. A bailarina também organiza o Sapateia São Paulo, que comemora o Dia Internacional do Sapateado (25 de maio) na cidade de São Paulo. Desde 2007 leva para o Sambódromo a ala de sambateado pela Agremiação e Escola de Samba Mocidade Alegre sendo campeã do carnaval de São Paulo em 2009 e vice-campeã em 2010.

Local: Livraria da Vila – Alameda Lorena 1731 – Jardins – São Paulo

Tel: (11) 3062-1063

Dia 6 de março de 2010, a partir das 19h30

Entrada gratuita

Em Março no Teatro de Dança

2010-03-06T07:32:00.000-08:00

Sociedade Masculina: No Td em março

Em março de 2010, o TD - TEATRO DE DANÇA (instituição vinculada à Secretaria Estadual de Cultura de São Paulo, gerenciada pela Associação Paulista de Amigos da Arte - APAA) privilegia em sua programação o intercâmbio de companhias e espetáculos. Para tanto, inaugura um novo projeto: o Corredor da Dança.

O Corredor da Dança é uma rede de curadores, surgida a partir dos debates do evento Plataforma Estado da Dança, realizado em agosto de 2009 no TD, e que reúne e faz circular em diversas cidades do país espetáculos dos festivais de Dança de Londrina/PR, Diagnóstico da Dança e Festival de Artes Cênicas de Goiânia/GO, Festival Internacional de Dança de Recife/PE, Fórum de Dança de São José do Rio Preto/SP, entre outros. A intenção é promover e incentivar a interação de várias produções dos diversos Estados do Brasil. Nessa primeira programação do Corredor em São Paulo, a dupla de Goiânia Rodrigo Cunha e Rodrigo Cruz estreia Dúplice (12 a 14 de março) e divide a noite com a coreógrafa paulistana Cláudia Palma e seu espetáculo Um Outro Corpo.

Antes, no início do mês de março, será apresentado no TD a coreografia Ao cair da tarde (4 a 7 de março), com direção de Monica Sucupira, que reúne artistas e jovens senhoras idosas e propõe um poético resgate da memória corporal em dança, resultando em um espetáculo multimídia sobre arte e vida.

De 19 a 21 de março, o TD apresenta um programa especial, Cisnes, em que o tema “cisnes”, é revisitado e apresentado em várias performances, dentre elas a do mestre Luis Arrieta, apontando-se para o imaginário de criaturas aladas do romântico e do balé do final do século XX.

De 25 a 28 de março, com o apoio do Prêmio Funarte de Dança Klauss Vianna/2009, o público de São Paulo terá a oportunidade de ver pela primeira vez na cidade a dança do Pará por meio da Companhia Experimental de Dança Waldete Brito, que comemorando 10 anos de existência, estreia duas coreografias: O Seguinte é Isso... e (Des)vestido. Waldete Brito é graduada em Educação Física, Mestre em Artes Cênicas pela Universidade Federal da Bahia, e doutoranda pela mesma instituição de ensino superior. É bailarina, coreógrafa, pesquisadora de dança contemporânea, professora da Escola de Teatro e Dança da UFPA e coordenadora geral dos cursos técnicos de teatro, dança e cenografia. Dias 25 e 26 de março a companhia dará um workshop gratuito no TD.

04 a 07 de março de 2010

Quinta e sexta às 21h, sábado às 20h, domingo às 18 h

60 minutos de duração, classificação 12 anos

Ao Cair da Tarde

Cia. Lambe-Lambe de Teatro e Afins / SP

Direção: Mônica Sucupira

12 a 14 de março

Sexta às 21h, sábado às 20h, domingo às 18 h

70 minutos de duração, classificação 12 anos

Corredor da Dança

Um Outro Corpo

De Claudia Palma / SP

Dúplice

De Rodrigo Cunha e Rodrigo Cruz / GO

19 a 21 de março

Sexta às 21h, sábado às 20h, domingo às 18 h

50 minutos de duração, classificação livre

Cisnes

Studio3 Cia. de Dança, Cia. Sociedade Masculina & Convidados / SP

Concepção: Anselmo Zolla

Direção Artística: Anselmo Zolla e Vera Lafer

Coreografias: Luis Arrieta e Anselmo Zolla

Convidado Especial: Luis Arrieta

25 a 28 de março

Quinta e sexta às 21h, sábado às 20h, domingo às 18 h, classificação 12 anos

Dias 25 e 26/02: 45 minutos de duração, dias 27 e 28/02: 50 minutos de duração

O Seguinte é Isso...

Cia. Experimental de Dança Waldete Brito / PA

(Des) vestido

Cia. Experimental de Dança Waldete Brito / PA

Direção artística: Waldete Brito

Intérpretes criadores: Alessandra Ewerton, Elyene Lima, Carol Castelo, Liluany Serrão, Nely Lopes, Valéria Spinelli, Edson Lima, Rafael Dorn

WORKSHOP DE DANÇA CONTEMPORÂNEA - Dias 26 e 27 de março (sexta e sábado)

Com a Cia. Experimental de Dança Waldete Brito/PA

Horário: das 15h às 17h – Entrada Franca

Público Alvo: todos os interessados em processos de experimentação e improvisação em dança.

Carga Horária Total: 4h (divididos em 2 dias de aula, cada uma com 2h)

Inscrições gratuitas mediante envio de mini currículo para teatrodedanca@apaa.org.br , até 12 de março.

Vagas limitadas para 25 pessoas.

TD - Teatro de Dança - Secretaria de Estado da Cultura

APAA - Associação Paulista dos Amigos da Arte

Avenida Ipiranga, 344 - Subsolo, Edifício Itália - São Paulo, SP, Brasil - Metrô República - Email: info.teatrodedanca@apaa.org.br Telefone da bilheteria: 2189 2555 /// Informações: 2189 2557 Capacidade: 278 lugares/Ar-condicionado ///Acessibilidade para pessoas com necessidades especiais /// Ingresso: R$ 4,00 e R$ 2,00 (meia) /// Estacionamento: R$ 15,00 com manobrista /// Bilheteria, abertura: Vendas para o dia do espetáculo - 4ª a domingo, a partir das 14h/// www.teatrodedanca.org.br

Confraria da Dança em temporada

2010-03-06T07:31:00.000-08:00

3 PROPOSTAS PARA 2010
Temporada de Repertório CONFRARIA DA DANÇA
PRÊMIO FUNARTE DE DANÇA KLAUSS VIANNA 2009

MARÇO - SESC CAMPINAS | ABRIL - FUNARTE SÃO PAULO - SALA RENEÉ GUMIEL | MAIO/JUNHO - 104 BELO HORIZONTE

A CONFRARIA DA DANÇA dedica-se desde 1996 à criação e manutenção de espetáculos autorais, promovendo continuamente atividades diversificadas de formação e fruição artística. Traçando um crescimento radial em seu campo de ação junto à comunidade, atinge público infantil, adulto e terceira idade, estudantes de arte em processo de formação e artistas em busca de reciclagem e capacitação. Acumula premiações da FUNARTE/MINC, Secretaria da Cultura – Governo do Estado de São Paulo, CULTURA INGLESA, entre outros. Recentemente conquistou o Prêmio APCA 2009 com o solo ADVERSO/ criadora-intérprete Diane Ichimaru. Em 2010 desenvolve uma série de ações pelo PRÊMIO FUNARTE DE DANÇA KLAUSS VIANNA/2009, iniciando com a mostra de 3 espetáculos do repertório do grupo no SESC Campinas, seguindo por São Paulo e Belo Horizonte - 44 sessões de espetáculos e 2 workshops - uma maratona que fortalece e propaga nacionalmente a visibilidade à produção e trajetória do grupo.

SESC CAMPINAS - de 9 a 19 de MARÇO

Rua Dom José I, 270 / 333 - Bonfim - Campinas/SP - tel: 19 3737.1500

dias 9, 10, 11 e 12 de março

CARTA PARA NÃO MANDAR OU CANTIGA INTERROMPIDA

dias 16, 17, 18 e 19 de março

ADVERSO - Prêmio APCA 2009 - categoria criadora/intérprete

solos de dança de Diane Ichimaru - trilhas musicais especialmente compostas para os espetáculos: Rafael dos Santos / iluminação: Marcelo Rodrigues
terça a sexta - 20h30

ingressos: R$ 4,00 / R$ 2,00 (estudante)/ R$ 1,00 (comerciário matriculado no SESC)

dias 10, 11, 12 e 13 de março
BRINQUEDOS E INVENTOS PARA DANÇAR - dança para crianças - criadores/intérpretes: Diane Ichimaru e Marcelo Rodrigues
trilha Musical especialmente composta para o espetáculo: Rafael dos Santos

quarta a sexta - 14h30 / sábado 16h

GRATIS

FUNARTE – Sala Renné Gumiel - de 2 a 25 de ABRIL

Alameda Nothmann, 1058 – Campos Elíseos – São Paulo/SP – Tel: (11) 3662-5177

dias 2, 3, 4, 9, 10 e 11

ADVERSO - 20h30

dias 16, 17, 18, 23, 24 e 25

BRINQUEDOS E INVENTOS PARA DANÇAR - 16h

CARTA PARA NÃO MANDAR OU CANTIGA INTERROMPIDA - 20h30

dia 8 - das 10 às 17h

Workshop - PREPARAÇÃO do CORPO CÊNICO

coordenadores: Diane Ichimaru e Marcelo Rodrigues

Público alvo: estudantes e profissionais de dança e teatro

ENTRADA FRANCA em todas as atividades na Sala Reneé Gumiel

104 - de 18 a 23 de MAIO e de 8 a 13 de JUNHO

Praça Ruy Barbosa, 104 (Praça da Estação) - Centro - Belo Horizonte/MG - tel: (31) 3222.6457

dias 18, 20, 21, 22 e 23 de MAIO

ADVERSO - 20h30

ingressos: R$ 10,00 / R$ 5,00 (estudante)

dia 19 de MAIO - das 10 às 17h

Workshop - PREPARAÇÃO do CORPO CÊNICO

coordenadores: Diane Ichimaru e Marcelo Rodrigues

Público alvo: estudantes e profissionais de dança e teatro

GRáTIS

dia 22 de MAIO

Bate-papo sobre o processo de criação da Confraria da Dança - 15h

com Diane Ichimaru e Marcelo Rodrigues

dias 8, 10, 11, 12 e 13 de JUNHO

BRINQUEDOS E INVENTOS PARA DANÇAR - 16h

CARTA PARA NÃO MANDAR OU CANTIGA INTERROMPIDA - 20h30

ingressos: R$ 10,00 / R$ 5,00 (estudante)

informações: Confraria da Dança - confrariadadanca@terra.com.br - 19 3254.0685 / 9292.4917

Borelli volta com Morte: Manifestação e Reflexão

2010-03-06T07:23:00.000-08:00

Cia. Borelli abre temporada em 2010 com

Morte: Manifestação e Reflexão

A Cia. Borelli de Dança inicia o ano de 2010 com as apresentações de “Senhor dos Anjos – O lamento das coisas”, espetáculo inspirado na obra de Augusto dos Anjos e “Artista da Fome” – inspirado na obra homônima de Franz Kafka. As duas coreografias compõem o projeto Morte: Manifestação e Reflexão juntamente com Gárgulas, Ponto final da Última Cena, Adeus Deus. e Versos Íntimos (estes três últimos criados originalmente para outras companhias e incorporados ao repertório da Cia. Borelli).

Contemplado pelo 7º Edital do Programa de Fomento a Dança, Morte: Manifestação e Reflexão foi assim intitulado devido ao tema Morte estar presente em todos os trabalhos que compõem o repertório da Cia. Borelli de Dança.

O coreógrafo, Sandro Borelli, revê assim sua trajetória, e programa as estreias dos outros quatro trabalhos para os meses de abril e julho. A temporada termina em agosto com o lançamento de um documentário sobre os treze anos de trajetória da companhia, com direção de Osmar Zampieri.

Serviço:

- Senhor dos Anjos – O lamento das Coisas de 24 a 28 de fevereiro

- Artista da Fome de 03 a 14 de março

Kasulo - Espaço de Cultura e Arte. R. Sousa Lima, 300 – Santa Cecília, próximo ao teatro São Pedro.

Telefone: (11) 3666 – 7238, quarta a sábado, às 21h e domingos às 19h.

Ingresso: o espectador define o valor no final do espetáculo.

Classificação a partir de 16 anos.

Rua: Souza Lima 300 B, Santa Cecília, São Paulo

PROX. AO METRÔ MARECHAL DEODORO E THEATRO SÃO PEDRO

www.ciaborelli.com

Danças da Vida

2010-01-31T12:50:00.000-08:00

... Tem dias que a gente fica meio cansado de dança. Outros que a gente precisa dela para se alimentar.... Outros ainda que precisa dela para respirar, outros para sair de si, ou ainda se encontrar. Hoje estou totalmente no meio termo de todas essas dúvidas... E me toquei que o blog estava abandonado, novamente. Confesso que ando num tempo sem tempo das (mu)danças da vida, mas estou feliz. Muito feliz.

Para quem acompanha o blog e vive me cobrando atualizações deixo algumas pílulas de dança:

- Nos dias 5 e 6 de fevereiro, sexta e sábado, às 21h, a São Paulo Companhia de Dança apresenta Passanoite, de Daniela Cardim; Tchaikovsky Pas de Deux, de Balanchine, e Gnawa, de Nacho Duato, no Teatro Manoel Lyra, em Santa Bárbara D´Oeste. A entrada é gratuita. (Gente, eu vou estar lá e espero vocês).- No dia 13 de fevereiro, sábado, vale a pena ver o desfile da Escola de Samba Mocidade Alegre, no Carnaval de São Paulo. Pela terceira vez consecutiva, a ala do Sambateado, composta por 19 sapateadore e coreografada por Christiane Matallo figura no Carnaval paulista. A sensação de 2010 é que o grupo aparece desfilando com placas de metal nas mãos! A escola é a terceira a desfilar.

Feliz 2010!

2010-01-01T14:56:00.000-08:00

Queridos,
Nem vou mais me desculpar pelo abandono... A vida corre e eu tento correr atrás dela no tempo certo. Estou feliz, confesso. As (an)danças e (mu)danças da vida nos transformam por dentro e por fora.
Vou tentar aparecer com mais frequência, mas não vou prometer. As notícias irão aparecer, os comentários também, mas em outro tempo, outra frequência, sem culpa, sem pressão, num beat... suave... fluído, que respira, como a pausa da música, como a pausa de um movimento em uma coreografia.
Que 2010 seja um ano lindo em que a gente dance ainda mais a vida, respire o movimento e sorria todas as (pausas) e notas musicais.
Beijos,
Marcela

Blanche Niege para adultos

2009-11-05T08:30:00.000-08:00

Para não dizer que eu não estou postando... Quero muito curtir o programa abaixo no final de semana. Prometo uma crítica depois. Nesse final de semana vou postar os textos do Festival de Dança do Triângulo, que aconteceu em Uberlândia na última semana.

ANOTEM NA AGENDA!

Quem estiver em São Paulo neste final semana não pode deixar de ir ao Teatro Alfa. Isso porque um dos gênios da dança mundial traz ao palco brasileiro sua versão para um conto de fadas popular. A nova criação de Angelin Preljocaj para a companhia que leva seu nome, estreou em setembro de 2008 na Bienal da Dança de Lyon. Inspirada no conto de fadas Branca de Neve, dos Irmãos Grimm, "Blanche Neige" é um grande ballet, romântico e contemporâneo, em que 26 bailarinos dançam o mais belos trechos das músicas de Gustav Mahler, com figurinos de Jean Paul Gaultier e cenografia de Thierry Leproust. Novamente a moda e a dança caminham juntas. Vale lembrar que o último trabalho da São Paulo Cia. de Dança, "Passanoite", de Daniela Cardim, teve figurinos assinados por Ronaldo Fraga.

"Eu tinha um grande desejo de contar uma história, oferecendo algo mágico e encantado. Sem dúvida buscando evitar o rotineiro. E também porque, como todos, eu adoro histórias. Segui a versão dos Irmãos Grimm com apenas algumas variações, baseadas nas minhas interpretações dos símbolos do conto. Bettelheim descreve o conto Branca de Neve como um édipo reverso. A madastra é sem dúvida a personagem central do conto. Por meio dela examinei a sua determinação narcisista de não desistir da sedução e de seu papel como mulher, ainda que isso signifique sacrificar sua enteada. A compreensão dos signos pertence aos adultos assim como às crianças: é para todos; e é por isso que eu gosto dos contos de fadas", diz Preljocaj.

Vale ler a ficha técnica do espetáculo:

Direção Artística e coreografia Angelin Preljocaj / Música Gustav Mahler / Música complementar 79 D / Figurinos Jean Paul Gaultier / Cenários Thierry Leproust / Iluminação Patrick Riou / Assistentes de iluminação Cécile Giovansili e Sébastien Dué

Bailarinos - Branca de Neve: Nagisa Shirai / Príncipe: Sergio Diaz / Rainha: Céline Galli / Rei: Sébastien Durand / Mãe: Gaëlle Chappaz / Gatos-Gárgulas: Emilie Lalande & Yurie Tsugawa / Corpo de baile: Sergio Amoros Aparicio, Virginie Caussin, Aurélien Charrier, Damien Chevron, Fabrizio Clemente, Baptiste Coissieu, Carlos Ferreira da Silva, Natacha Grimaud, Emma Gustafsson, Caroline Jaubert, Jean-Charles Jousni, Céline Marié, Lorena O'Neill, Fran Sanchez, Charlotte Siepiora, Patrizia Telleschi, Julien Thibault, Liam Warren, Nicolas Zemmour

Assistente de direção artística Youri Van den Bosch / Assistente ensaiador Claudia De Smet / Coreólogo Dany Lévêque / Consultor para acrobacias verticais Alexandre del Perugia / Execução do cenário Atelier Atento / Execução do figurino Les Ateliers du Costume

Espetáculo criado em residência no Grand Théâtre de Provence, Aix-en-Provence

Coprodução Biennale de la danse de Lyon / Conseil Général du Rhône, Théâtre National de Chaillot (Paris), Grand Théâtre de Provence (Aix-en-Provence), Staatsballet Berlin (Alemanha)

PARA VER - Blanche Niege, com o Ballet Preljocaj. De 6 a 8 de novembro de 2009 sexta, 21h30 sábado, 21h domingo, 18h - Ingressos: Setor I R$ 150; Setor II - R$ 120; Setor III – R$ 80 e Setor IV - R$ 50. No Teatro Alfa (rua Bento Branco de Andrade Filho, 722 – tel. 5693.4000)

São Paulo Cia. de Dança estreia Passanoite

2009-10-24T07:08:00.000-07:00

A Companhia estreia duas coreografias Passanoite, criação inédita da brasileira Daniela Cardim, apresentada com execução musical ao vivo do grupo Quintal Brasileiro, e Polígono Revisitado, do italiano Alessio Silvestrin. Completa o programa Gnawa, coreografia de Nacho Duato.

Direção: Iracity Cardoso e Inês Bogéa

Passanoite, de Daniela Cardim: música para ver / Foto: Reginaldo Azevedo

PASSANOITE
Reiterando sua proposta de congregar nomes consagrados e novos talentos, a São Paulo Companhia de Dança recebe, no segundo semestre de 2009, mais uma obra em seu repertório. A artista convidada a criar uma peça especialmente para a Companhia é a brasileira Daniela Cardim. Seu currículo inclui atuação destacada no Balé Nacional da Holanda, onde ingressou há uma década e sua pesquisa coreográfica busca novos limites para a técnica clássica.

Passanoite, que tem figurinos assinados por Ronaldo Fraga, é uma coreografia de construção profundamente musical, ligada estruturalmente às criações que o Quintal Brasileiro executa. Quintal Brasileiro é um quinteto de cordas cuja proposta é diluir as fronteiras entre a música instrumental brasileira e a música erudita. Formado por musicistas que atuam em importantes orquestras brasileiras, interpreta um repertório que evidencia uma abrangente pesquisa dedicada à produção brasileira contemporânea e que contempla compositores como André Mehmari, Mário Manga, Hermelino Neder e Marcelo Petraglia, autores das músicas deste espetáculo.

Carioca nascida em 1974, Daniela Cardim foi solista do Ballet do Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Yu Lin, sua primeira coreografia, feita em 1994, ganhou o quarto prêmio na XI Mostra de Novos Coreógrafos no Rio de Janeiro e desde então suas criações vêm recebendo crescente atenção. Foi selecionada pelo New York Choreographic Institute, ligado ao New York City Ballet e dirigido por Peter Martins, para coreografar para a School of American Ballet. A mais recente criação de Cardim estreou no Balé Nacional da Holanda em abril de 2009.

POLÍGONO REVISITADO
Também alinhada com a proposta da São Paulo Companhia de Dança de abordar o repertório da dança num espectro amplo, Polígono Revisitado une o rigor clássico e a linguagem contemporânea.

A criação do italiano Alessio Silvestrin foi elaborada a partir da Oferenda Musical de Johann Sebastian Bach revisitada pelo grupo belga Het Collectief, exemplificando nos movimentos a estrutura da música. Assim como na construção contrapontística da música, a criação coreográfica elabora motivos que são enunciados e retomados pelos muitos corpos dançantes, em tempos e configurações variadas.

A coreografia apresentada nesta montagem é uma versão reduzida e alterada daquela apresentada em 2008, na estreia da Companhia. Dos 60 minutos iniciais, a obra está mais enxuta, com 30 minutos, e suas partes se articulam por contrastes mais claros. Início e fim dialogam como antes, porém, o meio aumenta o ritmo multifacetado da obra: duos cortam a cena e são interrompidos por luzes que se apagam ou painéis que os ocultam. O Allegro é cortado pela Fuga Canônica, na qual o tempo é suspenso e se completa na figura do fundo da cena. Rever é também reinventar uma obra que se constrói no movimento.

Alessio Silvestrin nasceu em 1973 em Vicenza, Itália. Formou-se pela Académie de Danse Princesse Grace em Monte Carlo e estudou também na École Atelier Rudra Béjart, em Lausanne, Suíça. Já atuou como bailarino e coreógrafo nas companhias de Maurice Béjart, Copenhagen International Ballet, Balé da Ópera Nacional de Lion, sob direção de Yorgos Loukos, e Balé de Frankfurt, sob direção de William Forsythe, entre outros. Silvestrin é também músico e compositor com obras editadas pelo selo Edizioni Arca Musica. Desde 2003 reside no Japão como artista independente.

GNAWA
A obra que completa o programa, Gnawa, presente em repertório desde março de 2009, é de autoria do consagrado criador Nacho Duato e é inspirada no universo étnico e religioso de uma confraria mística muçulmana do norte da África. De origem sub-saariana, os gnawa incorporam cantos às suas práticas espirituais, e Duato adotou, como base da coreografia, canções dessa comunidade.

Gnawa dá continuidade à pesquisa iniciada em Mediterranea, que assinala um interesse do artista espanhol pelos ritmos ancestrais da região. Gnawa estreou em 2005, e, como muitas das criações de Duato, busca um equilíbrio entre o clássico e o contemporâneo, como entre o local, o particular (no caso, a cultura mediterrânea) e o universal, as questões simbólicas que renovadamente propõe a arte. Duato nasceu em Valência e começou a dançar aos 18 anos, na Rambert School, em Londres, tendo depois passado pela Mudra School de Maurice Béjart e pelo Alvin Ailey American Dance Centre. Com obras nos repertórios das mais prestigiadas companhias do mundo, recebeu alguns dos mais importantes prêmios e distinções da Europa. É diretor artístico da Compañía Nacional de Danza desde 1990.

A COMPANHIA
A São Paulo Companhia de Dança, que tem como diretoras Iracity Cardoso e Inês Bogéa, foi criada em 2008 pelo Governo do Estado por meio de sua Secretaria da Cultura. A Companhia tem a atribuição de tornar a dança cênica acessível ao grande público, por meio de espetáculos, programas educativos e de formação de platéias. Procura, assim, desenvolver projetos de integração entre a dança e outras áreas do conhecimento, criando espaços para debates e discussões, com vistas ao público acesso à cultura, à formação dos estudantes e ao aperfeiçoamento dos profissionais da dança. Para tanto, a Companhia atua em três vertentes interligadas: Produção de Espetáculos, Programas Educativos e Programas de Registro e Memória.

PARA VER
De 22 a 25 de outubro de 2009 quinta e sábado, 21h sexta, 21h30 domingo, 18h
Setores 1 e 2 - R$60,00 Setores 3 e 4 - R$40,00

EU VOLTEI!!!!!!!!!!!!!!!!!

2009-10-19T12:12:00.000-07:00

Sostenuto, de Luiz Arrieta, para o Divinadança: bom de ver

Prometo que não vou mais abandonar o blog... A vida mudou muito e eu nem tive tempo de dividir com vcs! Mudou muitooooooooo! Bom.. para quem ainda não sabe estou morando em SP... trabalhando na São Paulo Companhia de Dança. Tudo foi muito rápido, para vcs terem uma noção (leve) nem o gás na minha casa está instalado. Esse blog nunca recebeu textos em primeira pessoa, mas agora, tudo será diferente e nada será como antes (parece música).

Ontem comecei a minha programação de dança na cidade oficialmente. Fui ao TD Teatro de Dança assistir ao Bem Casado, uma junção do Balé da Cidade de Santos, da talentosa Renata Pacheco e do Grupo Divinadança, que tem direção da Andrea Pivatto! Que delícia! Valeu a pena sair de casa no fim de tarde de um domingo nublado.

As meninas do Balé de Santos, acostumadas as sapatilhas de ponta, apareceram descalças e fizeram um tributo a Edith Piaf. O trabalho é bem acabado e bem dançado por um elenco de meninas jovens com média entre 16 e 20 anos. Dá vontade de ver o espetáculo todo, num palco maior... com as 26 do elenco.

Na segunda parte do espetáculo o Divinadança entrou em cena e mostrou uma dança contemporânea de qualidade. O primeiro trabalho Sostenuto, de Luis Arrieta, é um trois muito bem dançando. A peça foi criada para o Balé do Teatro Castro Alves em 2004 e remontado para o Divinadança em 2008, com música de Rachmaninoff. A coreografia mescla sentimentos e sensações como equilíbrio, desequilíbrio, sustentação, apoio. É impedir que se caia, é resistir, escorar, alimentar, prover, estimular.

(Me desculpem, mas o programa não está aqui e terei que ser super direta. Isso não é uma crítica, e passa perto do comentário). O segundo trabalho da noite foi Tempo Escasso, de Gleidson Vigne. A coreografia é ótima. O movimento (e a cena) percorre a cidade grande de SP e a falta de tempo a que o indivíduo se submete (não pela falta mas sim pelo excesso). O tempo não pára. A criação teve como pensamento base trechos de "Nada é Ipossível de Mudar", de Bertold Brecht. A música é muito bem escolhida e editada e, sobretudo, os vídeos. Eles fazem uma espécie de videodança no palco. Bem feita. Engraçada. Vale a pena ver de novo, se der.

Fui....

Redação Crítica de Dança / Joinville 2009

2009-09-06T14:12:00.001-07:00

Segue abaixo algumas críticas publicadas pelos meus alunos no curso de Redação Crítica de Dança que foi ministrado durante do Festival de Dança de Joinville, em julho deste ano! O pessoal teve contato com a crítica durante três intensos dias e o resultado foi muito interessante. Temos excelentes textos aqui. Obrigada queridos!

Marcela Benvegnu

Alunos!!!! Críticos!!! Produtores de pensamento!!!!

Serenade, com a SPCD

Crítica de VANESSA AMARAL

Encanto e sentimento em noite de gala despertados por Serenade

“Exuberante”. Talvez esta seja a palavra que descreva a atuação da São Paulo Companhia de Dança em Serenade, na noite da última segunda-feira, 20 de julho de 2009. A Companhia apresentou-se no Centreventos Cau Hansen na noite de gala do 27º Festival de Dança de Joinville. No elenco constavam bailarinos das cinco regiões do Brasil e também da Argentina.

Com uma execução e leveza invejável exigida pela coreografia de George Balanchine (1904-1983), sobre a música de Tchaikovsky (1840-1893), a remontagem de Bem Bates encantou o público trazendo algo diferente dos ballet’s habituais.

Serenade não possui uma seqüência de fatos lógicos, Balanchine explorou questões formais impostas pela modernidade, estabelecendo uma relação radical entre som e movimento, sua proposta era esclarecer aos jovens bailarinos a distinção entre bailado em sala de aula e dança no palco.

Mantendo esta relação com sala de aula, o figurino composto por collants e saias longas de tule (também chamadas de tutus românticos) apresentou-se de forma simples e fiel a rotina de sala de aula de diversos bailarinos e bailarinas. Este, contudo dialoga harmoniosamente com o movimento e a marcante luz em fundo azul, que dançava graciosamente junto à Companhia.

Em geral sobre a Companhia é impossível não citar e parabenizar a harmonia presente no palco, que pôde ser facilmente percebida pelo público, pois os bailarinos se entregam e vivem o que dançam como um só corpo. Como resposta, recebem não somente aplausos, lágrimas e sorrisos do público, mas também admiração e respeito por tal obra executada por uma Companhia tão jovem e tão fiel ao que comprometem fazer. Deixando de herança a todos nós, um desejo e curiosidade de apreciar o que ainda está por vir.

Crítica de ANETTE LUBISCO

As rupturas e dissonância provocadas por Les Noces

Na noite de 20 de julho de 2009, as 20 h, no Centreventos Cau Hansen dentro do 27º Festival de Dança de Joinville apresentou-se dentro de sua noite de gala a “São Paulo Companhia de Dança”, apresentando em seu programa também Lês Noces. Lês Noces é um trabalho coreográfico onde se vê presente rupturas e dissonâncias.

A proposta coreográfica se deu a partir da união da coreógrafa bielorussa Bronislava Nijinska e do compositor e musico Igor Stravinsky.

Nijinska criou a movimentação para Lês Noces mostrando movimentos dançados com influência de ritual do casamento da Rússia antiga. Além de imagens vividas pela coreógrafa durante a Revolução da Rússia antiga, as inspirações do gestual moderno dos movimentos de danças folclóricas russas ajudaram na sensação de transmitir aspectos relacionados a rupturas sob que o trabalho se oferece. A mais conhecida criação da russa NIjinska, alia a tradição do balé as vanguardas modernistas do inicio do século XX reforçando a idéia de ousadia que Lês Noces perpassa.

Stravinsky compôs e escreveu a musica em quatro cenas explorando o clima solene dos rituais dos casamentos russos, onde os casais eram determinados pelos pais. A riqueza rítmica da musica oferecida de Stravinky e o teor dramático do trabalho provoca a dissonância refletida por todo momento na obra dançada, onde os integrantes/bailarinos passam a ser vozes coreográficas complementadas com harmonia do movimento e musica, ressoando como num todo. A arrojada musica de Stravinsky funde o folclore russo com modernas rupturas musicais

O figurino é visto sem a ostentação de cor, lembrando roupas do dia-a-dia dos camponeses russos. Les Noces é dançado também por mulheres onde Nijinska coloca a importância do uso da sapatilha de ponta, pois ela queria restituir silhueta alongada que se vê nos ícones russos e noutras imagens tradicionais da igreja Bizantina.

O cenário é feito por Gontcharova – russa – e artista plástica de pesquisa abstrata e que buscou perpetuar a arte popular russa.

O Lês Noces foi dançado pela 1ª vez em 1923 e em Paris e para a remontagem deste trabalho para o “São Paulo Companhia de Dança” foi chamado um “remontador” – bailarino que conhece profundamente a peça e que repassem estes movimentos com fidelidade – a portuguesa Márcia Palmerini.

O “São Paulo Companhia de Dança” foi lançado em janeiro de 2008, por iniciativa do governo do Estado de São Paulo, ocupado por elenco de 40 integrantes e que possui sem duvida resultados interessantes em tão pouco tempo de existência. Lês Noces traz a ousadia e sofisticação desta Companhia de Dança que desponta no mercado cultural mostrando a importância de programas com produção de alta qualidade técnica e artística.

Crítica de KARINA BORJA DE SOUZA

Simplicidade e Beleza

Simplicidade e beleza é como se pode definir o espetáculo da São Paulo Companhia de Dança apresentação ontem no 27º Festival de Dança de Joinville. A Noite de Gala foi enriquecida com as apresentações de "Les Noces" e "Serenade".
"Les Noces" uma criação da bailarina russa Bronislava Nijinska (1891 - 1972), música de Igor Stravinsky (1882 - 1971) e com figurinos e cenários assinados por Natalia Goutcharova (1881 - 1962).

O balé nos remete a antiga rússia onde todos os bailarinos se igualavam num só corpo, com movimentos fortes e próprios, nos trazendo um casamento de camponeses onde o matrimônio era um ato acordado pelos pais.

Delicados movimentos fecha a noite trazendo "Serenade" de George Balanchine (1904 - 1983) e música de Tchaikovsky (1940 - 1893). A suavidade transparecia na luz azul e nos figurinos esvuaçantes nos elevando e nos envolvendo com doces sensações. E essa obra-prima era apenas para mostrar aos alunos a distinção entre bailado em sala de aula e a dança no palco.

Foi uma noite que permeou entre o forte e o suave, o brutal e o delicado, e esse trabalho nos mostra o que uma companhia, mesmo sendo formada há pouco mais de um ano, tem a limpeza em sua assinatura e a dedicação dos bailarinos e remontadores levando aos que assistem a tristeza e a alegria em, apenas, alguns minutos de diferença.

Crítica de NILDA NAZARÉ PEREIRA OLIVEIRA

Os sentimentos que a dança pode despertar

Na Noite de Gala do 27º Festival de Dança de Joinville pudemos assistir a apresentação da São Paulo Companhia de Dança, que trouxe duas das coreografias de seu repertório: Les Noces e Serenade. A apresentação ocorreu no Centreventos Cau Hansen, para uma platéia de, aproximadamente, 4.500 pessoas.

A coreografia Les Noces retrata um casamento camponês, na Rússia do início do século XX, quando os noivos eram escolhidos pelas famílias e só se conheciam no dia do casamento. A obra foi criada em 1923, por Bronislava Nijinska (Minsk, 8 de janeiro de 1891 — Los Angeles, 21 de fevereiro de 1972). Trata-se de um Ballet em quatro atos: a Bênção da Noiva, a Bênção do Noivo, a despedida da Noiva da casa dos pais e a festa de casamento.

Os cenários austeros, que retratam casas camponesas, com suas paredes nuas pintadas de bege, o figurino em tons de bege e marrom e a forte música de Stravinsky (Oranienbaum, 17 de Junho de 1882 – Nova York, 6 de Abril de 1971), dão um tom extremamente sombrio, e refletem todo o sofrimento de uma jovem que não deseja realizar aquele casamento, da forma como era de costume.

Serenade, de George Balanchine (São Petersburgo, 22 de Janeiro de 1904 – Nova Iorque, 30 de Abril de 1983), foi criada sobre a Serenata em Si Maior para Cordas, Opus 48 de Tchaikovsky (Kamsko-Wotkinski Sawod, 7 de maio de 1840 - São Petersburgo, 6 de novembro de 1893), em 1935, e é o oposto, se assim podemos dizer, de Les Noces. Trata-se de uma coreografia leve e suave, que dialoga perfeitamente com o figurino em tons de azul, e saias de tule esvoaçantes, que, em conjunto com a iluminação também azul, reproduzia uma cena às vezes parecendo o mar, outras o céu.

Os bailarinos executaram as duas coreografias numa harmonia muito grande, demonstrando grande interação, o que é surpreendente para uma Companhia criada há tão pouco tempo, a São Paulo Companhia de Dança foi criada há pouco mais de um ano e meio, em janeiro de 2008.

Entretanto, o que mais chamou a atenção na apresentação da Noite de Gala foi o tipo de sentimento que uma coreografia de dança pode despertar.

Certamente o público do Festival é diferenciado, são pessoas que vivem e valorizam a dança, a elite da dança no país e, mesmo neste público, pode-se observar um sentimento de angústia, sofrimento e nostalgia evocados por Les Noces, refletido nas palmas reticentes e manifestações contidas, completamente contrárias ao que ocorreu em Serenade, quando a platéia explodiu em aplausos e manifestações de euforia.

Para quem afirma que em Ballet Clássico “é tudo igual”, vale a pena assistir a essas duas coreografias, para perceber os sentimentos que a dança pode despertar.

Crítica de MICHELLE CAMARGO

Quem precisa de príncipes e fadas?

Seguindo a tradição de alto padrão dos trabalhos apresentados na Noite de Gala, o 27º Festival de Danças de Joinville trouxe ao palco duas obras primas da dança clássica: Les Noces, de Bronislava Nijinska e Serenade, de George Balanchine, ambos primorosamente interpretados pela São Paulo Cia de Dança.

Acreditar que apenas príncipes e fadas emocionam e encantam o público do Festival é equivocadamente privar-se do despertar de novas emoções que a dança é capaz de proporcionar.

Em Les Noces, a intensidade da música de Stravinsky aliado à narrativa do balé traduz o sentimento de um período difícil na Russia, porém a força dos movimentos e a performance dos bailarinos da São paulo Cia de Dança trazem à tona o olhar de encantamento e admiração característicos do público dos prícipes e das fadas.

Já em Serenade, este olhar se reconhece na inteligência de Balanchine, que de forma delicada, poetiza o cotidiano de mais uma de suas belíssimas criações e no corpo da São paulo Cia de Dança, acolhe o olhar hipnotizado da platéia.

Se os príncipes e as fadas não estiveram presentes no palco da Noite de Gala do 27º Festival de Joinville, isso já não mais importa. Levamos para casa a descoberta de que emocionar-se é preciso, basta abrir bem os olhos, a mente e o coração!

Crítica de CAMILA EMBOAVA

Serenade. Ah, e então?

Serenade, criada em 1935, foi a primeira obra que George Balanchine (1904-1983) coreografou para os alunos de sua escola, a School of American Ballet. O coreógrafo pretendia ensinar a seus alunos a diferença entre a movimentação de aula e os bailados de palco, daí nota-se as inclinações de corpo, os braços mais leves, a movimentação menos rígida e acadêmica que acabou por “inaugurar” o balé neoclássico.

Ontem, o público do Festival de Dança de Joinville pôde ver no palco principal a remontagem de Serenade dançada pelos bailarinos da São Paulo Companhia de Dança.

Para que Serenade acontecesse, a companhia contou com a orientação do bailarino e professor belga Bem Huys, que dançou no New York City Ballet durante anos e ensinou tanto a coreografia e musicalidade aos bailarinos quanto a luz e o figurino aos técnicos.

O balé começa com 17 bailarinas no palco espalhadas de uma forma não-convencional e bela. O primeiro gesto da obra foi baseado em uma das bailarinas, que protegia o rosto do sol quando o coreógrafo chegou na sala. O balé inteiro acontece com intervenções de movimentações que simbolizam algum fato ocorrido durante os ensaios. A bailarina que chega atrasada e procura seu lugar, a bailarina que cai durante o ensaio, as moças limpando o suor. A obra diz sobre o cotidiano das bailarinas de Balanchine.

Durante o espetáculo fico imaginando o tamanho da comoção que a apresentação de Serenade causa aqui, em Joinville, onde grande parte do público tem envolvimento com a dança. Quantas meninas da platéia devem ter se reconhecido no atraso de uma das bailarinas? Quantas se identificaram com o “choro” de uma das alunas de Balanchine representado em cena?Assim como a queda da bailarina e o sol na janela das salas de dança, o balé Serenade é atemporal.

A musicalidade é impressionante, nenhum acorde parece ter sido desperdiçado, fica a impressão de que dança e música co-existem, Serenade foi feito para a música de Tchaicovsky (1840-1893) e é evidente que não existiria sem ela. Mas depois de ver Serenade no palco fica difícil imaginar que a música exista sem a coreografia. A iluminação azul e o figurino claro dialogam perfeitamente com a movimentação e são essenciais para fazer o mundo de Serenade existir. O balé tem uma dramaturgia inerente, cravada. E chega. Chegou em mim, chegou nas amigas que assistiram do meu lado, chegou até aos pré-adolescentes que não paravam de se mexer e conversar enquanto a São Paulo dançava Les Noces e que na metade de Serenade pareciam absorvidos.

A performance da São Paulo Companhia de Dança estava sublime. A movimentação rápida dos pés, as inclinações, a intenção de movimento, o vento de Balanchine estiveram muito dentro daqueles corpos que se organizavam no espaço e na música entre giros, saltos e braços de um jeito leve, deslizante, sutil e preciso.

A noite de ontem, pela riqueza da apresentação, me lembrou um poema inglês da época do romantismo, chamado A Flor Azul. Azul, como Serenade.

E se você dormisse? E se você sonhasse? E se em seu sonho você fosse ao paraíso e lá colhesse uma flor bela e estranha? E se, ao acordar, você tivesse a flor entre as mãos? Ah, e então?

Crítica de ANDRÉ LIBERATO

3 em 1

Que a SPCD é um projeto estridente, porém muito competente da secretaria de cultura do estado de São Paulo nós já sabíamos. Que Balanchine (1904-1983), russo de nascença radicado nos EUA, foi o grande inaugurador do neoclassicismo na dança nós também sabíamos. Que Joinville é o maior festival de dança do mundo segundo o próprio Guinness book, além de sabido, é também motivo de orgulho para todos nós que torcemos por uma dança mais disseminada e valorizada.

Bem, a soma de toda essa grandiosidade reunida deve servir para nos ensinar muitas coisas, uma delas, a que considero principal, é o caráter didático que Serenade imprime a um festival cujo carro-chefe ainda é o balé. Me explico melhor: assistir um clássico de Balanchine em Joinville é muito importante para que as diversas academias espalhadas pelos quatro cantos do Brasil, aqui reunidas, possam perceber um pouco da origem daquilo que estão fazendo, aprimorando, assim, seus próprios trabalhos. Afinal, Balanchine representa um divisor de águas na história do balé e, sem dúvida, é extremamente responsável pela visão que temos hoje da bailarina clássica.
Outro fator importante é a confirmação da possibilidade de termos no Brasil uma companhia clássica de alto nível técnico e investimento suficiente (que não é pouco) para manter essa qualidade.

Ainda que o projeto esbarre inevitavelmente numa tendência em supervalorizar os modelos estrangeiros, é inegável que o trabalho da SPCD tem se mostrado muito sério e capaz de elevar a dança ao status de maior prestígio na nossa sociedade.
Quanto ao trabalho em si, a obra de Balanchine me parece muito ousada quando vista imersa numa época em que o balé se apoiava em excesso nas narrativas lineares e nos recursos miméticos, mesmo considerando que o panorama americano, onde foi criada a obra, já se mostrava moderno desde as primeiras investidas de Lincoln Kirstein (1907-1996) na criação de um balé nacional.

A fruição estética de Serenade, apoiada na bela música de Tchaikovsky, e reforçada pela luz e figurinos nos leva a sonhar com a possibilidade de leveza daqueles corpos, numa tentativa de apreender seu espírito e trazê-lo para os tempos difíceis que vivemos. É claro que isso só é possível gaças a alta qualidade técnica dos bailarinos e do trabalho rigoroso de remontagem da obra.

Faço aqui um parênteses: a entrada do primeiro bailarino (a obra é um culto à figura feminina), o seu figurino e gestual diferenciado, quebra a construção cresente a que o espetáculo se encontrava no momento de sua entrada. Retomando a idéia de balé de ação de Noverre (1727-1810) que sugeria uma dança composta por inúmeros “quadros” em sequência, o novo que se estabelecia com a presença masculina contrapôs com o restante de tal maneira, como seria colocar uma Tarsila ao lado de um Iberê na mesma sala de exposição. No entanto, esse elemento não é grande o bastante para retirar a beleza e encantamento da obra.

É por tudo isso que considero o encontro entre a SPCD, Balanchine e Joinville de extrema valia para entendermos melhor esse ofício da dança que tanto amamos, mas que sofre com a ausência de conhecimento do passado que poderia auxiliar (e muito!) na construção de um caminho mais sábio no futuro.

Crítica de LEILA PATRÍCIA TORRES

Ousadia e leveza na Noite de Gala do Festival de Dança de Joinville

Como seria acompanhar um ensaio de bailarinos em sua rotina diária? a bailarina chegando atrasada, enxugando o suor ou protegendo seu rosto de uma fresta de luz? quem sabe até mesmo presenciar a queda de uma bailarina
no ensaio? Todos esses elementos, que passam às vezes despercebidos pelo público, estão diluídos em Serenade que retrata cada movimento com muita poesia e leveza.

Serenade é de autoria do coreógrafo George de Balanchine (1904 - 1984), e música de Tchaikvisky (1840 - 1893), a coreografia foi criada inicialmente para os alunos da School of American Ballet, e partiu de exercícios que tinham a intenção de mostrar aos alunos a diferença entre o bailado em sala de aula e a dança no palco. Serenade teve sua primeira apresentação em 1934 com alunos da escola, e sua estréia profissional deu-se em março de 1935.

Serenade não possui cenário ou objetos cênicos, apenas a luz azul que cria uma atmosfera atemporal e celestial. O figurino é simples, de saias longas de tule que trazem a estética do ballet romântico. A apresentação
de Serenade na Noite de Gala foi marcada pela ousadia tanto pela grandeza do espetáculo ser encenado por jovens bailarinos quanto pela própria São Paulo Companhia de Dança que também é muito jovem, foi lançada em janeiro de 2008, pela Secretaria de Estado da Cultura de São Paulo, a direção artística é de Iracy Cardoso e Inês Bogéa.

A SPCD montou o espetáculo com a ajuda do professor belga Ben Huys, indicado pelo Balanchine Trust que ensinou a coreografia original aos bailarinos: os movimentos, a colocação de cada um no espaço do palco, a
musicalidade e as intenções dramáticas. Enfim, a beleza do espetáculo impressiona pela simplicidade e leveza, saímos do espetáculo leves e felizes em saber que ainda se investe recursos financeiros e apoio governamental ao clássico.

Eu voltei!!!!!!!!!!!!!

2009-08-11T15:20:00.000-07:00

Queridos,

Há muito tempo não sabia o que era tirar férias. E esse ano, TIREI. De tudo. De todos. Do jornal. Do Blog. Até de mim mesma. E como foi mara! (maravilhoso). Mas agora é hora de voltar a ativa, de atualizar essas páginas e contar coisas que vivi, vi, senti. Prometo para semana que vem um texto sobre Billy Elliot, O Musical, que acabei de assisitir na Broadway em NY. Simplesmente sem palavras de tão maravilhoso. Vou também contar da aula de jazz (história e lyrical) que eu e a Erika Novachi demos em NY, na Broadway Dance Center. Foi demais.

Também preciso postar aqui as redações críticas dos meus alunos no Festival de Dança de Joinville (um texto melhor que o outro), e as prometidas críticas do Festidança, que aconteceu em junho (que vergonha - atraso básico).

Eu volteiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiii!
Beijos que dançam para vcs! :- )

Olhares múltiplos

2009-06-24T07:34:00.000-07:00

Foto: Lenise Pinheiro
Legenda: Iracity Cardoso, diretora artística da SPCD

Criadora do Centro de Dança da Galeria Olido, em São Paulo, e diretora do Ballet Gulbenkian de Portugal de 1996 a 2003 — onde também foi co-diretora (1988-1993) —; Iracity Cardoso dirige a São Paulo Cia. de Dança, com olhares múltiplos. Experiência ela tem. Foi bailarina e assistente de direção do Ballet du Grand Theatre de Genève (1980-1988), além de bailarina do Staats Theather Karlsruhe e do Stadt Theater Bonn, na Alemanha; e do Stadt Theater Marseille, na França. Em entrevista ao Jornal de Piracicaba, Iracity faz um balanço das atividades da companhia em seu primeiro ano de fundação e fala sobre a pluralidade das gramáticas corporais adotadas pela direção. Confira os melhores trechos.
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Como olhar para a companhia pouco mais de um ano depois da sua fundação?
Iracity Cardoso — Olho para trás com bastante orgulho. Vejo o progresso e uma estrutura cada vez mais sólida. Acho que fizemos muitas coisas nesse período. Se pararmos para analisar temos menos de um ano da estréia do primeiro trabalho (Polígono, do italiano Alessio Silvestrin) e desde então não paramos de realizar projetos, como o Corpo a Corpo, o Figuras da Dança, e outros. Nesse período tivemos três obras criadas especialmente para a companhia (Polígono; Ballo, de Ricardo Scheir, e Entreato, de Paulo Caldas) e três obras de repertório (Serenade, de George Balanchine; Les Noces (1923), de Bronislava Nijinska (1891-1972) e Gnawa, de Nacho Duato).
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Todos esses trabalhos apresentam estilos plurais. Como o corpo dos bailarinos reagiu a isso?
Iracity — Para alguns bailarinos esse processo foi realmente difícil por muitos não estarem acostumados com essas diferentes técnicas. O contato com o contemporâneo, esse trabalho no qual o intérprete também colabora com a criação, foi novo para alguns. Nos grandes conjuntos, não somente de Serenade, mas de Les Noces, eles tiveram que se adaptar ao rigor e à disciplina da forma. O diferencial de tantas linguagens é que trouxemos remontadores para cada uma das obras, e temos o cuidado para que todas sejam interpretadas como únicas dentro de sua proposta original, fazendo com que os estilos não se misturem.
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Qual o motivo da escolha de Daniela Cardim (Het Nationale Ballet) para assinar a nova produção da companhia que estréia em outubro, no Teatro Alfa?
Iracity — Daniela é uma bailarina carioca, que está em Amsterdã há muitos anos e já iniciou uma carreira como coreógrafa. Queremos dar oportunidade a esses jovens criadores que estão no exterior. A coreografia ainda não tem título e ela trabalha com os bailarinos nas pontas, com a movimentação contemporânea.

SPCD pelo interior

2009-06-24T07:32:00.000-07:00

Serenade, coreografia de George Balanchine criada há 75 anos / foto: Alceu Bett

Marcela Benvegnu

Com pouco mais de um ano de existência, seis montagens no currículo — três exclusivas —, diversos projetos educativos e um livro a ser lançado, a São Paulo Companhia de Dança (SPCD) tem consolidado sua (boa) imagem no país. Excursionando pelo Brasil com trabalhos que abrangem diversas gramáticas corporais, a companhia chega a Piracicaba amanhã, às 21h, no ginásio do Sesc Piracicaba, para apresentar dois trabalhos: Serenade (1935), de George Balanchine (1904-1983), um dos maiores clássicos da dança mundial, e Gnawa (2005), de Nacho Duato (1957). Além das apresentações estão previstas duas atividades gratuitas da SPCD na cidade. A diretora artística adjunta da companhia, Inês Bogéa, ministra a palestra Corpo a Corpo, hoje, às 19h, no Sesc, e amanhã, às 10h, Ricardo Scheir — professor, coreógrafo e ensaiador da SPCD — ministra aula de balé clássico para interessados, no mesmo local.
Serenade, de Balanchine, é uma obra comprometida com a música de Pietr Ilyitch Tchaikovsky (1840-1893), e revela formas incomuns em sua formação — como um grupo de cinco ou 17 bailarinas. Sem contar que o coreógrafo incorporou incidentes como o atraso de uma bailarina, o gesto que outra fizera para se proteger do sol, e a queda de uma terceira, como parte da coreografia. Balanchine nunca admitiu a existência de um enredo em Serenade, porém, é nítida a sensação que a partitura corporal aponta para uma narrativa. A coreografia teve sua estréia em junho de 1934 — há exatos 75 anos — com a School of American Ballet, e depois de algumas mudanças, em 1935, foi incorporada ao repertório do American Ballet Theatre.
A SPCD estreou Serenade, como coreografia de seu segundo programa — o primeiro trabalho foi Polígono, do italiano Alessio Silvestrin — em novembro do ano passado. A remontagem de Ben Huys (1967), atual ensaiador da The George Balanchine Trust, é sobre a música Serenade for Strings in C, Op. 48 (1880), de Tchaikovsky. “Serenade é um trabalho muito importante. É a primeira vez que uma companhia paulista apresenta um trabalho de Balanchine deste porte. Ficamos muito felizes em poder levá-lo para interior de São Paulo e litoral. Isso é um projeto da companhia. Serenade, além de lindo, apresenta uma musicalidade excepcional e é nesta obra que podemos ver o deslumbrante trabalho de Balanchine com o uso do espaço”, fala Iracity Cardoso, diretora artística da companhia (leia entrevista nesta página).
A segunda peça da noite, Gnawa, de Duato — diretor da Compañía Nacional de Danza, da Espanha — revela o bom encontro do corpo brasileiro com o estilo do coreógrafo. De origem sub-saariana, os gnawa — uma confraria mística muçulmana do norte da África — incorporam cantos às suas práticas espirituais, e Duato adota como base do trabalho canções dessa comunidade. Gnawa pode ser pensada como um desdobramento do interesse do coreógrafo desperto por Mediterranea — coreografia de 1992 — , acrescida de certa luminosidade, calor exótico e música ritualística.
Segundo Iracity, o trabalho de Duato tem relação direta com o corpo brasileiro. “A companhia estreou esta obra no ano passado, e Duato tem uma carreira internacional consolidada. Gnawa apresenta esse ritual do norte da África e somado à música percussiva, tem muito no nosso temperamento”, fala a diretora.
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MOVIMENTO PARALELO
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Antes das apresentações de Serenade e Gnawa, a SCDP promove duas atividades em Piracicaba. A primeira está marcada para hoje, às 19h, no Sesc, quando a diretora adjunta da companhia, Inês Bogéa, ministra a palestra Corpo a Corpo. “Corpo a Corpo procura aproximar o público mais amplo do universo da dança e ressalta o quanto de dança existe no nosso cotidiano”, fala Inês. “Por outro lado, ao revelar um pouco dos processos criativos e dos bastidores do trabalho da São Paulo Companhia de Dança, procuramos mostrar as diferentes profissões que integram um espetáculo”, completa.
Também amanhã, às 10h, no Sesc, o coreógrafo Ricardo Scheir — que assina Ballo, último trabalho da SPCD, e é professor e ensaiador da companhia — ministra uma aula de balé clássico para os alunos inscritos na oficina. “A minha aula é sempre uma surpresa. Não tenho como preparar nada anteriormente porque não conheço os corpos com que vou trabalhar. Até pedi para a organização que não estipulasse o nível das aulas, porque assim podemos sempre curtir algo diferente”, fala Scheir.

Panorama Sesi traz "bons" trabalhos

2009-06-24T07:28:00.000-07:00

crédito: Lu Barcellos / Quasar Cia. de Dança

Marcela Benvegnu

Antes de aquecer as sapatilhas e os olhares para o Festival de Dança de Joinville, entre os dias 8 e 19 de julho, acontece a 9ª edição do Panorama Sesi de Dança, no Teatro do Sesi, em São Paulo. Pela segunda vez com a curadoria da coreógrafa, diretora e atriz Renata Melo, o panorama propõe um olhar sobre companhias de características distintas: grandes, pequenas, antigas, novas, com e sem subsídios, daqui e de fora, com estilos e técnicas variadas, com maneiras próprias de se produzir, com mais ou menos dificuldades em se manter.
O evento conta com apresentações gratuitas da Cia. Borelli de Dança, que faz a estréia nacional de seu novo trabalho, além das primeiras apresentações em São Paulo dos novos espetáculos da Quasar Cia. de Dança e da Staccato/Paulo Caldas. Além das três, o público poderá assistir gratuitamente a trabalhos recentes e elogiados da Cia. Druw — que esteve em Piracicaba no mês passado — , do Balé da Cidade de São Paulo, da Cia. Fragmento, da Cia. de Danças de Diadema e da Bruno Beltrão Grupo de Rua.
Renata comenta que “o público poderá observar como as características da formação de cada grupo determinam a qualidade e a natureza de seus trabalhos artísticos. A estréia nacional de Estado Independente, da Cia Borelli de Dança, de São Paulo, e a primeira apresentação na cidade de Céu na Boca, da Quasar Cia de Dança, de Goiânia, e de Quinteto, da Staccato/Paulo Caldas, que colheu excelentes críticas em sua recente estréia no Rio de Janeiro, conferem ao evento prestígio e visibilidade”.
A curadora comenta que o mesmo se dá com a participação do Balé da Cidade de São Paulo, a tradicional companhia municipal, com o espetáculo Canela Fina, merecedor de excelentes críticas e que permaneceu por pouco tempo em cartaz. A apresentação de H3, do Grupo de Rua/Bruno Beltrão, de Niterói, oferece ao público a possibilidade de verificar uma companhia nova, pouco conhecida em São Paulo e que vem obtendo grande projeção, além de elogios da crítica, no exterior. A Companhia de Danças de Diadema mostra Quixotes do Amanhã — também já vista em Piracicaba, no Sesi — como fruto de um trabalho sério e dedicado feito com comunidades carentes de sua cidade.
Já a Cia. Druw, de São Paulo, com trajetória heróica típica de grupos que trabalham com pequenos subsídios, mostra o excelente Lúdico, dirigido pela prestigiada diretora Cristiane Paoli Quito. O espetáculo, que agrada crianças e adultos, é inspirado no pintor russo Wassily Kandinsky. A jovem Fragmento Cia, de Dança apresenta Sob a Nudez dos Olhos, uma peça sensível, inspirada na ficção literária Ensaio Sobre a Cegueira, de José Saramago.
O Panorama Sesi de Dança surgiu em 2001, quando passou a integrar a programação fixa do Teatro do Sesi São Paulo. Desde então, o projeto apresentou 90 coreografias para mais de 32 mil pessoas. Nestes oito anos de história, o palco paulistano recebeu companhias como Cia. Deborah Colker, Quasar, Cisne Negro Cia. de Dança, Cia Nova Dança, Cia. de Dança Palácio das Artes e a internacional Wood Dance Company, de Nova York, além de um espetáculo inédito da bailarina Regina Advento, que integra a Tanztheater Wuppertal Pina Bausch.

Para a dor: dança de prazer / Ballet de Londrina

2009-06-24T07:26:00.000-07:00

crédito: Izabela Figueiredo

Marcela Benvegnu

Depois de um bem-sucedido “Decalque”, o Ballet de Londrina volta à cena para estrear seu mais novo trabalho. “Para Acordar os Homens e Adormecer as Crianças”, nos dias 17, 18 e 19 de junho, no Filo (Festival Internacional de Londrina), em Londrina. O trabalho, com coreografia de Leonardo Ramos, desencadeia por meio dos movimentos uma condensação da passagem do tempo, representada por nascimento, crescimento e maturidade.
“Para Acordar os Homens e Adormecer as Crianças” começou com a tentativa de tratar do tema da vadiagem, do ócio, do curtir a vida e acabou sendo uma alegoria sobre a quebra da dor para uma possível liberdade. O que aconteceu não foi um desvio: as obras artísticas parecem ter suas vontades e seguir os caminhos da própria existência humana. A dor, que estabelece relação contrapontística com o prazer para compor a dinâmica da vida, não poderia ficar de fora do espetáculo sem que sua ausência não fosse notada.
Assim, os movimentos dos bailarinos desencadeiam uma condensação da passagem do tempo, representada por nascimento, crescimento e maturidade. O espetáculo pretende ser como morfina para esta dor, uma hora em que a dura e incontornável realidade pode ser vista em terceira pessoa, diluída na precisão e beleza dos movimentos da dança. Gestos que remetem ao funcionamento do relógio, o contraste provocado pela presença do corpo do bailarino de 13 anos, tudo transmite a sensação da impermanência humana, revelada no próprio processo de envelhecimento.
O entorpecimento aparece cenicamente como elemento necessário para a transição do self. A lisergia, encarada como possível reconfiguração do real, coincide temporalmente com o meio-caminho entre a infância e a velhice. A trilha sonora, que surgiu depois de boa parte da coreografia, revela também o mesmo princípio. As músicas de pós-rock — e por proporem composições líricas na sonoridade própria ao rock — cumprem bem o papel de sublinhar as tensões e relaxamentos coreográficos do espetáculo.
A obra foi um desafio por ser uma tentativa de sair do consolidado “Decalque”, que permaneceu por dois anos nas mentes e corpos dos bailarinos da CIA. Ballet de Londrina. O novo espetáculo busca novas direções, baseando seu norte em trabalhos mais antigos da companhia em que o movimento, em detrimento do enredo, é o principal elemento constitutivo da obra.
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CIA — O Ballet de Londrina é um grupo profissional de dança contemporânea formado por 13 bailarinos. Criada em 1993, a Companhia já montou e apresentou 22 espetáculos de dança contemporânea, fez 11 turnês nacionais e 9 viagens internacionais. O grupo é mantido pela Fundação Cultura Artística de Londrina (Funcart), uma organização não governamental cujo principal objetivo é democratizar o acesso à formação e produção cultural de qualidade, por meio de uma ampla rede de projetos.

Tô atrasada!

2009-06-24T07:24:00.000-07:00

Esse post não tem fotos... só palavras.
Para dizer o quanto eu estou em falta com a atualização. Isso que eu produzi muito nesses dias. Vou postar agora uma matéria do Ballet de Londrina que escrevi há semanas, depois todas as críticas que foram publicadas no Festidança, que eu fui crítica, em São José dos Campos, e depois comentarei o falecimento do crítico de dança Roberto Pereira.
Vamos trabalhar! Tudo É Dança...

Divinadança se apresenta AMANHÃ, em SP

2009-06-03T08:16:00.000-07:00

Marcela Benvegnu

Com direção de Andréa Pivatto, o Grupo Divinadança, sobe ao palco do Auditório Marista Glória, em São Paulo, amanhã, às 20h30, para apresentar "3 em 1", programa que compreende três leituras contemporâneas de diferentes coreógrafos sobre questões humanas, cotidianas. Em cena, os corpos traduzem olhares sensíveis sob a ótica masculina que percorrem a diversidade das relações entre o homem e seus pares, o homem e seu ambiente, o homem e seu próprio reflexo visto no outro. A entrada é gratuita.

Milton Coatti apresentará seu "Todas As Cartas de Amor São Ridículas", baseado na obra homônima de Álvaro de Campos. No olhar do coreógrafo, o material não seria cartas de amor se não fossem ridículas. O que é revelado, se observa diariamente em experiências pessoais ou contos de vida.

Criado para o Balé do Teatro Castro Alves em 2004 e remontado para o Divinadança em 2008, com música de Rachmaninoff, do argentino Luis Arrieta é um trio composto por dois homens e uma mulher, que mescla sentimentos e sensações como equilíbrio, desequilíbrio, sustentação, apoio. É impedir que se caia, é resistir, escorar, alimentar, prover, estimular.

Já "Tempo Escasso", de Gleidson Vigne , percorre a cidade grande e a falta de tempo a que o indivíduo se submete não pela falta mas sim pelo excesso. O tempo não pára, mas nós é que o tornamos escasso nas nossas escolhas. A criação teve como pensamento base trechos de "Nada é Ipossível de Mudar", de Bertold Brecht.

O GRUPO - O Grupo Divinadança foi formado em agosto de 2007 para participar do Projeto Curadores Associados no Teatro da Dança em São Paulo e teve sua estréia em 10 de outubro deste mesmo ano. Com o processo e incentivo passou a contar com a criação de outros coreógrafos como Luis Arrieta, cuja estréia de sua obra ocorreu de março de 2008 em São José dos Campos. Em de novembro de 2008 realizaram estréia de "Instigate" de Carlos dos Santos Junior, bailarino e coreógrafo radicado em NY, ex-integrante da Cia. Alvin Ailey, dentro do projeto Conexão Internacional de Dança realizado no Teatro Sergio Cardoso. Com bailarinos que se revezam a cada espetáculo, oriundos em sua maioria do Pavilhão D Centro de Artes e hoje pertencentes aos corpos estáveis de diversas cias profissionais entre elas Grupo Raça, Cia de Danças de Diadema, Pavilhão D, Cia de Dança de São José dos Campos, Balé da Cidade de São Paulo, São Paulo Cia de Dança, P.U.L.T.Z. Teatro Coreográfico e outros grupos, a companhia conta também com a colaboração de artistas oriundos das artes plásticas e performáticas e produção do próprio grupo.

PARA VER - Grupo Divinadança, com direção de Andrea Pivatto.Amanhã, às 20h30, no Auditório Marista Glória (rua Justo Azambuja, 267), no Cambuci. Entrada gratuita. Mais informações (11) 3207-5866.

5º Sapateia São Paulo vem aí!!

2009-06-01T06:49:00.000-07:00

Foto: Reginaldo Azevedo
5ª edição do Sapateia São Paulo será nos dias 6 e 7 de junho

Marcela Benvegnu

Parece foi ontem que aconteceu em São Paulo a primeira edição do Sapateia São Paulo, um evento que reúne sapateadores de todo o Brasil para comemorar o Dia Internacional do Sapateado, dia 25 de maio, aniversário de Bill Bojangles Robinson (1878-1949), organizado pela sapateadora Christiane Matallo. A principal filosofia do evento, que nos próximos dias 6 e 7 de junho, chega a sua 5ª edição, é difundir, trocar e divulgar experiências sobre a arte do sapateado no Estado de São Paulo. Por meio da lei 14.347/07 aprovada em 2007 pelo vereador Adolfo Quintas, a atividade faz parte do calendário oficial do município, para uma maior organização e popularização desta arte no país.
Devido ao crescimento do número de participantes, bem como a qualidade dos trabalhos apresentados, o evento é recheado de atividades, como jam session, oficinas, desfile e espetáculo. A programação começa no dia 6, no período da manhã, no parque do Ibirapuera, com a Sapateandança e a Tap Mostra. Na Sapateandança, os presentes fazem um desfile pelo local ao ritmo da Escola de Samba Mocidade Alegre, e na sequência apresentam seus trabalhos coreográficos na Tap Mostra. Ainda no sábado, a Tap Jam, no Conservatório Souza Lima (rua José Maria Lisboa, 745), nos Jardins, marca o término das atividades do primeiro dia, às 18h. A entrada é gratuita.
Para participar da Tap Mostra é preciso inscrever o seu trabalho coreográfico gratuitamente via blog (sapateiasaopaulo.blogspot.com). Tanto na Tap Mostra, quanto na Sapateandança o ingresso é a camiseta do evento, que deve ser vestida por todos e adquirida diretamente na Só Dança (rua Augusta, 2672/ (11) 3064-7773). Os participantes também devem doar dois quilos de alimentos não perecível, que podem ser entregues e colocados em frente ao palco no dia da apresentação. Aqueles que forem se apresentar na Tap Mostra devem impreterivelmente integrar o desfile da Sapateandança.
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Christiane Matallo, organizadora e diretora do evento

AULAS PRÁTICAS — No domingo, dia 7, é hora de agitar as plaquinhas. A novidade desta edição fica por conta de três diferentes programas de aulas, um para alunos de nível básico; outro para alunos de nível intermediário/avançado; e o último que une os programas anteriores. No primeiro programa estão previstas as aulas de Fernanda Moreira, das 9h às 10h; de Luciana Polloni, das 10h15 às 11h15; e de Claudia Leoni, das 11h30 às 12h30. O segundo programa tem início às 14h, com a aula de Christiane Matallo, seguida de Luizz Baldijão, às 15h15, e de Kika Sampaio, às 16h30. O investimento o programa um e dois é de R$ 120, e aqueles que optarem pelo programa três pagam um total de R$ 200. Inscrições e informações pelo sapateiasaopaulo.blogspot.com.
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Bojangles, sempre eterno

BOJANGLES — A contribuição de Bojangles para o sapateado foi muito valiosa e específica: ele levou o estilo para a meia ponta, trazendo aos palcos uma leveza e clareza jamais vistas na tradição dos hooffers que dançavam com os pés inteiros no chão. Nasceu em Richmond, Virgínia, e em 1898 foi para Nova York. Aos 31 anos foi reconhecido e contratado pela produção do show “Blackbirds”, onde apresentava um número em que subia e descia uma escada sapateando. Mais tarde esse seria o marco de sua carreira. Com o sucesso de “Blackbirds”, tornou-se respeitado e passou a ser o primeiro negro a conquistar um papel na Broadway, em 1930, com o musical “Brown Buddies”. Ele também conquistou Hollywood (em 1932), onde liderou o primeiro casal inter-racial da história do cinema americano, contracenando com Shirley Temple, em “The Little Colonel”.

As noivas de Iazetta

2009-05-26T09:42:00.001-07:00

Marcela Benvegnu

Um projeto em processo. Assim é “Noiva Despedaçada — Forma e Estilhaçamento”, trabalho de dança contemporânea, coordenado pelo bailarino e diretor Ricardo Iazzetta, que ganha os palcos do TD — Teatro de Dança, em São Paulo, de hoje ao dia 24, e de 29 a 31 de maio, pela primeira vez. A ação, que integra a 4ª edição do programa Artista da Casa — no qual duas vezes por ano um artista consagrado é convidado para elaboração e apresentação de espetáculo inédito — propõe o entrelaçamento de discursos artísticos, e contempla dois momentos essenciais do processo de criação: a construção aberta e as performances. A apresentação de hoje é fechada para convidados.
Iazzetta dirige, ao lado de Key Sawao, a Key & Zetta e Cia., onde realizam suas criações focadas na pesquisa de linguagens corporais e suas inter-relações, convidando outros artistas para integrarem os processos criativos. “Reunimos uma série de ações artísticas que envolvem a linguagem da dança, vídeo, culinária, criação de figurino, ambientação do espaço e música, para, a partir da figura da noiva, questionar um possível esvaziamento de sentido do ritual e dos mitos na sociedade contemporânea”, fala.
Nos próximos dias 27 e 28 de maio, acontece no TD, das 14h30 às 21h, o Construção Aberta, uma parte do projeto “Noiva Despedaçada — Forma e Estilhaçamento”, que abre ao público, em sessões gratuitas, o processo de construção das performances. O público interessado pode observar a discussão e concepção sobre as performances, o figurino, as cenas, luz, ambientação do espaço.
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PERFORMANCES — Os convidados hoje irão se deparar com “Coquetel das Noivas no Salão”. A performance se desenvolve num coquetel de casamento, realizado no palco do TD. Durante a intervenção cênica, o salão será invadido por noivas, suas aspirações e desejos. O chef convidado Ricardo Pastore, especializado em festas de casamento, estará à frente do cardápio e o poeta e músico Domenico Coiro fará uma intervenção no início da coreografia.
Amanhã, às 20h, e domingo, às 18h, é a vez de “Vídeos + Solos de Ascese + Receita de Bolo + União dos Opostos”, um programa que envolve a vídeo arte de Rodrigo Araujo, do Coletivo Bijari, dança, e a performance de oito bailarinos que apontam poeticamente na direção de uma reflexão sobre o desejo de ascensão, seus percursos, possibilidades e impossibilidades.
É de 29 a 31 de maio — sexta 21h, sábado 20h, e domingo 18h — que “Noiva Despedaçada” se revela. Iazzetta faz uma incursão na linguagem da dança, do teatro e da performance, numa sequência de ações físicas, para reconstruir um ambiente e refletir sobre as possibilidades do amor, da união e da existência. Para tanto, ele usa depoimentos e citações sobre o amor sublime, estilhaçando e desenvolvendo formas para investigar a potência da dinâmica da quebra e reconstrução.

PARA VER — “Noiva Despedaçada — Forma e Estilhaçamento”, de Ricardo Iazzetta. De hoje ao dia 24, e de 29 a 31 de maio, no TD — Teatro de Dança (avenida Ipiranga 344, em São Paulo). O ingresso custa R$ 4. Data, local e horários foram enviados pelos organizadores. Mais informações (11) 2189-2557.

Beijos reconstruídos

2009-05-26T09:37:00.000-07:00

Marcela Benvegnu

Contemplado pela quinta edição do Programa Municipal de Fomento à Dança da cidade de São Paulo, “O Beijo”, novo espetáculo da Cia. Nova Dança 4, estréia hoje, às 19h, no Sesc Avenida Paulista. O grupo propõe a criação de releitura subjetiva de obras de Nelson Rodrigues, Beckett e Poe, delineada no universo da dança de improvisação. Influenciada e inspirada pelo teatro, cinema e pela literatura, a Cia. apresenta uma obra aberta, com o intuito de conduzir o espectador por uma trama de mistério e poesia.
“O Beijo” é o segundo espetáculo da série-projeto Influência realizado pela Cia. Nova Dança 4 desde 2007, que propõe o aprofundamento da pesquisa de linguagem sobre gêneros dramatúrgicos. Algumas questões norteiam e instigam esta fase de estudo, como: qual é o eixo da história contada e a trajetória de cada personagem? Como se desenvolvem relações paralelas? Qual a relação de causa e consequência? Como o clímax é construído? E a condução do desfeche?
Influência Primeiros Estudos, de 2008, é o primeiro movimento da trilogia, que resultou de investigações dos filmes de suspense de Alfred Hitchcock e da apropriação corporal dos trabalhos realizados em parceria com os maiores profissionais da improvisação. Em “O Beijo”, os autores/roteiristas selecionados para estudo foram François Truffaut, Edgar Alan Poe, Samuel Beckett e Nelson Rodrigues.
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IMPROVISO —Desde seu surgimento, em 1996, a Cia. manteve como base de criação a improvisação cênica. “Nós já trabalhamos há muitos anos com a improvisação, sempre buscando a comunicação com a platéia. Uma vez conquistado o corpo capaz de sustentar a atmosfera de tensão do suspense e mistério que nos havíamos proposto, decidimos agora avançar mais um passo: unir a subjetividade da dança à narrativa ficcional do teatro e do cinema”, explica a diretora do grupo e uma de suas fundadoras, Cristiane Paoli Quito. “Com o projeto Estudos Dramatúrgicos para Influência da Improvisação, pretendemos aprofundar a investigação do enredo e realizar uma pesquisa de dramaturgia, a fim de sermos capazes de, a cada espetáculo, narrar uma história de ficção e compreender o percurso de cada personagem/intérprete”, conclui.
Em “O Beijo”, após apreensão das estruturas dos textos utilizados como base, o grupo desenvolveu um trabalho de elaboração e comunicação de histórias — não necessariamente lineares — no “aqui-agora” da improvisação. “A composição do espetáculo a partir de um fio condutor, uma mesma história preexistente em nossos corpos, nos dá liberdade para a construção de uma nova narrativa. O enredo e os personagens motivam e incentivam a pesquisa de movimento; o desafio está em construí-los em nossos corpos pela trilha da dança, uma dança teatralizada, sem cairmos no teatro dançado”, afirma Cristiane.
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PARA VER — “O Beijo”, com a Cia. Nova Dança 4. Estréia hoje, às 19h, no Sesc Avenida Paulista (avenida Paulista, 119). Os ingressos custam R$ 20 (inteira); R$ 10 (meia-entrada) e R$ 5 (trabalhador no comércio e matriculados). O espetáculo fica em cartaz no espaço até o dia 14 de junho, sempre às sextas, sábados e domingos, às 19h. Datas, local, horário e valores foram enviados pelos organizadores. Mais informações (11) 3179-3700.

MEMÓRIAS CONCRETAS

2009-05-11T08:45:00.000-07:00

Marcela Benvegnu

Esse espaço completou 2 anos no dia 9 de maio!
Sim, a gente fez aniversário.
E para agradecer todos aqueles que dão uma passadinha semanal aqui, um agradecimento (desabfo) de verdade, que eu escrevi pós congresso de jazz dance.
Esse texto foi enviado somente para os professores que fizeram parte dessa história... E por insistência da Érika (Novachi) e da Rose (Calheiros) e ele está sendo "espalhado" por aí.

Obrigada dança!

Memórias Concretas

A sensação de êxtase ainda não saiu do meu corpo, mesmo dias após o 1º Congresso Internacional de Jazz Dance ter terminado. Confesso, a minha respiração às vezes se descontrola. Pensei e fixei mesmo tudo o que eu senti e vivi naqueles quatro dias dentro de mim, e sei que essa sensação não vai mais sair e não adianta eu me perguntar por que me sinto assim.

Fiquei deste jeito, mais do que tocada, porque acho que tinha perdido o feeling do jazz... Os pliés, as coreografias, ou mesmo as seqüências das mais simples, às mais complicadas, ficaram sendo executadas por muito tempo no meu corpo. Dançá-las era algo difícil. E aconteceu de novo, da forma que eu aprendi quando só fazia isso.

Para isso tudo acontecer, eu precisei encontrar a Érika (Novachi) em janeiro de 2008, que acho que também precisava de mim naquele momento, para que o nosso sonho se tornasse concreto. A nossa dupla de opostos, ela contida, eu explosiva, ela tranqüila, eu nervosa, encontrou a paixão e o equilíbrio perfeito para o trabalho em dupla, que foi muito além de uma parceria. Depois do empurrão da Chris (a Mana) o trabalho se transformou em amizade verdadeira. Tenho a sensação de que a conheço há anos. E como a Rose disse, são encontros de outras vidas.

Desde as nossas primeiras reuniões, os primeiros e-mails, os primeiros olhares e risadas (a gente ri muito, e isso é maravilhoso), pensávamos no outro. Um outro que era, na verdade, o espelho das nossas ânsias e necessidades. Não foi a conta bancária em nenhum segundo que mudou o nosso foco, não foram as inscrições que nos surpreenderam que nos fizeram dar um passo maior do que a perna. Nós apenas desejamos, e o desejo se realizou: dar e promover a dança com amor.

Os quatro dias que vivemos, talvez sejam os mais intensos de dança que meu corpo se expôs até agora, foram uma das minhas maiores alegrias. O jazz é algo maior. Algo meu. Algo da alma, que transcende e se transforma em movimentos (doloridos até, porque no segundo dia eu não conseguia andar...).

Cada detalhe, da pulseira de acesso, ao jornal, a camiseta, a recepção. Tudo foi pensado. Tudo foi trocado. Eu e a Érika éramos uma única voz, um corpo, uma palavra, uma dança. O “sim” de uma, era o “sim” da outra. Por isso funcionou. O idioma falado é o do jazz.

A cada aula um aprendizado. Cada professor contribuiu com o seu melhor. Chris e sua musicalidade; Caio e seu musical; Sue e sua tradicionalidade; Érika e o seu lyrical; Cinthia e sua negritude, e Rose, com a sua dança única e inspiração. Inspiração que motivou e, sobretudo, transformou corpos amortecidos com a massificação de uma esfera chamada dança. Transformou almas que queriam dançar, apenas dançar.

E dançar não é pedir muito. Foi preciso dizer que o congresso do jazz e do amor, como caracterizou uma aluna, foi real. Foi tudo de verdade, por mais que eu ainda custe a acreditar. Tudo aconteceu mesmo por mais que pareça mentira. O clima foi de paz, por mais que a dança às vezes viva em guerra. A harmonia reinou na cidade, por mais que os grupos disputem uns contra os outros nos festivais. As pessoas foram amigas, se uniram para um pensamento. Dançaram nossa principal idéia.

Confesso que não sei porque estou escrevendo tudo isso. Talvez parte dessa sensação precise sair pelos dedos, encontrar as teclas do computador e se transformar em palavras concretas, sobre um evento concreto, sobre uma dança possível. Ainda mais porque eu trabalho com as palavras.

E como cada um, por menor ou maior, que tenha sido a participação do nosso evento, fez a diferença. Sem todos não teríamos como saborear cada lembrança agora.

Aprendi como é possível dividir e acreditar nesta idéia que eu e a Érika dançamos por um tempo sozinhas. Ela tomou vida, ganhou pernas, pés, corpo.

Cresce.

Obrigada!

Africanidade contemporânea

2009-05-08T08:01:00.000-07:00

Crédito: Mediamania

Marcela Benvegnu

Considerada a melhor companhia africana de dança contemporânea, a Compagnie Georges Momboye chega ao Brasil precedida da unanimidade da crítica internacional. Criada em 1992, e com sede em Paris, a trupe chega ao país em junho para apresentar o espetáculo “Boyakodah”, de Momboye. A turnê, que passa por Juiz de Fora, Rio de Janeiro, Salvador e São Paulo, chega ao Teatro Municipal de São Paulo nos dias 26, 27 e 28, e integra a programação cultural do Ano da França no Brasil — França.Br 2009.

Com uma formação inusitada, pois, além de dançarinos, a companhia reúne músicos e cantores originários de países como a Costa do Marfim, Camarões, Guiné e Senegal, o grupo é reconhecido mundialmente pela sua criatividade, que une a tradição da cultura africana a elementos da dança clássica, do jazz e do hip hop. O trabalho escolhido para ser apresentado no Brasil é “Boyakodah”. Com 11 dançarinos, um cantor e quatro músicos, a montagem, cujo nome significa felicidade em guéré — língua falada do oeste da Costa do Marfim — é, segundo o próprio coreógrafo, uma ode à vida.

Em cena, os bailarinos interagem com a cuia e o bastão do pilão, objetos que são símbolos sexuais da procriação, força e harmonia. “Este trabalho busca o equilíbrio entre corpo e alma, ritmo e silêncio, evocando a maior aspiração do homem pela felicidade e prazer”, explica o coreógrafo.
Formado em dança africana desde os 13 anos de idade, Georges Momboye deixou a Costa do Marfim para se aperfeiçoar com coreógrafos do porte de Alvin Ailey, Brigitte Matenzi, Rick Odums e Gisèle Houri, cujo acento contemporâneo influenciou definitivamente seu trabalho. Ao longo de seus 17 anos de existência, o grupo se consolidou como um dos mais importantes de dança africana contemporânea.
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HISTÓRICO — A primeira coreografia do grupo — “A Paz” —, foi encomendada pela Unesco e interpretada por 50 dançarinos, projetando internacionalmente o nome de Momboye. Na seqüência vieram trabalhos como “Adjaya”, “M’bah Yoro”, “Tahaman” e outros. O ecletismo do coreógrafo se traduz também nas recriações de clássicos como “A Sagração da Primavera”, de Stravinsky, e “Prelúdio à Tarde de um Fauno”, de Debussy.

Momboye criou em Paris, em 1998, o primeiro centro de danças pluriafricanas, onde desenvolveu uma linha pedagógica que fez escola e foi adotada na Europa, Estados Unidos, América Latina e Ásia. Em dezembro de 2005, estreou “Afrika Afrika”, espetáculo itinerante que reuniu mais de 100 dançarinos, músicos e artistas de circo em turnê pela Alemanha, Suíça e Áustria. Suas criações já foram apresentadas em grandes festivais como a Bienal Internacional da Dança, em Lyon; Santander Festival, na Espanha; no Sadler’s Theater, em Londres, e outros. Se quiser saber mais sobre a companhia vale entrar no site ladanse.com/momboye ou ver um trecho da apresentação no YouTube pelo endereço youtube.com/watch?v=GHzdZ5qlX6g.
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PARA VER — “Boyakodah”, de Momboye, com a Compagnie Georges Momboye. Dias 26 e 27 de junho, às 21h, e dia 28 de junho, às 17h, no Teatro Municipal de São Paulo. Os ingressos custam entre R$ 40 e R$ 80 e podem ser adquiridos no site ticketmaster.com.br. Datas, local, horários e valores foram enviados pelos organizadores. Mais informações (11) 2063-5087.

Fragmentos de Vera Sala

2009-05-08T07:59:00.000-07:00

Instalações criam ambientes que redimensionam e reorganizam as possibilidades corporais
Crédito: Rogério Ortiz

Marcela Benvegnu

Em continuidade à linha de pesquisa começada em 2003 com “Corpo-Instalação”, a coreógrafa e bailarina Vera Sala optou agora por uma nova proposta coreográfica intitulada “Pequenos Fragmentos de Mortes Invisíveis”, que pode ser vista até domingo, no Sesc Ipiranga, em São Paulo. A instalação, que foi contemplada pelo Programa Municipal de Fomento à Dança — 4ª edição, é parte do conceito de que um corpo só pode ser compreendido no ambiente em que vive e das relações e conexões que nele estabelece. A entrada é gratuita.
No trabalho, a bailarina e pesquisadora se propõe, por meio de suas instalações, a criar ambientes que redimensionem e reorganizem as possibilidades corporais. “É um espaço que se afeta continuamente por ser um espaço de relações que se alteram no fluxo de tempo”, explica Vera. “A instalação não deve ser encarada como um espetáculo. São organizações diferentes dessa pesquisa, onde uma determinada formulação adquire uma estabilidade para ser apresentada. É uma estabilidade temporária. A diferença do presente trabalho se encontra na formulação do ambiente criado”.
“Pequenos Fragmentos de Mortes Invisíveis” possui um caráter de obra em constante construção. De acordo com Vera, “a cada vez que alguém visitar a instalação, não verá exatamente as mesmas coisas. Ainda assim, existem qualidades de corpo e questões que permanecem”. Uma destas questões é o corpo esvaziado, foco da pesquisa. “É um esvaziamento pelo excesso. As diferentes formas de violência, implícitas e explícitas, esvaziam a ação do corpo”, afirma.
A cenografia, criada pelo arquiteto Hideki Matsuka, é composta por torres metálicas e semitransparentes, que criam uma espécie de labirinto de ilusões ópticas, com imagens que aparecem, somem e se reproduzem. “O público vai ocupar o mesmo espaço, não há uma separação de platéia. O espectador pode circular, escolher de onde quer observar o ambiente. Você não se senta simplesmente para receber uma informação, mas tem que estabelecer relações e conexões dentro daquele ambiente para poder usufruir daquilo”, afirma Vera.
O espaço cênico é complementado por uma instalação sonora, criada por Daniel Fagundes, e projeções de vídeo. Sons pré-gravados se misturam a ruídos captados ao vivo, todos reeditados por computador no próprio momento da performance. A sonoridade, dessa forma, modifica-se a cada dia: os microfones, pendurados no teto, captam sons do movimento do público e dos bailarinos. Quanto aos elementos pré-gravados, suas entradas são aleatórias e construídas na hora da ação.

TAP RELOADED recebe única representante BRASILEIRA

2009-04-24T08:22:00.000-07:00

Marcela Benvegnu

Depois de ter ministrado aulas de sapateado com ritmos brasileiros na New York City Dance School of Stuttgart, e na Base Militar dos Estados Unidos, em Stuttgart, na Alemanha, no ano passado, a coreógrafa, sapateadora, cantora e musicista CHRISTIANE MATALLO, foi convidada pelo francês Pascal Hulin, diretor do 3º Tap Reloaded, para integrar o cast de professores desta edição do evento, que acontece a partir do dia 24 de abril, em Sttutgart. Christiane é a única brasileira a participar do festival, que também conta com Fredy Corado (Costa Rita), Chloe Arnold e Jason Samuels Smith (USA), entre outros.

Christiane embarca acompanhada do contrabaixista Gilberto de Syllos, que lhe acompanhará nas aulas e performances. A dupla revela em cena o resultado de uma pesquisa entre dança e música na qual nasceu o espetáculo "da Corda pro Pé" e divulga o CD intitulado "Tap Bass", lançado no ano passado. De Syllos, que é referência mundial no universo internacional do sapateado, também irá tocar para grandes nomes no evento, como o sapateador ganhador do prêmio Emmy Awards, Jason Samuels Smith.

Além das aulas, que serão ministradas na New York City Dance School of Stuttgart, Christiane apresenta dois números na Liederhalle-Hegelsaal Stuttgart. O primeiro é uma homenagem à Bossa Nova. A artista se apresenta ao piano, e mostrará uma performance sem igual: ela é a única artista no mundo que toca saxofone tenor e sapateia simultaneamente.

A outra apresentação será um tributo à Carmen Miranda, na qual entra no palco tocando pandeiro e promove um diálogo com os pés ao ritmo de um samba cadenciado. Na sequência, no sax, apresenta "Mamãe eu Quero" e ao lado de De Syllos, "Taí". Um detalhe: parte da múisica será cantada em alemão. A dupla finaliza a apresentação com a união do baixo elétrico e do sambateado, termo criado por Christiane em 2006, dentro da Escola de Samba Mocidade Alegre, de São Paulo, que significa a união do samba com o sapateado.

Os artistas viajam à Alemanha com apoio do Ministério da Cultura pelo edital nº1/2009 de Intercâmbio e Difusão Cultural com a maior pontuação (25 pontos). A contrapartida da dupla será a oficina, “Relação Corpo e Música na Cultura Brasileira”, que será oferecida a alunos do ensino médio da rede pública da cidade de Campinas, em maio de 2009, com duração de oito (08) horas no ponto de cultura Associação Cultural Boa Companhia (Convênio MinC – Governo Federal / Prefeitura Municipal de Campinas), sediada em Barão Geraldo, Campinas.

Revolucionários da dança

2009-04-24T08:19:00.000-07:00

Marcela Benvegnu

Bailarinos que são também acrobatas ou vice-versa, que se fundem a outros ou a materiais inusitados, criando formas surpreendentes. Essas são características da dança contemporânea, exploradas por diversas companhias, porém, entre todas, ninguém as executa de forma tão original quanto o Pilobolus Dance Theatre, até porque, a companhia norte-americana, criada há 38 anos, foi a pioneira no estilo e a grande responsável por uma revolução no cenário da dança moderna. Aqueles que não conhecem o trabalho da trupe, se agendem: a companhia chega ao Brasil em maio.
Eles mostram aqui um programa que reúne cinco de suas principais coreografias, criadas em épocas diferentes da trajetória da companhia (a mais antiga data de 1973 e a mais nova é de 2008). Eles se apresentam nos dias 22, 23 e 24 de maio no Vivo Rio, no Rio de Janeiro; no dia 28 de maio no Teatro Cláudio Santoro, em Brasília; nos dias 30 e 31 de maio no Via Funchal, em São Paulo; no dia 3 de junho no Teatro Castro Alves, em Salvador; no dia 5 de junho no Teatro Guaíra, em Curitiba; e nos dias 6 e 7 de junho no Porto Alegre Bourbon, em Porto Alegre.
Por aqui eles apresentam “Lanterna Mágica” (2008), de Michael Tracy em colaboração com Andrew Herro; “Pseudopodia” (1973), de Jonathan Wolken; “Rushes” (2007), de Inbal Pinto, Avshalom Pollak e Robby Barnett; “Symbiosis”, de Michael Tracy com a colaboração de Otis Cook e Renée Jaworski; e “Megawatt” (2004), de Jonathan Wolken.
Fundada por Moses Pendleton — que mais tarde criou o Momix — e Jonatham Wolken, o Pilobolus foi o primeiro grupo moderno a juntar à dança técnicas de força física, improvisação cênica e muitos efeitos visuais e de luz, apresentando ao público coreografias abstratas muito diferentes dos então padrões tradicionais da dança. Em 2007, tiveram uma de suas maiores consagrações: foram convidados para se apresentar na cerimônia do Oscar, vista por mais de 1 bilhão de pessoas em todo o mundo, apresentando os filmes indicados ao prêmio principal.
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HISTÓRIA— Pilobolus, o organismo artístico, germinou no solo fértil de uma sala de aula no Dartmouth College, em 1971. O que emergiu foi um processo coreográfico colaborativo e um enfoque único de compartilhamento em uma parceria, que deu à jovem companhia um novo conjunto de habilidades não-tradicionais mais poderosas para criar coreografias. O grupo foi logo aclamado por sua surpreendente mistura de humor e invenção. O grupo está dividido em três ramos principais de atividade: Pilobolus Dance Theatre, uma companhia itinerante integrada por sete pessoas; o Pilobolus Institute, um guarda-chuva para toda a programação educacional; e o Pilobolus Creative Services, uma estrutura administrativa que permite coordenar atividade criativa tanto com as organizações comerciais quanto artísticas fora da companhia.
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PARA VER —Pilobolus, em São Paulo. As apresentações acontecem na Via Funchal (rua Funchal, 65), nos dias 30 de maio, às 21h, e no dia 31 de maio, de às 20h. Os ingressos custam entre R$ 40 e R$ 150. Datas, local, horários e valores foram enviados pelos organizadores. Mais informações: pilobolus.org.

A vez do Jazz Dance

2009-04-24T08:16:00.000-07:00

Marcela Benvegnu

Faltam poucas horas para o início do 1º Congresso de Jazz Dance no Brasil. O coração de alguns bate mais forte, a unha de outros nem existe mais. Muitos já deixaram as suas casas, estão na estrada, no avião, outros ainda afivelam as malas para mergulharem no fantástico universo dessa arte esquecida. E foi para elevá-la a um lugar de destaque no cenário da dança mundial que este congresso foi criado. A maratona começa amanhã e vai até terça-feira, dia 21, em Indaiatuba.
Se te deu vontade de participar, prepara-se para o ano que vem porque as inscrições estão esgotadas desde o final do mês de março. O evento recebe bailarinos de diversos Estados e cidades, com destaque para Belém, Goiânia, Rio de Janeiro, Florianópolis, Uberlândia, Uberaba, Porto Alegre, Salvador, Fortaleza, e outros. Os mais de 140 alunos tiveram que ser divididos em duas turmas, a Turma A — Joyce Kermann, e Turma B — Lane Dale — para um melhor aproveitamento das aulas
Os nomes das turmas são uma homenagem a grandes representantes do jazz dance no Brasil e no mundo. Joyce teve uma das primeiras companhias profissionais de jazz dance no país, e Dale foi o primeiro coreógrafo de um trabalho de jazz, que se conheceu aqui, ao lado de Jojo Smith, no conhecido “The Brazil Export Show”.
Esta primeira edição do congresso traz ao país a bailarina e coreógrafa Sue Samuels, que integrou o “The Brazil Export Show” e é co-fundadora da Jo Jo’s Dance Factory, em Nova York — leia-se a companhia de Jojo Smith — que posteriormente se tornou a Broadway Dance Center, onde atua até hoje. A coreógrafa e diretora do departamento de jazz e programa de jazz para crianças no Fort Lauderdale Ballet, na Flórida. Ainda no cast dos internacionais está Rose Calheiros, brasileira, radicada na Alemanha há mais de 20 anos. A coreógrafa protagonizou espetáculos como “Chorus Line”, “West Side Story”, “Cabaret” e outros. Sem contar que coreografou “Anything Goes”, “Crazy for You”, “Evita”, e “Drácula”.
Entre os brasileiros está Caio Nunes, coreógrafo de grandes musicais e de diversos trabalhos para televisão, como “Se Eu Fosse Você 2”; a coreógrafa Christiane Matallo, que embarca na semana que vem para Sttutgart, na Alemanha, para participar do Tap Reloaded; a diretora residente do Galpão 1 Academia, de Indaiatuba, Érika Novachi, que é professora e coreógrafa de lyrical jazz desde 1995; a difusora de cultura negra Cinthia Vilas Boas, e outros. As inscrições para as aulas que acontecem durante os quatro dias do evento estão esgotadas.
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PARALELO — Amanhã a primeira atividade paralela do 1º Congresso Internacional de Jazz Dance é uma palestra sobre história do jazz dance, às 18h, no Centro de Convenções Aydil Pinesi Bonachela (rua das Primaveras, 210). Mas é no domingo que o público terá a chance de saber e ver mais sobre esta arte. Às 20h, no Centro Integrado de Apoio à Educação de Indaiatuba (Ciaei — avenida Engenheiro Fábio Roberto Barnabé, 3.665), acontecerá a Mostra Comentada. Na ocasião, grupos de jazz dance apresentam seus trabalhos para professores e convidados e depois ouvem seus comentários. A entrada é gratuita e a abertura e encerramento da noite fica a cargo do Galpão 1.
Na segunda-feira, dia 20, a última atividade paralela é uma mesa-redonda — Os Caminhos do Jazz Dance: O Musical que Compete com Jazz, que (quase?) vira dança contemporânea que (quase) não se entende mais nada. E agora? — às 18h, no Centro de Convenções Aydil Pinesi Bonachela. A entrada é gratuita. Mais informações www.congressodejazzdance.blogspot.com.br

No emBallo de Gnawa

2009-04-14T08:07:00.000-07:00

crédito: João Caldas

Marcela Benvegnu

A estréia das duas novas coreografias da São Paulo Companhia de Dança (SPCD) — “Gnawa” (2005), de Nacho Duato (1957), e “Ballo” (2009), de Ricardo Scheir (1961) — aconteceram no Teatro Sérgio Cardoso, em São Paulo, nas últimas semanas. Apresentadas separadamente com outros dois trabalhos, — “Serenade”, de George Balanchine, e “Les Noces” (1923), de Bronislava Nijinska (1891-1972) — que já integravam o repertório da companhia, a SPCD mostra em pouco tempo de existência grandes produções, assinadas por importantes nomes da dança.

Na primeira semana foi a vez da estréia de “Gnawa”, de Duato — diretor da Compañía Nacional de Danza, da Espanha. De origem sub-saariana, os gnawa — uma confraria mística muçulmana do norte da África — incorporam cantos às suas práticas espirituais, e Duato adota como base do trabalho, canções dessa comunidade. Os corpos brasileiros são felizes no encontro da técnica de Duato, reforçada pelos movimentos de tronco. Se o trabalho não tem um compromisso político e é basicamente uma homenagem ao povo, como afirma o coreógrafo, deve ser encarada como tal. O elenco afinado traduz bem a mobilidade do coreógrafo e se mostra versátil em meio a tanto idiomas de corpo que a SPCD encara em seu primeiro ano.

A segunda estréia ficou por conta de “Ballo”, de Scheir — professor e ensaiador da companhia — com música espetacular de André Mehmari (1977), inspirada no tema de “Ballo Delle Ingrate” (“Baile das Ingratas”), do compositor italiano Claudio Monteverdi (1567-1643). O jogo de sombras proposto nas cenas iniciais, assim como os diferentes corpos, são um convite à reflexão ao tema principal: a punição das mulheres que não se entregaram ao amor. O contraste de figurinos e perucas chama atenção e se revela forte perante o espectador. Esse lado andrógino da dança, que chega até a desconfigurar figuras imaginadas — como Vênus ou mesmo Plutão — é convidativo. Faz com que se queira mais.

E “Ballo” traz mais. A gramática corporal do trabalho de Scheir é evidente. Ele é feliz quando usa no corpo dos bailarinos o seu próprio repertório de possibilidades, haja visto que Yoshi Suzuki — formado pelo coreógrafo — transita com facilidade pela coreografia. A dramaturgia é boa, pensada e bem encarnada no personagem de corpo forte da argentina Irupé Sarmiento (Ariadne). Mas em meio a uma boa coreografia (que no ano que vem estará melhor), bons figurinos, cenários e luz que dialogam, está a grande diva de “Ballo”: a música. Sem ela, a coreografia perderia todo o brilhantismo.

Formada por 16 pequenos movimentos organizados em três partes, a composição trabalha de forma perfeita o deslocamento de padrões rítmicos e melódicos e reverencia gênios da música como Reich, Bartók, e Shostakovich. Em algumas partes é possível ouvir o cravo mesclado com as cordas barrocas superpostas às modernas, em outras, o cravo e o piano são mediados pelo violino barroco e pela moderna orquestra de cordas. A proposta do músico é estabelecer o diálogo entre o novo e o antigo, e isso é refletido diretamente na coreografia de Scheir, que comprova que o corpo não tem nada de ingrato.
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REPERTÓRIO — Depois de alguns meses da estréia de “Les Noces” (1924), o corpo dos bailarinos da SPCD já responde à montagem de forma diferente. O difícil trabalho de pés — paralelo, para fora, esticado ou em flex (dobrado) — e mãos — punhos dobrados ou mãos esticadas — chama atenção pela limpeza. Raramente executada por uma companhia de dança profissional, com fortes características alemãs, a peça é dividida em quatro movimentos. A remontagem é assinada por Maria Palmeirim (1948).

Também na dobradinha estava “Serenade” (1935). Na remontagem de Ben Huys (1967) — atual ensaiador da The George Balanchine Trust — os corpos sinuosos da primeira versão se derreteram em formas longelíneas. As execuções fora do eixo, as torções de movimento, assim como os grandes saltos foram bem executados. Entretanto, os braços em quinta posição, muito usados no trabalho, requerem ajustes com este elenco. Uns estão muito fechados, outros muito abertos e confundem a figura coreográfica do espectador e conseqüentemente uma das maiores marcas do estilo balanchiano.

“Variacions Al-leluia" no TD

2009-04-14T08:05:00.000-07:00

Marcela Benvegnu

A companhia espanhola Lanònima Imperial — fundada em 1986, em Barcelona — aterrissa no Brasil este final de semana para se apresentar no tradicional TD — Teatro de Dança, em São Paulo. A peça escolhida foi “Variacions Al-leluia”, que sobe ao palco do espaço nos dias 8 e 9 de abril, às 21h. O grupo vem ao país como convidado pelo Centro Cultural da Espanha em São Paulo, da Agência Espanhola de Cooperação Internacional para o Desenvolvimento.
Sob direção de Juan Carlos García, o Lanònima Imperial — que já se apresentou em mais de 25 países e três continentes — apresenta um espetáculo de dança contemporânea em que o movimento, combinado a uma dramaturgia simples, cria cenas lúdicas como se fossem brincadeiras de criança, que falam sobre a presença de seres terríveis e temerosos. Porém, essas criaturas são apenas pretextos para criar situações de movimento descentrado, rápido, ágil e sinuoso, acompanhados pela cantora e guitarrista Mürfila, uma personagem doce e perversa.
A obra se desenrola repleta de atmosferas em claro-escuro, de folguedos de crianças que lembram os contos de terror e mistério. Um objeto inflável, branco, com volume e leveza, sugere que os bailarinos se tornaram anjos caídos e evoca a presença de monstros terríveis, gerando medo e ansiedade. “Terrores, horrores, pesadelos, angústias, espantos, violências, pavores e sustos. Não há nada mais atraente quando você sabe brincar com isso”, fala o coreógrafo.
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COMPANHIA — A Lanònima Imperial é uma companhia que transita bem entre os grupos internacionais. As peças da companhia foram co-produzidas por renomados festivais, teatros e centros de criação europeus, como o Vooruit Centre de Gent, na Bélgica; o Theater im Pfalzbau, de Ludwigshaten, na Alemanha; o Holland Dance Festival, de Amsterdã; o Festival Oriente-Occidente, na Itália; e outros. Entre seus últimos trabalhos destacam-se “Liturgia de Sonho e Fogo” (2000), baseada no mito de Prometeu; “Scala 1: Infinito” (2002), de inspiração futurista; “Orfeo” (2003) e “Orfeo Concert” (2004), baseado no mito órfico, o infantil “O Mar de Formas” (2005), e “Na Noite Ferida pelo Raio” (2006).
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COREÓGRAFO — Juan Carlos García desenvolveu sua carreira entre o Institut del Teatre de Barcelona, o Centre National de Danse Contemporaine d’Angers, na França, sob a direção de Viola Farber, e Nova York, onde estudou com diferentes professores de dança clássica e moderna. Além de seu trabalho na companhia, criou coreografias para importantes grupos como o Ballet de Saragoça, a Komischen Oper de Berlim, o Maggio Danza Fiorentino, a Deutsches Oper, o Dresdner Musikfestspiele, o Ballet Gulbenkian, e recentemente para o Diversions Dance Company. Suas peças foram incorporadas aos repertórios de companhias estrangeiras, como no caso do grupo de Gregor Seyttert com uma versão de Landschaft mit Schaten, peça estreada pela Komischen Oper, ou a Itzi Galili Dance Company, com “Eco de Silêncio”.

Duato e Scheir: os novos da SPCD

2009-03-27T07:20:00.000-07:00

"Ballo": a estréia
Crédito: João Caldas

Marcela Benvegnu

A São Paulo Companhia de Dança nasceu mostrando resultados. Mesmo sem sede fixa, com uma nova audição realizada para completar o elenco e projetos que envolvem professores e nomes da dança (o Figuras da Dança e o Corpo-a-Corpo, são exemplos disso), ela continua na estréia de trabalhos. Gostem ou não, talvez a companhia seja a única no país com um repertório tão grande e importante em pouco mais de um ano de existência. Aos olhos dos outros, cabe saber como esse tempo (e dinheiro) foi aproveitado e se a gramática corporal desses novos bailarinos já está mais evidente nas criações.

Considerações à parte, a São Paulo Companhia de Dança, dirigida por Iracity Cardoso e Inês Bogéa, estréia a partir desta semana, no Teatro Sérgio Cardoso, em São Paulo, duas novas montagens, “Gnawa” (2005), de Nacho Duato (1957), e “Ballo” (2009), de Ricardo Scheir (1961), para marcar a abertura de sua temporada 2009. As coreografias se unem a “Serenade”, de George Balanchine, e “Les Noces” (1923), de Bronislava Nijinska (1891-1972) — trabalhos apresentadas pela São Paulo Companhia de Dança no ano passado — em dois programas.

Os trabalhos do primeiro programa, que vai de hoje a domingo, têm em comum a relação com rituais. “Les Noces”, parte da trivialidade, um casamento tradicional de camponeses russos, para criar uma geometria de movimentos que aliou a tradição do balé às vanguardas modernistas do início do século 20. Já “Gnawa”, de Duato, diretor da Compañía Nacional de Danza, da Espanha, é inspirada no universo étnico e religioso de uma confraria mística muçulmana do norte da África. De origem sub-saariana, os gnawa incorporam cantos às suas práticas espirituais, e Duato adota como base do trabalho, canções dessa comunidade.

No programa dois — de 2 a 5 de abril — “Serenade” (1935), de George Balanchine (1904-1983), criada inicialmente para os alunos da School of American Ballet, encontra ecos na nova criação de Scheir, “Ballo”, com música original de André Mehmari (1977). A composição teve como ponto de partida o tema de um madrigal de Claudio Monteverdi (1567-1643), “Ballo Delle Ingrate” (“Baile das Ingratas”). Na peça, Mehmari apresenta variações que remetem a diversos momentos da história da música e, assim, propõe um diálogo do antigo com o novo, do moderno com o arcaico. Da mesma forma, Scheir busca referências na obra de Monteverdi para tratar das relações humanas e de questões importantes para o homem de todos os tempos.

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PARA VER— São Paulo Companhia de Dança. Temporada 2009. “Les Noces” e “Gnawa”. Até 29 de março. “Serenade” e “Ballo”, de 2 a 5 de abril. De quinta-feira a sábado, às 21h, e aos domingos, às 19h, no Teatro Sérgio Cardoso (rua Rui Barbosa, 153). Ingressos custam entre R$ 10 e R$ 20. Data, local e horários foram enviados pelos organizadores. Mais informações (11) 3288-0136.

Cia. Druw apresenta ‘Corpoético’ no Municipal

2009-03-24T11:28:00.000-07:00

crédito: Arnaldo Torres

Marcela Benvegnu

Em cena, o corpo é levado pelo jogo do acaso estruturando um estado de plena composição lírica. A movimentação cria ambientes, situações, imagens e dinâmicas baseadas nas poesias. Na união de todos esses contornos instala-se “Corpoético”, espetáculo de dança contemporânea da Companhia Druw, de São Paulo, que sobe ao palco do Teatro Municipal “Dr. Losso Netto”, hoje, às 20h. Antes, às 10h, na Sala 2 do Municipal, o grupo ministra um workshop. As entradas para as atividades são gratuitas.
Com direção da consagrada Miriam Druwe, a coreografia busca a linguagem poética no corpo que dança. “É a busca de um estado de prazer pleno em brincar com a construção da palavra corporal, guiado por simples impulsos”, fala Miriam. “Todas as nossas emoções e vivências ficam registradas no nosso corpo e refletem no outro uma experiência. Essas relações nos permitem criar imagens internas. É como se eu estivesse tranqüila por fora e fosse invadida por um turbilhão de pensamentos. Chamo esse processo de dinâmicas internas, que variam de um estado para o outro. O trabalho foca isso”, aponta a coreógrafa.
A montagem, que também usa recursos multimídia, permite que o público possa ter a experiência de olhar o corpo de diferentes ângulos. “Temos algumas projeções e em alguns momentos filmamos partes do nosso próprio corpo. São cenas que o público não vê. Estados desse corpo que dança. Uma outra história com todas as suas possibilidades”, fala Miriam.
O trabalho reflete também de forma lúdica e divertida sobre a questão do corpo feminino que se sujeita aos rigores de uma moda que o afasta cada vez mais de sua essência e vive o caos de querer ser outro corpo. “O cabelo que se pinta, alisa, enrola. Os seios que crescem, as rugas do tempo, o aumento do peso, ou seja, um corpo perdido de sua autêntica poesia”, completa a coreógrafa que divide o palco com Adriana Guidotte e Tatiana Guimarães.
Inspirado em “Corpo-Tempo-Espaço”, de Cecília Meirelles, e “Necrologia dos Desiludidos de Amor”, de Carlos Drummond de Andrade, “Corpoético” é um trabalho de 2006, que retornou aos palcos no ano passado. “Montei em 2006 logo depois de ter meu segundo filho. O tive com 40 anos e tenho uma menina de 19 anos. Sempre achei que teria outro filho. Era uma sensação. ‘Corpoético’ trabalha essas sensações que se instalam no nosso corpo e vão sendo transformadas com o tempo”, fala Miriam. “Agora somos os mesmos corpos em cena, modificados pelas nossas imagens, pelo tempo e por outros registros. É interessante vivenciar isso novamente”, revela Miriam.
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WORKSHOP — Expansão do Movimento com Cia Druw é o nome do workshop que o grupo ministra hoje, às 10h, na Sala 2 do Municipal. O objetivo da aula é possibilitar ao corpo que ele desenvolva qualidades de movimentos que contribuam de forma efetiva na formação do bailarino intérprete-criador. A estrutura é baseada em estudos práticos da arquitetura desse corpo em movimento, no tempo e no espaço, de forma a ampliar o repertório do bailarino. “O estudo técnico aqui se refere às possíveis evoluções que esse corpo seja capaz de executar de forma segura e consciente, ampliando seu domínio e potencializando sua expansão”, fala a coreógrafa.

COREÓGRAFA — Miriam Druwe é uma importante coreógrafa da cena contemporânea brasileira. Integrou como intérprete algumas das principais companhias nacionais, como o Balé da Cidade de São Paulo, Cisne Negro Cia. de Dança, República da Dança e Cia.Terceira Dança. Trabalhou com coreógrafos de renome como Luiz Arrieta, Ana Mondini, Vitor Navarro, Vasco Wellemcamp, Gigi Caciulenou e Phillip Tallard. Participou como intérprete dos espetáculos “Mucho Corazon”, “Alma em Fogo” e “O Bailado do Deus Morto”, de José Possi Neto, e coordenou diversos projetos na área de dança e literatura. Já coreografou para a Distrito Cia. de Dança, de Ribeirão Preto; Cia Stacatto, de São Caetano, entre outras

Quanto pesa o público?

2009-03-24T11:25:00.000-07:00

Marcela Benvegnu

A Cia. Corpos Nômades estréia hoje, às 21h, no O Lugar — sede do grupo — em São Paulo, o espetáculo “Hotel Lautréamont — Os Bruscos Buracos do Silêncio”, que foi contemplado pelo 4º Programa Municipal de Fomento à Dança. Com coreografia e direção de João Andreazzi, a montagem explora todo o espaço cênico do local de forma itinerante e participativa. A entrada é gratuita.
No hotel o público é recebido por camareiras e encaminhado à pesagem, onde os bailarinos, com grandes rabos de cavalo, estão de prontidão. A somatória do peso da platéia é utilizada em cena posteriormente e toda a coreografia traz um universo surreal e instigante ao público que assiste o trabalho caminhando pelo espaço e bem perto dos intérpretes. Frases saem das bocas das personagens de variadas formas: ora roendo unhas, pelo microfone, ou soprada boca a boca. Formas de animais surgem na cena, unindo corpos e expressões. As cores, a iluminação e a sonoplastia trazem um ar sombrio de antigos hotéis, como os que o Conde de Lautréamont costumava se hospedar para escrever suas histórias.
João Andreazzi e a Cia. Corpos Nômades se inspiraram na obra de Isidore Ducasse, que adotou o pseudônimo de Conde de Lautréamont para escrever “Os Cantos de Maldoror” — escrito entre 1868 e 1869. Nascido no Uruguai, o autor morreu misteriosamente em 1870, desconhecido, aos 24 anos, em Paris. No elenco do trabalho estão Aldiane Dela Costa, João Andreazzi, João Pirahy, Mariana Mantovani, Ricardo Silva e Tiago Teles. Para a montagem a companhia teve assessoria poética e dramatúrgica de Claudio Willer.
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PROCESSOS —Todos os trabalhos da Cia. Corpos Nômades buscam experimentar as amplas possibilidades de atuação cênica corporal, envolvendo múltiplas linguagens além da própria dança contemporânea, como teatro, vídeo-arte, música, literatura e instalações performáticas. O objetivo da companhia é atuar na formação, criação e na difusão das artes cênicas contemporâneas. Em nove anos anos de atuação a Corpos Nômades recebeu alguns prêmios significativos como o da Associação Paulista de Críticos de Arte 2000, Funarte — EnCena Brasil 2002, Rumos Itaú Cultural Dança 2003, Prêmio Estímulo à Dança 2004, Associação Paulista de Críticos de Arte 2005, 1º Programa Municipal de Fomento à Dança de São Paulo 2006, Funarte Klauss Vianna 2007 e 4º Programa Municipal de Fomento à Dança de São Paulo.
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PARA VER — “Hotel Lautréamont — Os Bruscos Buracos do Silêncio”, com a Cia. Corpos Nômades. Estréia hoje, às 10h, em O Lugar (rua Augusta, 325), no Centro, em São Paulo. A temporada vai até o dia 26 de abril. Às sextas e sábados, 21h, e aos domingos, às 20h30. A entrada é gratuita. Mais informações (11) 3237-3224 ou www.ciacorposnomades.art.br.

Stacattosp estréia “Dispnéia 33 33 33”

2009-03-13T13:26:00.000-07:00

Marcela Benvegnu

Depois de assistir ao espetáculo “Suíte Funk” em Piracicaba este final de semana e descobrir um pouco mais sobre as relações da dança contemporânea com outras esferas, que tal ir a São Paulo para assistir “Dispnéia 33 33 33”, de Fernando Machado, com Stacattosp Cia. de Dança, no Centro Cultural São Paulo? A montagem, que fica em cartaz no espaço até o dia 29 de março, às sextas e sábados, às 20h30, e aos domingos, às 19h30, dialoga dança contemporânea com poesia. A entrada é gratuita.
Em “Dispnéia 33 33 33”, as palavras podem ser bonitas, feias, cheias de signos, significantes ou significados, novas ou velhas, de acordo com a interpretação subjetiva do espectador. Poesia e dança numa métrica perfeita desenvolvida por movimentos executados de forma milimétrica. O escopo de fundo é, por derradeiro, um corpo fragilizado que criou poesia que inspirou a dança de outros corpos. É poesia mobilizando corpo, corpo gerando poesia-dança. A trilha sonora do espetáculo foi especialmente composta pelo músico Loop B, que recentemente compôs trilha para a Companhia de Dança de Diadema.
Fundada em 2001, por um grupo de mulheres formadas pela Fundação das Artes de São Caetano do Sul, a companhia se mudou para São Paulo em 2006, e a contar com a direção de Fernando Machado. O coreógrafo atuou como intérprete na Druw Cia. de Dança, Grupo Caleidos, Cia. de Danças de Diadema (de 1997 a 2008) — na qual foi também professor e coreógrafo — Raça Cia. de Dança, Watt’s Cia de Dança.
No elenco da obra estão Paula Sanchez, Aline Proetti, Maitê Molnar, Paula Sanchez, Silvia Martins e Vanessa Pinto. O espetáculo conta com a participação especial de Philippe Iwantschuk.
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COMPANHIA — Veículo de expressão artística de pesquisa em dança contemporânea, a Stacattosp Cia. de Dança desenvolve uma técnica particular e instaura projetos de pesquisa e de formação, sempre com o propósito de unir teoria e prática no desenvolvimento da dança buscando uma proposta estética própria e diversa.
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PARA VER — “Dispnéia 33 33 33”, de Fernando Machado, com a Stacattosp Cia. de Dança. Até dia 29 de março, no Centro Cultural São Paulo (rua Vergueiro, 1000), no Paraíso, em São Paulo. As apresentações acontecem às sextas e sábados, às 20h30, e aos domingos, às 19h30. Recomendado para maiores de 12 anos. A entrada é gratuita. Data, local e horário foram enviados pelos organizadores. Mais informações (11) 3397-4002.

Suíte Funk: retrato da rua

2009-03-13T13:24:00.000-07:00

Companhia Urbana de Dança, do Rio de Janeiro, no espetáculo coreografado e dirigido por Sonia Destri / Crédito: Viazeen Xavier

Marcela Benvegnu

O retrato da rua em forma de dança urbana. A fórmula conhecida do hip-hop aliada à sofisticação e pesquisa dos movimentos de dança contemporânea. Uma “Suíte Funk” protagonizada pela Companhia Urbana de Dança, do Rio de Janeiro, que retrata, em diversos ritmos de rua, a rotina das vidas de seus integrantes que vivem nas favelas e subúrbios da cidade. Apresentado na 25ª Bienal de Dança de Lyon em 2008, o trabalho chega aos palcos piracicabanos amanhã e domingo, às 20h, no Sesi Piracicaba. “Suíte Funk” é um dos 13 espetáculos selecionados para integrar o circuito Viagem Teatral 2009 do Sesi São Paulo, promovido pela entidade em todo o Estado. A entrada é gratuita.
Coreografado e dirigido Sonia Destri, a montagem mistura passos de hip hop, funk, capoeira e samba, sem abandonar a contemporaneidade. Para ela, o objetivo da apresentação é mostrar o Rio de Janeiro de um ponto de vista múltiplo, de quem vive nos subúrbios, nas favelas, na linha de risco. “Suíte Funk é uma construção fragmentada, um olhar dos integrantes da companhia sobre a cidade em que cresceram, ao som dos ritmos da rua”.
O trabalho nasceu por conta de algumas pesquisas de investigação do corpo da coreógrafa. “Quando nos apresentamos em Lyon em 2006, recebemos o convite para 2008. Assim eu deveria montar um novo trabalho. Em 2007 recebi um prêmio de residência coreográfica do Sesc, e ainda estava em busca de uma idéia. Foi quando eu coreografei um baile funk para o filme ‘Maré Nas Histórias de Amor’. Achei que a idéia poderia vir do funk, que é uma coisa clássica e ao mesmo tempo violenta do Rio de Janeiro. Achei que era um retrato interessante”, aponta a coreógrafa.
Porém, com o passar do tempo ela encontrou dificuldade. “Eu queria falar do universo de uma manifestação cultural e, sobretudo, carioca, mas achei que tinha que trazer um pouco do universo da dança contemporânea para eles. Assim o trabalho virou uma suíte. E enquanto eu não tiver patrocínio para criar outras coisas, continuarei falando do Rio de Janeiro. Não é algo bairrista, mas é onde lido com um universo íntimo e isso facilita a minha vida. É uma zona de conforto grande para a minha dança”, fala Sonia.
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FORMAS DE OLHAR
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A Companhia Urbana de Dança é formada por um grupo de jovens moradores de áreas populares na capital fluminense. Na companhia, os integrantes têm contato com um espaço de expressão artística, socialização e formação, no qual suas experiências e idéias são incorporadas como material de criação. O currículo do grupo acumula diversas participações especiais em filmes, programas de TV, campanhas publicitárias e desfiles como Fashion Rio e Fashion Recife.
“A minha relação com a companhia, que já tem cinco anos, surgiu de forma natural. Ela foi estabelecida com negros da favela, que ensaiavam comigo depois das 23h, quando tínhamos uma sala livre para ensaios. No começo eu não sabia o que ia acontecer, mas depois que eu vi o resultado não pensei duas vezes em continuar. Não abro mão deles. As pessoas são preconceituosas e eu quero provar para essa rapaziada que eles fizeram uma escolha bacana. Que a dança pode mesmo transformar a vida deles e que eles têm que ser grandes protagonistas da história e não somente dos textos bonitos, que falam de uma relação de pertencimento que eles declamam em ‘Suíte Funk’”, revela a coreógrafa.
Sonia vem de uma escola de dança eclética. Fã da coreógrafa alemã Pina Bausch e do coreógrafo francês Maurice Béjart (1927-2007), com experiências em teatro e TV — ela foi diretora do núcleo de dança da TV Manchete — Sônia descobriu essa dança urbana na Europa. “Eu dava aulas de dança contemporânea na Alemanha e conheci um americano que me mostrou uma movimentação desconhecida do movimento hip-hop de periferia. Era algo mais urbano. E eu brinquei com isso por um tempo, acabou que entrou no meu corpo. A dança urbana me deu leveza, felicidade e a contemporânea o amor”, revela.
A coreógrafa conta que os jovens da companhia — André Feijão, Clayton Hilário, Cleber Hilário, José Amilton Junior, Junior, Miguel Fernandes, Raphael Russier Felipe, Ruy Chagas Junior e Tiago Souza — sempre estiveram abertos aos movimentos propostos por ela. “Quando eles vêem a palavra entrar no corpo, muda tudo. Quero que eles saiam da favela, que tenham outros olhares. Para mim todos são indivíduos da sociedade, com nome e sobrenome”, finaliza.
Além de Lyon, a companhia já se apresentou no Museu Quai Branly, na França; Recontres Choréographique de Carthage, no Festival Internacional de Biarritz, e na Semana do Brasil no Teatro de Chelles, em Paris.
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SERVIÇO — Viagem Teatral 2009 apresenta “Suíte Funk”. Amanhã e domingo, às 20h, no Sesi Piracicaba (avenida Luiz Ralph Benatti, 600), na Vila Industrial. A entrada é gratuita e os ingressos devem ser retirados com uma hora de antecedência. A classificação é livre e a montagem tem duração de 50 minutos. Data, local e horário foram enviados pelos organizadores. Mais informações: (19) 3421-2884.

Meu olhar sobre "Tieta do Agreste"

2009-03-08T13:21:00.000-07:00

Uma das cenas coreografadas de "Tieta do Agreste - O Musical"

Marcela Benvegnu

Antes de tudo isso não será uma crítica. Isso porque defendo que crítica é crise, quebra de obra em pedaços, e que passa muito (mas muito) longe de gosto ou opinião. (Falaremos muito de crítica, critérios e afins no curso de Redação Crítica de Dança, que eu vou ministrar no 27º Festival de Dança de Joinville, que acontece de 15 a 25 de julho, este ano). Confesso que é mais do que complicado explicar isso para as pessoas. A maioria acha que crítica é opinião. O que falarei em poucos parágrafos abaixo será simplesmente a minha opinião, coisa inédita nesse espaço.

Fui ao Municipal assistir "Tieta do Agreste - O Musical" ontem, dia 7 de março. A minha expectativa era grande. Fiz uma matéria que me movimentou por dentro jornalisticamente ("O Amado Brasil", que está abaixo deste post), uma matéria que eu tive tempo de produzir, pensar, e quando temos isso, de fato, o trabalho fica melhor do que o pá-pum. Depois produzi outro texto sobre os bastidores... figurinos e tal. Tudo bem divertido. Sendo assim, o musical seria para mim o fecho dessa tríade, de ouro.

Eu tinha uma visão privilegiada do palco. Antes das cortinas se abrirem sabia que os desenhos coreográficos poderíam ser vistos (e analisados) com perfeição e que eu iria devorar aquele musical. Estou acostumada a ir em espetáculos em SP, nos últimos anos foram poucos os musicais ou espetáculos de dança de grandes companhias que eu não assisti. E confesso que "Tieta" vindo a mim, na minha cidade, é algo bem mais fácil...

Mas... porém... entretanto, achei o espetáculo lonnnnnnnnnnnnnnnngo, talvez porque a montagem já começou atrasada 40 minutos. Tânia Alves segura o papel título com brilhantismo, assim como Emanuelle Araújo, a verdadeira voz das cenas. Blota Filho está impagável, sua voz cativa o público e quando ele troca de personagem nos faz parar e pensar: "Será que é ele mesmo?". O elenco funciona muito bem... a peça flui e os diretores foram felizes.

Sem comparações por favor. Mas pensei muito em Charles Muller e Claudio Botelho, que são conhecidos adaptadores de musicais... Pensei em Batah Chamma, em Tania Nardini, coreógrafas de musicais... Isso porque estamos acostumados com essas montagens "broadway", e a diretora de Tieta (Christina Trevisan) foi clara quando disse que de Broadway eles só tinham o padrão de qualidade. Figurinos, cenários, trocas de roupa, microfonia. OK. Tudo muito bom mesmo. Acredito que Piracicaba nunca tenha visto algo semelhante, ainda com música ao vivo. Os músicos eram ótimos. CLAP! CLAP! CLAP! Mas falta dança. Se aquilo é tão brasileiro como é intitulado e o brasileiro é um povo que faz festa mesmo quando seu time fica em segundo lugar... acho que faltou movimento.

(Vale lembrar que isso é uma opinião e não uma crítica, e se fosse crítica ela teria outro tom e outra forma de colocação, talvez algo do tipo: "Rosely Fiorelli, a coreógrafa, poderia ter mostrado mais pelos corpos que tinha em cena ...", porque é crítica, e não opinião. E CRÍTICA NÃO é GOSTO. E aqui estou publicando o meu gosto).

Não que eu estou defendendo a minha área, mas às vezes a palavra não dá conta de dominar o palco sozinha. A inciativa de criar um musical brasileiro é fantástica. Dá a chance de mais pessoas terem a oportunidade de entrar em contato com essa forma de arte e nos educa para um outro olhar. Confesso que preciso ver mais musicais brasileiros, para ver as tendências, ou mesmo a relação corpo-palavra. Tomara que eles produzam mais. Não é simples tirar do corpo a referência que você já tem... por isso como o trabalho é "brasileiro" não podemos e nem devemos criar comparações.

O Amado Brasil

2009-03-08T13:14:00.000-07:00

Foto: Assessoria/André Diniz Produções

Marcela Benvegnu
publicado no Jornal de Piracicaba, em 6 de março de 2009 / caderno Fim de Semana

Os aspectos mais corriqueiros da vida popular do povo baiano, seus costumes, modo de ser, agir, religiosidade e estratégias de sobrevivência foram mais do que traduzidos por um escritor da terra: Jorge Amado (1912-2001). Entre suas mais de 30 publicações, destaca-se “Tieta” (1977), espécie de espelho de algumas representações da identidade do povo brasileiro, que depois de ter sido tema de novela e filme, será pela primeira vez na história narrada em forma de musical, pelas mãos de uma mulher, a diretora e adaptadora Christina Trevisan. E para comemorar o Dia Internacional da Mulher, a montagem “Tieta do Agreste — O Musical”, estrelada por Tania Alves, será apresentada amanhã, às 21h, e domingo, às 19h, no Teatro Municipal “Dr. Losso Netto”, com apoio do Jornal de Piracicaba, na abertura da temporada 2009 do espaço. Piracicaba é a primeira e única cidade do interior a receber a montagem que fez temporada em São Paulo e agora excursiona pelo país.

Amado conseguiu expressar em palavras a essência da Bahia. Nas ruas do centro de Salvador ou nas plantações de cacau de Ilhéus, narrou conflitos e injustiças sociais, maravilhas e peculiaridades do seu Estado natal, além de construir personagens que esbanjavam sensualidade, como Tieta. “Quando a produção me procurou para que eu adaptasse a obra em um musical eu fui taxativa e afirmei que não faria algo estilo Broadway. Porque o que era preciso fazer com a obra de ‘Tieta’ era trazer à tona a sua brasilidade”, fala Christina.

Segundo a diretora e adaptadora da montagem, o musical revela um subtexto que vai além do seu regionalismo. “São anseios comuns de qualquer cidade pequena nesse Brasil. É a religião, os conflitos de sexualidade reprimidos, as relações familiares”, revela Christina. “E dentro desta proposta, me aliei ao Pedro Paulo Bogossian, que é o diretor musical, e a Rosely Fiorelli, a coreógrafa, para adaptarmos isso juntos. Eu retirei as letras das páginas do livro de Amado, o Bogossian musicou e a Rosely criou as coreografias. Não apresentaremos um show à la Broadway, porque temos um corpo brasileiro, somos irreverentes, cínicos, entusiasmados. De Broadway só temos o padrão de qualidade”, fala.
Em cena o público verá composições e coreografias que enfocam o forró, samba de roda, xaxado e até o tango. Tudo ao vivo. A banda é formada por seis instrumentistas, que acompanham o elenco em todas as apresentações. “Tenho certeza de que as pessoas se surpreenderão com o trabalho. A prosa de Amado é lírica, tem ritmo, rima. Cada hora nos encontramos em um personagem e aprendemos mais sobre outro. Por isso, Amado nos revela tanto nossa própria identidade e nos permite encontrar muitas Tietas”, atesta Christina.
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CONTEXTO HISTÓRICO
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Nas primeiras cenas do romance, assim como no musical, Sant’Anna do Agreste, pequena vila do interior da Bahia, vive dias de grande expectativa enquanto se prepara para receber Tieta, filha da terra que retorna depois de 25 anos morando no sul do país e trabalhando como cafetina. Aos 17 anos, Tieta (Tania Alves) viverá aventuras amorosas que escandalizaram a população e, denunciada pela irmã mais velha, Perpétua (Maria do Carmo Soares), é expulsa de casa pelo pai Zé Esteves (Osvaldo Raimo).

Desde a sua partida, o único contato de Tieta com a família era por meio de cartas que tinham como remetente uma caixa postal em São Paulo. Além da correspondência, controlada por Carmosina (Neusa Romano), funcionária dos Correios, Tieta também enviava ajuda financeira para o pai, as irmãs, Perpétua e Elisa (Emanuelle Araújo/ Vyvian Albouquerque) e os sobrinhos. Perpétua acredita que Tieta é proprietária de uma butique famosa em São Paulo e que da morte de seu esposo, um comendador, provém a sua riqueza. Quando Tieta retorna a Sant’Ana do Agreste, acompanhada de Lenora (Tânia Paes), que apresenta como sua enteada —, mas na verdade é sua protegida no bordel —, é recebida com grande pompa. O que as pessoas não imaginam é que ela esconde um grande segredo.

“Alguns estudiosos consideram Tieta uma síntese de todas as mulheres de Jorge Amado. Ela é uma mulher da natureza, que cresceu com as cabras e sua referência de sexualidade é a dos animais. Isso gerou liberdade no seu espírito”, fala Tânia Alves. “A trama revela uma história cheia de dramas e preconceitos. O fato de o pai ter batido nela com um cajado e de ela ter ido embora provocou uma grande dor na personagem”, fala. A atriz e cantora revela que em Sant’Ana do Agreste, Tieta é uma espécie de lenda. “Ela volta influente e tem uma posição política ativa. Regressa para perdoar, se reconciliar com a família”, completa Tânia.
A presença de Tieta em Sant’Ana do Agreste deixa marcas profundas. Enquanto a cidade se transforma pela chegada do progresso — Tieta é responsável por levar luz da Hidrelétrica de Paulo Afonso até a cidade — ela se envolve com o seu sobrinho Ricardo — seminarista e filho de Perpétua—; Lenora e o prefeito apaixonam-se, industriais querem sediar uma fábrica de titânio na praia do Mangue Seco, e Elisa sonha em morar com a irmã na cidade grande.

“Elisa é uma típica personagem de Amado. É a irmã mais nova de Tieta, que é casada com um homem que ela julga pacato e que sonha em se mudar para a cidade grande. Com a chegada de Tieta ela enxerga essa possibilidade de mudar de vida”, fala Emanuelle Araújo, que na novela A Favorita, da Rede Globo, viveu a personagem Manu, uma prostituta, assim como Tieta. “Elisa é apaixonada pela vida e é obrigada e enfrentar a educação rígida imposta pelos pais”, completa a atriz, que afirma que a montagem é um verdadeiro presente à cultura brasileira.

Talvez Elisa não consiga realizar seu sonho, pois quando o segredo da vida de Tieta é revelado, ela é obrigada a partir novamente. Mas, Sant’Ana do Agreste e seus habitantes nunca mais serão os mesmos e nunca serão esquecidos por ela. “Interpretar Tieta tem sido algo marcante na minha vida. Gosto de trabalhos ricos e desafiadores. A personagem exige várias nuances e estabelece uma série de relações com o pai, o sobrinho com quem ela tem um caso de amor, que exige muito de mim como atriz”, fala Tânia, que dedica o espetáculo a Jorge Amado e Zélia Gattai (1916-2008). “Certa vez encontrei com os dois e eles me disseram que gostavam do meu trabalho. Então, onde estiverem, minha Tieta é para eles”, completa.
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IDENTIDADE NACIONAL
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A proposta de Jorge Amado e outros modernos foi definida pelo crítico literário Antonio Candido como “ir ao povo”. Amado, de fato, parece não somente ter ido ao povo, como ter feito parte dele para escrever textos que fossem reflexos de pura brasilidade. Segundo a antropóloga llana Seltzer Goldstein, consultora da editora Cia. das Letras para o relançamento das obras do baiano — até 2012 a editora relançará os 32 livros do escritor — e autora do livro “O Brasil Best-seller de Jorge Amado: Literatura e Identidade Nacional” (Ed. Senac), Amado era um grande observador da realidade, que se relacionava com vários extratos sociais. “Com essa capacidade de trânsito, ele foi capaz de ter uma síntese do Brasil muito particular, que tem relação direta com a imagem que ele fez do país”, fala.

Para Ilana, o escritor conseguiu uma penetração tão ampla na forma de o brasileiro olhar o país que acabou formando opiniões. “A literatura dele estava a serviço da nação”, atesta a pesquisadora, que aponta características similares nas obras do autor, pós-década de 50, quando ele abandona a militância política. “A primeira é a força das personagens, que sabem conviver com a diferença, o que é uma característica do brasileiro. A segunda é a mestiçagem, seguida da força da cultura popular. Ele acreditava que a cultura popular deveria inspirar artistas eruditos e sempre dizia que apesar de ter feito direito, nunca foi buscar o seu diploma. Sua faculdade havia sido a do Pelourinho”, conta Ilana.

Entre os pontos também figura o amor do brasileiros a festas, a força dos sentidos e o jeitinho brasileiro de ser. “Ainda incluo uma outra característica à literatura de Amado pensando em ‘Tieta’, ‘Teresa Batista’ e ‘Gabriela, Cravo & Canela’, que é a violência. Violência de diversos níveis, seja física ou entre o arcaico e o progresso. Essa briga entre o velho e o novo está presente em ‘Tieta’. A questão de gênero também. Embora ele seja acusado de colocar a mulher mulata como objeto na maioria dos seus livros, nesses três que citei, ele mostra mulheres que rompem com a convenção. Tieta foi assim”, completa Ilana.
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SERVIÇO — “Tieta do Agreste — O Musical”, com Tania Alves, Emanuelle Araújo e grande elenco. Amanhã, às 21h, e domingo, às 19h, no Teatro Municipal “Dr. Losso Netto”. Ingressos custam R$ 50 (inteira); R$ 35 (Clube JP, Unimed e Acipi); R$ 25 (estudantes, idosos e professores estaduais). A peça é recomendada para maiores de 12 anos. Data, local e horário foram enviados pelos organizadores. Mais informações (19) 3434-2168.

Barbatuques de volta

2009-03-08T13:12:00.000-07:00

Foto: Manolo Moran

Marcela Benvegnu

Depois de um ano sem se apresentar em São Paulo, o Barbatuques volta com força total e estréia amanhã, às 21h, no Teatro Santa Cruz, o espetáculo “Indivíduo Corpo Coletivo”. O grupo traz à tona sons orgânicos e tribais, colocando-os em contato com sonoridades contemporâneas e celebrando o corpo como fonte infinita de música. Palmas, estalos, batidas no peito, sapateados, vácuos de boca, recursos vocais entre vários outros sons são encadeados na produção de ritmos e melodias.
O grupo tem cumprido uma agenda de shows no exterior, com passagem por países como o Líbano, Espanha, Suíça e França. No final de 2008 fez sua primeira viagem aos Estados Unidos, onde participou de workshops e apresentações com o reconhecido músico e pesquisador Keith Terry, pioneiro da percussão corporal na costa oeste dos Estados Unidos, além de participar do 1º International Body Music Festival (Festival Internacional de Música Corporal) que aconteceu em dezembro, em São Francisco. O Barbatuques foi o grande destaque do evento que contou com a participação de artistas dos EUA, Indonésia, Canadá, França e Turquia.
A experiência vivida e absorvida a partir desta intensa pesquisa e troca cultural influenciou a criação de “Indivíduo Corpo Coletivo”. O show apresenta diversas composições inéditas além de músicas presentes nos dois CDs e no DVD já gravados pelo grupo.
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NA BATIDA — Fundado em 1996, o Barbatuques é dirigido pelo músico Fernando Barba e conta com 14 percussionistas corporais. O primeiro espetáculo do grupo “A Casa” foi apresentado em 1997 e o primeiro CD da trupe — “Corpo do Som” — foi lançado em 2002. Em 2003 eles lançaram o CD “Marias do Brasil”, destinado ao público infantil e resultado da peça homônima que teve trilha sonora de Chico César e direção musical de Fernando Barba. Na sequência eles lançaram “O Seguinte é Esse” (2005), e foram contemplados com o prêmio Tim de Música como melhor grupo de MPB. Foi no início de 2008 que o grupo lançou seu primeiro DVD “Corpo do Som ao Vivo”.

PARA VER — Indivíduo Corpo Coletivo, com Barbatuques. Estréia amanhã, às 21h, no Teatro Santa Cruz (rua Orobó, 277), em São Paulo. A temporada vai até o dia 29 de março, aos sábados, às 21h, e domingos, às 20h. Ingressos custam entre R$ 40 e R$ 20. Datas, local, horários e valores foram enviados pelos organizadores. Mais informações (11) 3024-5191.